From A Pale Blue Rosary

Spirit of Radiohead (I Don’t Know)

2012-01-20T22:51:00.000-08:00

“Rowsof houses, all bearing down on me
I can feel their blue hands touching me
All these things into position
All these things we'll one day swallow whole
And fade out again and fade out”

最近因為Radiohead即將來台的消息，使我腦中時而混亂，時而空白，不斷間歇性的回想過往聽Radiohead的記憶，甚至縝密思考他們對於我的影響，或許在這個時刻我只是把他們對於我的重要過度放大了，在興奮之於所強附在自身上過多無謂的意義，但無論如何，開始聆聽他們的音樂的確是我人生一個重要的轉捩點。

七年前的我對英式搖滾異常的著迷，藉著網路的幫助認識了許多跟這曲風相關的樂團，當中不乏有Radiohead的團名出現在各個介紹上，便依著網路上的推薦去佳佳唱片行買了《The Bends》，那時的我一聽便相當愛，不管是獨特的吉他編曲，還是Thom Yorke真假音的旋律聲線都有強烈的吸引力。只聽《The Bends》當然無法滿足我的好奇心，接著又將《Ok Computer》購回，而這張專輯與前張的感覺相差甚遠，它幾乎將我抽離運行日常生活的軌道，俯瞰整個現代社會的面貌，不過，當時還是學生的我並無法更深刻的體會這張專輯所探討的各個層面。隔年，這兩張專輯也幫助十八歲的我熬過了升學考試。寫完最後的試題，我渴望自由來臨的那刻，但自由並沒有如預期到來。

我回過頭看當時所寫過的Radiohead文章，真的是有點慘不忍睹，但那種直述的感覺卻是最真實的，過去與現在的聆聽感必然有些落差，不過有些已根深蒂固的事卻永遠不會改變。

《The Bends》是一張屬於青春的自溺詩歌集，它帶著些許憤慨的觀點翻察著人類的每一項弱點，憂鬱、自憐、精神異常，歌曲的旋律近乎能觸碰到靈魂之核，即使我對他們這幾年來的新專輯給予不少好評，但《The Bends》的地位在我心中始終無法動搖，它是許多人心中的荒島唱片，也是屬於我心中唯一張能夠封藏在靈魂廚櫃中的唱片。

十八歲的那段日子，我習慣獨自留連書店，聽Radiohead的音樂，讀村上春樹的小說，不過現在只要將這兩件事兜在一起便會被人貼上文藝青年的標籤，然後再好好的冷嘲熱諷一番，這就如同給樂團貼上各種曲風的標籤，你無法全盤的了解，就將它歸類在一處以方便記憶的抽取儲藏。在離開學校生活後，才發現喜歡冷嘲熱諷的人的確不少，無論你秉持著自己的信念做事，依舊會遭到無心之過的嘲諷。對我來說，這兩件事會湊在一起好像只是巧合，只湊巧在同一個時間點上發生，不過在讀到田村卡夫卡正在聽《Kid A》時，心裡還是興奮了一下。我喜歡他們的音樂與小說之中都有一種走入迷宮的特性，讓人捉模不定，你不一定清楚它要告訴你什麼，但你會去不斷思考出口在哪裡。總之，不要再在乎那些無心的話語，請繼續熱愛你所熱愛的事物。

想起有人曾說過，當有人問你喜歡聽什麼樂團，你只要回答Radiohead就可以讓人覺得你很有品味，對音樂很有一套看法。團名的確可以成為一種品牌的象徵，任人利用、消費，但我覺得，這不嘗是件壞事，如果這個團名有那麼一丁點的機會能讓你進入他們的音樂，甚至有那麼一丁點的機會能了解他們的音樂想要表達什麼，使你去改變日常生活的習慣以及看待事情的態度，那就很足夠了。聽音樂畢竟是件極私人的事，你可以只享受音樂給你的那些安全氛圍、情感上的抒發，也可以轉化成某種可行動的力量，自由意志，取決於人。

Radiohead的音樂確實改變了我某些想法，讓我做了我十年前也想不到會去做的事—「創立一個聽搖滾樂的社團」— 從一開始不被看好，到後來與社員們努力辦起各式各樣的活動，發行社刊，在我薄弱的社交能力上，途中跌跌撞撞，摸索慢慢，終於將社團導入正軌，雖然我知道那些都將在畢業後逝去，但在我不愉快的大學生活中，那是唯一一件可以值得紀念的事。

即將離開大學生活開始進出工作場所後，對《Ok Computer》所要表達的東西似乎更有共鳴。規律的作息、沒有變化的飲食、電腦與人腦之間的緊密距離與長時間相處、不自覺的消費習慣、全球化的商品與服務、生活時間被壓縮、今天如同昨天、重複的禮貌性對話、坐車時所害怕的潛在危險、民主力量所誕生出的無限權力。

當我搭乘巴士駛入隧道，〈Let Down〉在耳邊響起，車上撥放著交通安全宣導影片，想起新聞不斷重複撥放的車禍影片，影像暴力性的植入腦海裡，我突然害怕車禍的發生，人的肉體絕對承受不起這樣速度加上突來的撞擊。

我想，《Ok Computer》令人稱道的地方就在於將現代生活中的潛在恐懼暴露在表層上，以光怪詭異的冷峻氛圍包覆曲子。即使這張專輯發行十多年後，依舊不減它的未來感。

這幾年來隨著Radiohead的音樂的變化，自己聽音樂的口味也變得有所不同。從Joy Division、Magazine至The Smiths、R.E.M再到Neu!、Can等各種電子取向的音樂，乃至Dubstep曲風的Burial，甚至是爵士樂手Miles Davis和Charles Mingus。他們幾乎吸取所有現代音樂的精華，將每一個要素都融入到自己的音樂形式中，卻聽不出與前人有過多相似之處，樂隊的默契也是當前絕無僅有的好，每一個團員的態度都相當的謙遜，近年來幾張專輯的風格也顯得更加穩健細緻。

Radiohead的意義對每個樂迷來說都有所不同，能親臨他們的現場演出一直都是每個樂迷心目中的指標，如今這個指標就在眼前不遠處，那就請大家拭目以待吧！

My Favorite Albums of 2011

2011-12-24T23:07:00.000-08:00

1. PJ Harvey - Let England Shake

《Let England Shake》是今年唯一一張讓我聽得感動的專輯，專輯中情感與悲憤的詞句，套以優美流暢的編曲，使得整張作品有著強勁的力道。當世界無法趨向和平，人權被龐大利益操控剝奪，總要有人不時來點醒這遠古至今始終存在的事實。這張專輯獻給那些在黑暗處被無辜犧牲的人們。

2. Radiohead - The King of Limbs

會把《The King of Limbs》擺在這個位置，連我自己也有點訝異。如同多數人對它的失望，剛開始我也覺得這張作品聽來平淡無味，但後來聽了無數次才發現它的音樂性相當細膩，以雙鼓的節奏與貝斯韻律為要角，吉他與合成器輔以營造氛圍，銅管樂器適時起奏，加上Thom Yorke獨特的嗓音實為一绝。整體聽來受Dubstep影響，不過層次卻複雜又溫暖，幾乎難以歸類在任何音樂類型中，甚至沒有樂團可以相比擬。我也欣賞他們能夠脫離主流的唱片體系，不向大眾口味靠攏，堅持自己想做的音樂。《The King ofLimbs》雖不會成為經典，但它的確是一個獨特的存在。

3. Destroyer - Kaputt

當獨立搖滾遇上八零合成器旋律以及輕爵士，除了浪漫還是浪漫。《Kaputt》集合了所有流行好聽的旋律，但又不會讓人覺得膩耳，小巧的電子節拍加上薩克斯風與小號的交互合奏，偶而再來段電吉他獨奏，使聽者很容易的就沉醉在那樣柔和的氣氛中。說《Kaputt》是今年最「好聽」的專輯一點也不為過。

4. Giles Corey - Giles Corey

Have A Nice Life主唱Dan Barrett以一把木吉他所譜寫出的殉道詩篇，將負面情緒轉化為黑色民謠，總和生命將至前的經歷，化作一首首黑暗绝美的壯闊樂曲。

5. Bill Wells & Aidan Moffat -Everything's Getting Older

Arab Strap主唱Aidan Moffat與爵士鋼琴手BillWells的聯合創作。《Everything's Getting Older》的詞作相當具有文學性，每一首歌都自成一篇故事，那些關於自由、道德、情慾、孤獨，全都在Aidan Moffat的唸唱之間展露開來，除了歌詞，以鋼琴為主的編曲也與旋律完美契合。在那些逐漸變老的事物中，故事將永不衰老並深藏在讀者心中。

6. Bon Iver - Bon Iver

Bon Iver的這張同名專輯在今年的獨立樂界中大放異彩，雖然我更喜歡上一張專輯的情感表現，但完整樂隊編制所表現出來的感覺是截然不同的，樂器所堆疊出的層次相當豐富，然而聽到更多的是山川縱谷的自然感，彷彿一飲甘醇溪水，跑上陡崖望向深淺藍交錯的海平線。

7. Tom Waits - Bad As Me

從來不是Tom Waits的死忠樂迷，但我很喜歡《Bad As Me》那種在美國生活的城郊氣息，專輯前半部粗曠後半部卻帶點溫暖，呈現出一種個性上的反差，而個人風格的強烈自然不在話下。他滄啞的嗓音始終是迷人的致命武器。

8. Stephen Malkmus - Mirror Traffic

我是Pavement的死忠樂迷，所以主唱Stephen Malkmus 的《Mirror Traffic》怎麼能掉出十名外！這是張歪曲又好聽的獨立搖滾專輯，誠心推薦。

9. The Raveonettes - Raven in the Grave

對今年的Shoegaze、Noise-Pop的作品有些疲弱感，不過相較於其他同類型的作品，《Raven in the Grave》仍是我覺得在水準之上的。

10. Esben and the Witch - Violet Cries

深沉的氣勢，幽暗的氛圍，《Violet Cries》是我今年最喜歡的一張後龐克專輯。

11. St. Vincent- Strange Mercy

12. The Decemberists - The King Is Dead

13. Fleet Foxes - Helplessness Blues

14. Thurston Moore - Demolished Thoughts

15. Secret Shine - The Beginning and theEnd

16. Gil Scott-Heron & Jamie xx - We'reNew Here

17. Team Ghost - We All Shine

18. Kurt Vile - Smoke Ring for My Halo

19. Bill Callahan - Apocalypse

20. The War on Drugs - Slave Ambient

21. Alex Turner - Submarine (Soundtrack)

22. Boris - Heavy Rocks

23. The Horrors - Skying

24. Principe Valiente - PrincipeValiente

25. Ringo Deathstarr - Colour Trip

26. R.E.M. - Collapse Into Now

27. Deerhoof - Deerhoof vs. Evil

28 .Bodies Of Water - Twist Again

29. Low - C'mon

30. Korallreven - An Album by Korallreven

31. Ladytron - Gravity the Seducer

32. Future Islands- On the Water

33. The Pains of Being Pure at Heart - Belong

34. Seapony - Go With Me

35. Belong - Common Era

36. Wugazi - 13 Chambers

37. Death Cab for Cutie - Codes and Keys

38. True Widow - As High As the HighestHeavens and From the Center to the Circumference of the Earth

39. Boris - Attention Please

40. Masquer - Cover My Face As The AnimalsCry

41. Veronica Falls- Veronica Falls

42. Noel Gallagher - Noel Gallagher'sHigh Flying Birds

43. Zola Jesus - Conatus

44. Grouper - A I A

45. Memory Tapes - Player Piano

46. Implodes - Black Earth

47. J Mascis - Several Shades of Why

48. Deep Cut - Disorientation

49. Steve Hauschildt - Tragedy &Geometry

50. Mogwai - Hardcore Will Never Die, ButYou Will

喜愛的華語專輯 (不分排名)

王榆鈞 - 沙灘上的腳印

Doodle - Sacrifice in Despair

昆蟲白 - 自然人

馬克白 - Hands

落日飛車 - Bossa Nova

包子虎 - Highway Children

Giles Corey - Giles Corey

2011-12-11T23:24:00.000-08:00

Giles Corey是由Have A Nice Life主唱Dan Barrett所化名的另一項音樂計劃，在聽完整張《Giles Corey》同名專輯後，我又回過頭去聽Have A Nice Life三年前的作品《Deathconsciousness》，這張極具野心的專輯無疑是這幾年來我最喜愛的專輯之一，然而兩著相較起來，Dan Barrett確實將一些Have A Nice Life的音樂實驗元素帶到《Giles Corey》裡，諸如黑暗色調的環境聲響、回聲感的殘響鼓擊、低傳真效果的吟唱，只不過《Giles Corey》的基調是以Acoustic的吉他民謠為主，並且在詞曲本體上更加私人，延續著死亡意識，主題圍繞在Dan Barrett自身試圖自殺數次的經歷。

十六世紀的巫師審判事件中一名GilesCorey的巫師因拒絕承認罪刑被重石壓刑致死，聆聽GilesCorey的過程中也同樣感受的到那種被一顆顆巨石逐漸壓頂的沉重感，以重度來說，幾近可以跟Mount Eerie的《Wind's Poem》相比，融合黑金屬的《Wind's Poem》可以說是我近期聽過最重的民謠作品，但《Giles Corey》給人感覺的重度又比較靠近於精神上的，那種沮喪到極致的沉重，從第一首〈The Haunting Presence〉中便能感受到Dan Barrett的中魔狀態，琴鍵鋪陳的前奏，回聲感厚重的人聲，搭上敲擊心臟的大鼓與行刑式的鐵鍊聲響，在曲末，你甚至可以想像他在鋼琴前胡亂彈奏的發狂模樣，說是精神分裂也不為過。

〈Blackest Bile〉沒有首曲的分裂感與懾人的氣勢，著實是一首好聽的Acoustic民謠，後段的回響大鼓與木吉他刷奏做了很好的搭配，迷離的環境音也替歌曲添了幾分空間感。〈Grave Filled With Books〉使用了溫和音色的電吉他聲響，描繪他徹夜無法入睡，與書籍那些難以數清的文字共枕，如同書頁覆蓋在他的墳上，也覆蓋上了他的孤寂。

〈Spectral Bride〉如同古老的木吉他歌謠，層疊的嗓音替歌曲覆上一色褐灰，雙琴鍵聲的加入，彷彿為他的沮喪帶來一絲絲希望。〈No One Is Ever Going To Want Me〉以幽暗的細微聲響為前奏，其中一段歌詞：＂New england is mine, and
it owes me a living＂，無非是從The Smiths的〈Still ill〉引用而來，曲末，Dan Barrett突如來的喊叫便將所有樂器導入歌曲，不斷唱著：＂I want to feel like I feel when I'm asleep＂，將曲子的情緒張力擴張到最大。

專輯裡最沉靜的一曲子莫過於是〈ASleeping Heart〉，但歌詞卻異常悲傷，他唱著：如果我死了，請拿起石頭在我的墓碑刻下這些孤單的字詞：「我該如何喚起你沉睡的心？」，Dan Barrett如同將一封自殺前的遺言寫成一首平靜的悲歌。

終曲〈Buried Above Ground〉重覆著首曲的中魔詞句，所有的樂器的磅礡合奏猶如下葬前的進行曲，後來，他依舊欲想將自己埋葬在塵土之下。

專輯還附有一本一百五十頁的精裝小書，內容講述Dan Barrett個人在沮喪中掙扎的故事與自殺經歷，以及一位輪迴理論學者Robert Voor的事蹟，相信這本書能讓樂迷更加了解這張專輯。即使《Giles Corey》是如此沉重的作品，但我仍是欣賞Dan Barrett在音樂上的表現，他總能在實驗性與歌曲的旋律性中取得平衡，而這張Giles Corey的作品也再次證明了他優異的寫歌能力；還是希望他不會被這生命不能承受之重給沉壓窒息，因為我們依然期許能聽到他更多的作品。

落日飛車 — Bossa Nova

2011-11-29T04:59:00.001-08:00

開始聽落日飛車的首張專輯《Bossa Nova》之前，他們音樂最初給我的印象是玩著八零年代的復古電音，孰不知他們現在的曲風已有了一百八十度的大轉變，當撥下《Bossa Nova》的第一首歌時，馬上就擊碎了我對落日飛車既定的音像模組。

他們在《Bossa Nova》中以傳統搖滾的三件式樂器中玩起了六、七零代的藍調、車庫搖滾，帶有十足的草根味，聽來雖復古的令人懷念起The Velvet Underground、The Beatles、The Rolling Stones、Cream等團，但絲毫不帶有一點陳舊感，整張專輯的重點著重於韻律當中，充滿即興的趣味，時而迷幻，時而慵懶，吉他、貝斯、鼓的各個聲軌錄製皆有到位。

〈Bomb of Love〉猶如從Lou Reed的《Transformer》所變形而來的曲子，清脆的吉他刷弦伴隨輕盈的口哨聲，以鄉村感的電吉他獨奏做結，形成一首漂亮的小曲。貝斯的韻律在〈No Man's Land〉中表現得亮眼，整首曲子如同披頭四的迷幻流行曲，使人乘著節奏飛梭宇宙。

個人很喜歡這首帶有點Ska風味的〈Hogi Hogi La La Jo〉，反覆的吉他Riff與紛亂鼓點的組合實在有趣。〈A Little Piece Of Sadness〉的間歇吉他刷奏與輕肆的節奏則讓人想起The Strokes，好一首車庫搖滾復興曲。而〈Pinky Pinky〉純粹返回到六零年代的車庫搖滾，粗糙的吉他破音，低傳真的嘶吼，直線的吉他獨奏，簡潔又有力。

〈Little Monkey Rides On The Little Donkey〉給我的感覺就像他們的團名，在落日餘暉下乘著飛車墬落，藍調的吉他音階給了曲子些失意的浪漫。兩首同名曲〈Blues〉，前曲是深情情歌，後曲則前衛猛烈，將藍調搖滾兩種全然不同的面向展露無疑。

整張《Bossa Nova》充滿著多元的復古元素，除了濃厚的懷舊氣氛，還暗藏了些夏日的南洋風味，在放鬆之餘還能隨著韻律起舞。終曲〈My Monday Throne〉的確是專屬於落日飛車的Bossa Nova，當小號聲一出，你從猜不著他們的音樂還會帶給你什麼樣的驚喜。

原文刊載於iNDIEVOX

自由

2011-11-11T22:25:00.001-08:00

   在閱讀完《自由》一書後，我一直思索作者Jonathan Franzen在本書所要闡述的自由到底是什麼？仔細回想著書中情節，Jonathan Franzen幾乎顛覆了我對自由的看法。原來我們所認知的自由，一直都是在當下那種脫離約束，身心靈解放瞬間的快意感，但《自由》所描寫的則是人們在自由之後所造成的衝突與碰撞。作者在書中以柏格蘭這個美國的中產家庭為核心，由這核心擴散開，精準描繪自由主義在美國盛行下所產生出的連帶效應。

     在第一章節〈好鄰居〉中，作者以俯瞰的視點寫出柏格蘭夫婦如何在聖保羅將家庭組織起來爾後卻又搬離此地移居華盛頓，並夾雜著鄰居們對這對夫婦的觀感，但這個視點是屬於表層的，我們只看的到人物外在的性格以及行為，如父親沃爾特是個知識份子、環保主義者，離開3M公司致力於自然保護協會的工作，母親佩蒂學生時代曾是籃球隊員，如今熱衷於家庭，溺愛她的兒子喬伊，造成他兒子後來的叛逆離家。從這個篇章看來，整個家庭在自由主義的氛圍下，彷彿被推上懸崖邊搖搖欲墬。

     而第二章節〈錯誤已經鑄成〉實為佩蒂的自傳，作者將視點切換為佩蒂這個角色本身，以時序來講述自己過往的回憶，包括她父母對她的不重視所造成的傷害，沉迷藥物的好友對她的愛慕和依賴，以及與沃爾特和搖滾樂手理查之間糾纏難解的情感習題。我們從這篇自傳中，更深刻的了解到佩蒂為何在後來將自己奉獻給家庭，甚至對自己的兒子付出過多的愛，最後又是如何迷失於理查叛逆的魅力，埋下家庭崩解的種子。

     Jonathan Franzen在本書多次以這種裡層／外層的手法將每一位主要人物塑造出來，使得讀者很容易的進入角色的心境，與同樣擅長書寫美國中產家庭的作家John Updike相比，Jonathan Franzen雖無法像John Updike有著細膩、工筆畫般的文字功力，但他淺顯精要的書寫方式的確讓故事進行的相當流暢卻又不失角色的深度。

     我想，《自由》會如此受到好評的緣故之一在於故事本身與時代的繫結，經歷過布希政府，九一一自殺攻擊，伊拉克戰爭，再到歐巴馬上任美國總統，《自由》與當代美國史可說是脫不了關係，也就因為這樣的關係，讀者對於角色所談論的事物相當能夠感同身受，當我讀到主角沃爾特一直關注世界人口過剩的問題時，新聞媒體正報導出世界人口突破七十億大關並以驚人的速度持續增加，實在不得不佩服Jonathan Franzen對於時代脈動驚人的洞察力。

     然而，對於喜愛搖滾樂的樂迷來說，還能在《自由》中讀到不一樣的興味，藉由沃爾特的好友理查這個角色，你可以窺探到一些美國搖滾樂／獨立音樂場景的樣貌，無論是Bob Dylan對理查的影響，還是邀請The White Stripes來為公益活動演出，或是由角色的言論所提到的一些樂團／樂手像是：Iggy Pop、Sonic Youth、U2、Bright Eyes、Jeff Tweedy、Ben Gibbard等，不經會讓人覺得，原來作者對這些次文化場景也有一番研究，甚至藉理查這個憤世忌俗的搖滾樂手來批評現在的流行音樂。在這個音樂檔案數位化，歌曲變得廉價的時代，理查自我調侃著自己的音樂如同口香糖般，嚼久了便覺得無味，並質疑現在的搖滾樂是否還存在顛覆的價值。搖滾樂向來被當作一種自由、反叛的象徵，但在自由經濟底下被商業收編後，它反倒成為一種可包裝的商品，人門關注它所帶來的利益和流行品味似乎遠超過於它所能帶來的精神與內在價值。

     回到沃爾特這個角色身上，作者其實帶有諷刺意味來描寫沃爾特這個知識份子，當他傾心於保護稀有鳥類的同時，卻要犧牲掉當地居民的居住權利，當他在想解決世界人口過剩的方法時，卻跟妻子佩蒂擁有兩個孩子，甚至還反對他的婚外情對象拉麗莎做結紮手術。沃爾特這個角色充滿了自我矛盾，他只是想做個好人，試著當個好父親、好丈夫，自由的想做他自己想做的事，沒想到卻也犧牲了他人的自由，到後來失去了所有成為孤單且偏執的一個人，相反來看，他的妻子佩蒂亦是如此。

     不過故事到了最後，作者依然讓角色在互相傷害彼此之後進行了和解，或許有點隱晦，但原諒彼此似乎是每個自由個體在互相傷害後的解答，我們也在他們的傷口之上看見了一點真實的痕跡，畢竟在現實世界，人與人之間也的確存在著眾多難以解決的對立與難題。

     鳥類對人們來說是一種自由的象徵，當沃爾特保護著它們的同時，意即保護著屬於他的自由。對照《自由》裡的每個角色，當書中人物在保護自己的自由時，卻也展露出自己自私的模樣，模糊了道德的界線。

   《自由》的格局實在是無庸置疑的龐大，由個人、家庭、社會，至文化到環境，作者Jonathan Franzen對近代美國社會的觀察近乎細微，當然，我認為最精采的部分乃至於他將一個龐大的家族譜系描繪的栩栩如生，尤其在於家庭對於個人的影響。在閱讀完這些篇章之後，不經讓人認為《自由》能被稱之為世紀之書的確一點也不為過。

本書官網：http://thinkingdom.sg1010.myweb.hinet.net/LF0015

力量的軌跡

2011-10-30T08:02:00.000-07:00

有天，年齡小我十幾歲的孩子執意要和我較量腕力；他是個熱愛棒球，身體健碩的孩子。雖然我有著年齡與體格上的優勢，但他憑藉每日投球所鍛鍊出來的臂力仍不可小覷，畢竟我與同輩相比身形相對瘦弱，也沒有鍛鍊臂力的習慣，所以面對這突來的挑戰心裡還是有著幾分或許會輸的想法。

他將被日照曬得黝黑的手臂擺在桌上，蓄勢待發的弓著臂彎，而我也二話不說的將手掌握入他的掌心，準備這場力量的抗衡。倒數著三、二、一，兩方的腕臂便往相反的方向施加壓力。剛開始，我試探著不出全力，但他的臂力的確不小，使得雙方的手臂都僵持在正中央，無從倒向任何一方，直到他的力量稍稍耗盡，我才使盡全力讓他的腕臂平倒在桌平面上。

無從得意的勝利雖屬於我，但我始終明瞭，等他到了我這個年齡，他所擁有的臂力將遠超越我。這讓我想起那些仗著年齡優勢的人，其實沒甚麼值得驕傲的，隨著時間黑洞般的能力，那些自身曾有過的力量都將被吸入無底的黑暗，一切老化，然後死亡。

孩子總喜歡用外在的力量來證明自己，他們用與生俱來就擁有，亦或後天訓練習來的能力來和其他人較量，競賽的輸與贏是他們時常關注的事。無論甚麼樣的競賽，都比他們上課、寫作業來得容易聚精會神，來得容易投入。我無法明確的說出時常的競賽是否會扭曲了孩子們心裡的甚麼，或許輸贏的概念因此被強烈加深在他們的腦海中也不一定；贏成了件必要的事，輸卻令人沮喪。

他跟我說，他不喜歡讀書，所以可能讀到高中就不會再讀了。我想起比腕力時所握到他手上的厚繭，那是一般孩子所不會有的，尤其是像我這樣生長在都市的孩子；握一個人的手彷彿能感知他的經歷。那時我只說：「做你想做的事吧，喜歡打棒球就繼續打下去吧！」但我實際還想說的是，希望他能多讀些教科書外的書籍，讓自己心裡的力量再強壯一些，不再升學也無所謂，但要學會如何思考以及理解這個世界的樣貌。不知怎麼，我沒說出口，可能我只是討厭自己說教的樣子。

在夏天的艷陽下，他與其他孩子在操場的綠地上練習著投球。他由手套拿出球，使勁力的揮動手臂與手腕將球拋出，球速直的拋向前去，從遠方看去，身體的動作與球的速度是一個完整精確的連續律動，我想，那的確是一種屬於力量的軌跡。

Doodle - Sacrifice in Despair

2011-10-16T19:11:00.000-07:00

在那些絕望的時刻中，犧牲成為了宿命，也成為Doodle首張專輯《Sacrifice in Despair》的誕生。聽著《Sacrifice in Despair》裡豐富的聲響，不經會讓人覺得這組樂隊一定有著大量的音樂聆聽量，然後從中吸取養分，嘗試過許多的電吉他效果器實驗，最後才將所習得到的東西內化完全，進而轉化為自己的創作。

Doodle的音樂脈絡中流竄著八、九零年代新迷幻搖滾的血液，你可以在他們的曲子中聽見Spacemen 3以降樂隊所建立起的迷幻太空聲響，以及受到將早期迷幻音樂重新詮釋的The Brian Jonestown Massacre和The Warlocks等新迷幻樂隊的影響，當然還少不了Shoegaze名團Slowdive迷濛似幻的低吟旋律與電吉他音牆。

作為序曲的〈Entrance〉引領著聽者進入他們音樂的迷幻隧道，無縫銜接著〈Dirty Fairy〉以及〈Limbo〉聽來一氣呵成，以空間感的效果器築構起聲音的場域，再刷奏粗噪的破音吉他，讓噪音效果成為曲子行進的要角，甚至在歌曲四處皆可聽到反饋殘響，而殘響也使得整體的聽覺空間變得更加立體。

〈Something We Forgot〉與〈Lost in Blue〉讓專輯蒙上一股憂鬱的色彩，使人猶如走入隧道許久後卻瞧不見盡頭似的迷茫。〈Chronic Suicide〉則流露出與其他曲子不同的氣質，帶著Indie-Pop的旋律聽來好似The Vaselines的〈Jesus Wants Me for a Sunbeam〉，因此不知此曲是否為另類的致敬。〈Addiction〉來回穿梭耳際的聲響更讓人沉醉於他們把玩太空搖滾的無盡漂浮中。

雖說英語的唱詞不免讓人聽來與國外樂隊難以有所鑑別，但《Sacrifice in Despair》在聲音的組成與編曲上聽來流暢且細膩，空間感相當的棒，聲響極具有變化性，對喜歡新迷幻搖滾的台灣樂迷來說，這張專輯绝對是不可多得的作品。

原文刊載於iNDIEVOX

雜字

2011-10-08T02:51:00.000-07:00

當我們在思索未來的時候，遺失的卻是存在於當下的感覺，陷入對遙遠未來層層想像的漩渦中，理想的雛型看似離自己相近，幾乎觸手可得，但那也不過是如煙般的薄弱幻象，只要旁人以嘴輕輕吹拂，一切便隨著不經意的氣息煙消雲散。

未曾如此平靜。清晨五點，還未思考接下來得做的事，腦袋尚未完全清醒，獨自一人站在道路的雙黃線上，雙向車道沒有任何往來車輛，只有號誌燈孤獨明滅著燈號。路的一頭通往山邊，另一頭則直直通往市中心，而我則抬著頭，望著透明的淺藍色天際﹔在那瞬間，存活在當下的感覺變得無比強烈。

彷彿，死亡與新生的宿命融合在這片蒼穹上，而我從未留下一刻去觀看這舉目所及的超現實景象﹔景象雖在腦中成為美好卻慘鬱的詞句，但當日陽從雲層滲透出微光，現實便逐漸從沉睡中甦醒，擊退了超現實的想像。那些沈浮在腦海的字詞隨即陷落到無底洞內，迷失了去向。

淅瀝瀝的秋雨漸次滴落在黑色的薄外套上，而滴珠被吸入深色絨棉的黑暗之中，直到臉上完全感受到雨的擊打，自己才從失落之中清醒過來，那些責任，忙碌的瑣事隨即攀爬上心頭，佔據了思考的大半部份，而我只能把一些還來不及記下的感知藏諸在記憶的後頭，並祈禱在這些時日過後我還能完整記起。

我還未能記得什麼。我不會記得新生之時初來世上的感受，也不會記得死亡瞬間以及過後的痛楚亦或平靜，新生與死亡將記憶排除在生命的門外，即使人們再自私貪婪也無法擁有這兩樣記憶。它成了神聖的標記，使得生命伴隨著記憶存在於這兩個標記之間，只要跨越任何一處，都屬於記憶的黑暗時期。

現在的人們沒有時間沈溺於神秘的思考，所有的一切都像被制度驅趕著，只有目地與達成、苦勞與報酬。他們總是坐在那張蓬鬆的皮椅上，跟你大放厥詞的說著：「人生在世，時間有限，請好好把握。」孰不知，時間與自身的關係是任憑自己所掌控的，那怕只是在孤自的當下去感受週遭的萬物，時間也無法將你緊緊抓住，成為你的枷鎖。在霎那，已是無限。

Sebadoh @ The Wall

2011-09-29T04:39:00.000-07:00

美國獨立搖滾樂隊Sebadoh的首次來台，對許多喜歡八零年代另類搖滾的樂迷來說是一件相當驚喜的事；他們音樂中那種粗製濫造的低傳真精神影響了無數後輩樂隊，而那樣粗曠不經修飾的精神也正是他們音樂最迷人之處。自Sebadoh創團的二十五個年頭後，我們終於能有機會在自己的家鄉聽到他們的現場，這樣的感覺就如同與許久不見的好友相見一般，心裡總會想著：「久違了，好友。」

演出當晚，頂著捲髮的主唱Lou Barlow用台語向臺下的觀眾們打招呼，貝斯手Jason則穿著Led Zeppelin的T-Shirt蓄勢待發，當Lou刷彈開場曲〈On Fire〉的前奏，鼓手Bob便慢慢開始打著沉穩的鼓擊，Jason的Bass韻律也厚實的搭在節奏上，這時，全場一陣熱烈歡呼。

表演揭開序幕後，Lou不改他幽默的個性在舞台上喃喃自語，也不斷的提醒著自己不要睡著。當他唱著經典曲目〈Skull〉時，我們的雙腳如同踏上滑板隨著電吉他的刷奏騁馳在無人的街頭，緊接著的〈Rebound〉更是讓人猶如跳上彈簧床，身體不由自主的想跳上跳下，粗噪的電吉他破音不時像電流般穿過身體，從未想過他們的現場如此具有能量，而我想，這時Lou才正從自己的音樂中清醒過來。

在Sebadoh的現場中存在這兩種不同的靈魂，除了Lou之外，另一個則是Jason所創作的歌曲。當Jason擔任主唱，背起電吉他時，Sebadoh瞬間變成一組硬蕊龐克樂隊，快速的電吉他獨奏，加上聲嘶力竭的呼喊，完完全全呈現出搖滾樂最原始的爆發力。他們的現場絕對比專輯Hardcore上好幾倍，而Lou也徹底展現他在Dinosaur Jr.彈奏貝斯的功力，由貝斯所刷奏出來的重低音與Jason的強韌曲調作了最完美的搭配。

〈The Freed Pig〉是我最期待聽到的曲子，當Lou唱著那些歌詞，總會讓人想起他與Dinosaur Jr.主唱J Mascis之間的愛恨情仇，不過更多的是Lou的自我調侃，但以往的那些紛紛擾擾都已過去，如今這兩位獨立搖滾界的巨頭依舊待在同一組樂隊裡玩著音樂。

Sebadoh的每首曲子雖然只有一至二分鐘，但每一首都是不拖泥帶水的直擊人心，整場演出總共唱了三十二首曲子，算是非常的有誠意。看著已四十五歲，有點微微發福的Lou仍在舞台上賣力的刷著吉他，彷彿能體會到有什麼東西在他身上是從年輕到老都不會變的。

聽著Sebadoh的現場，我懷念起那個科技尚未極至發達的年代，還有一捲捲的音樂卡帶、MTV音樂台上的另類搖滾樂、厚重的膠捲相機、遠方寄來的信紙。而在這震耳欲聾的搖滾樂聲中，有那麼瞬間，我們的確重返了那逐漸遙遠的八零年代。

原文刊載iNDIEVOX

Stephen Malkmus and the Jicks - Mirror Traffic

2011-09-09T18:32:00.000-07:00

在秋老虎的天氣下，炙熱的豔陽照射在黝黑的手臂上，不時感到有些刺痛，但我無法從這裡逃開，就像隻籠中虎，嘶吼卻沒人理會。但聽著Stephen Malkmus在〈Tirgers〉唱到 ” We are the tigers , we need separate rooms”又覺得他說的很對，待在孤獨的牢籠有時總比與人形成對立來得好些，那些分歧的意見所製造出的衝突已經傷害彼此太多。

即使我很喜歡Pavement的音樂，終究沒能趕上他們重組的巡迴演唱，只能在家撥著音樂，自個兒唱著他們一首首扭曲歪斜的調子。我們都知道Pavement可能不會再有新的作品，但卻並不會因此感到遺憾，畢竟主唱Stephen Malkmus還是依舊在寫歌，雖然少了些年輕氣盛的嘶吼，不過從他的音樂聽到的仍然是Pavement的延續，尤其在這張《Mirror Traffic》更是顯著。

或許是製作人Beck喜愛Pavement的《Wowee Zowee》，所以《Mirror Traffic》的走向聽來與《Wowee Zowee》有些相似。在即興的編曲當中又不喪失旋律性，整體聽起來比Stephen Malkmus And The Jicks的上張專輯《Real Emotional Trash》還來得容易入耳，沒有冗長的曲子，每首歌的節奏都掌握的相當好。

以木吉他撥弦為主奏的〈No One Is (As I Are Be)〉，Stephen Malkmus的嗓音始終維持著一貫的慵懶，哼唱著簡單的旋律，卻意外的深刻動人。單曲〈Senator〉以幽默大膽的歌詞隱射出政治意涵，狂放的電吉他刷奏與鼓擊此起彼落，這首歌也聽得出Stephen Malkmus與The Jicks長年來合作的默契，每樣樂器的演奏都相當到味。

〈Stick Figures In Love〉是另一首我很喜歡的曲子，Beck也在其中參與演奏，不管是電吉他獨特的音色還是貝斯的韻律都相當吸引人，孰不知Stephen Malkmus的歌詞到底在寫些什麼，有時候他也許只是為了配合曲子的音調所唱出些字詞，卻讓樂迷個個迷失在他難解跳脫的詞句疑陣中。

《Mirror Traffic》整張專輯都很合我的胃口，很久沒聽到這麼有個性的搖滾專輯了，當然，那樣的個性也是屬於Stephen Malkmus自己的；在我心目中，他至使至終都是獨立搖滾樂界的傳奇。走路歪歪，隨風搖擺，大聲吼叫，他會說：「顛倒的世界正是我們的所在。」

馬克白 - HANDS

2011-08-15T19:09:00.000-07:00

還記得初次瞧見馬克白演出，他們在試音時彈奏了Joy Division / New Order的名曲〈Ceremony〉，當前奏一出，馬上就強烈吸引到我的注意，這首歌對無數喜愛後龐克的青年們而言就像是一個獨特的印記，他們彷彿在說：「如果你喜歡這首歌，那你或許會喜歡我們的音樂。」不出所料，當吉他、貝斯、鼓猛烈齊發，復古鍵盤聲響一出，馬克白的音樂果真擁有這首曲子所傳承下來的血脈。

好聽的後龐克音樂，在各樂器的表現上都必須層次分明，旋律含括些黑暗的意念，但在編曲上也容易落入型式的窠臼，不過馬克白在專輯《Hands》中所展現出來的思維卻相當不俗。他們的編曲偏向於千禧年後後龐克復興時的新一代樂隊們，如同近年The Horrors和Editors將八零年代的合成器旋律融入後龐克的曲式裡，甚至在他們反覆的吉他刷扣和速度感的鼓點中，也可以讓你感受到Dance-Punk那般的跳舞節奏。

序曲〈All In〉由緩慢的吉他旋律開始，在逐漸加快樂器節奏，給人十足的聽覺暖身。〈Shadow Killer〉裡激昂的電吉他刷奏與合成器的旋律完美的契合在一起，著實聽來刺激。〈Ant Glasses〉與〈Louis Ninetten〉的合成器音色聽來十分具有電玩感，在那層層灰暗的吶喊旋律下，還藏著些許的趣味。

以〈Love〉這首演奏曲為分界，專輯才正要開始進入高潮，尤是倒數三首更是令人聽的過癮。〈Spin〉的Bass Line绝對是整首歌的亮點。〈New Universe Order〉中扭曲的合成器鳴響與綿密的鼓點連成一氣，不斷變換的樂器橋段將情緒繃上到最緊。他們的壓軸曲目〈Red Light City〉擺在專輯最後勢必讓人感到意猶未盡；看著入夜城市的閃爍霓虹燈，不可抑制的黑暗情緒才正要開始蔓延。

《Hands》的音樂類型在台灣的獨立搖滾樂壇中绝對是少見，即使吸取西方養分，他們也把玩的相當不錯；當你聽完馬克白的音樂後，不經意會發現，台北與曼徹斯特間的距離似乎比想像中來的靠近。

原文刊載於INDIEVOX

兩星期

2011-08-14T20:06:00.000-07:00

還未黃昏的不遠前方
讓他淺紅的唇
追逐妳
不完美的鵝蛋臉龐

還未碰觸的生澀手心
讓牽絆期許著引力
忽遠，忽近
調皮游移著親密距離

他有顆耿直的心
可以在妳的紅色大衣內
為妳深藏已久的憂鬱，唱首
苦澀的小曲子

在煙火暗滅之前的夜晚
世界頓時悄然無聲
這星球彷若將我們孤然遺棄於外
無所謂，只要妳依然笑著

在那些逐漸被淡忘的景色中
兩個人用了未有過的力氣
來爬出愛的深窄坑洞
有些傷口
無所謂，即使妳是我兩星期的戀人

Suede @ Nangang Exhibition Hall

2011-08-06T19:22:00.000-07:00

雖然九零年代並不屬於我，但今晚，我彷彿感覺那年代離自己很近，也讓我不斷回想起初聽Suede的那段時光。

高中時，髮禁剛解除，我們每個人都急著將自己的髮尾留長，並用盡所有方式來獲得一個帥氣的髮型，渴望獲得異性的認同，著迷隨身聽裡所有我們所謂的英式搖滾。我看著教室桌上的那紅色罐髮蠟，第一次聽Suede的音樂，心想，這團主唱的聲音實在怪到不行，一股陰氣圍繞在耳旁，讓我感受到一種性別錯置的迷亂，剛開始挺不習慣的，但後來便慢慢覺得Suede的音樂擁有一種同期樂團中所沒有的獨特魅力，。

我從來不是死忠的Suede歌迷，但有幾首歌是我真的非常喜歡的，除了耳熟能詳的〈Beautiful Ones〉、〈So Young〉、〈New Generation〉，那時最喜歡的應該是〈Trash〉，因為歌詞實在寫得美於頹廢，這首歌讓我覺得每個人都有彼此相愛的權力，不管任何性別、人種，愛人們不用去在意外界的眼光，他們在相愛的時光中擁有自己的甜蜜。

時間回到現今，還是有點不敢置信自己可以跟著舞台上的Brett Anderson唱著一首首的金曲。他竭盡全力的在台上演出，隨著鼓的節奏示意大家跟著打拍子，不時把麥克風拿向台下的觀眾，讓大家唱著那些熟稔的副歌，或走向舞台兩側向觀眾握手，那絕不同於不可一世的搖滾巨星，Brett總是很親民的與樂迷們互動。

在台下的我們都唱跳的累翻了，他依舊體力飽滿的接續著唱完十幾首曲子。不論Brett的嗓音是否已與以往不同，場地的音場好或壞，Brett的演出水準絕對值得備受肯定。

〈New Generation〉是整場演出中最令我感動的一首，每個世代的聲音彷若正在我們腦海中呼叫，等待我們給予回應；在穿越過那些藥物反應的迷霧後，尋求的也不過是一種渴求他人懷抱的慰藉。

Brit-Pop名曲〈Beautiful Ones〉緊接在〈New Generation〉後頭，實在過於絕妙，這兩首歌的意義結合在一塊，正是一個「美麗的世代」，〈Beautiful Ones〉的登場莫過於是全場氣氛最高昂的時候，大家合唱著每句歌詞，哼著La..La…La…，每個人在這首歌背後都有屬於自己的故事，關於年輕時的記憶，還有關於很多很多…..

最後的〈Saturday Night〉給這美好的夜晚下了一個完整的句點，感謝Suede，即使年華終究老去，至少今晚的我們是年輕，而且不朽的。

旅途上的人

2011-07-18T07:16:00.000-07:00

這三個月來，我因為未盡的義務而踏上未知的旅途，也可以說是被剝奪了部分自由的旅程。在路途上的每個目的地，我必須服從上頭交代下來的每一個命令，聽著口令執行完交待的事項，如同一個擁有機械行為的意識者，把每一件事情井然有序的完成，但腦中依舊不斷質疑與批判這我所進入的每一個場域。

不過你沒有任何辦法，規律的日子與規矩會一天天磨平心中的頑石，既然是必定的無法抗拒，也只能等著短暫的自由到來。看著筆記本上的月曆倒數著給予自由的日子，這輩子從未如此渴望自由；靈魂的芯缺乏名為自由的水分而變得乾枯，意識的某一部分像是被剝奪了一般，身體也因此變得空乏。

在第一個場域中，我與他們一同渡過在那的每個狗屁日子，大夥找到能自由交談的時間，便聊著彼此微不足道的過去，彷彿只有記憶的語言在那是無法被控管的。不少陌生人，彼此以談話消解被剝奪自由的不適感，各自也相當清楚從這裡出去後，能再次見面的機會可以說是微乎其微，於是大膽的把自己的內心世界掏出來交給對方也絕無所謂；這樣的想法，好像是種無人所能料見的默契。也有人將自己封閉一處，獨自精準完成上頭交代的每一件使命，不想與他人有所接觸，只想著周遭之人從來不是屬於他的世界。

的確，他們從未屬於我的世界，但又如何。在這裡，他們所說的每一則低俗笑話，你永遠不會嫌多，能夠發出笑聲，就象徵了你擁有對抗孤獨的武器；只要一笑，所有無來由的痛苦就能暫時放過你一馬，如同小劑量的麻醉針批次打入體內，心中的倦累被短暫消解，頓時感覺良好。

那天，在清晨的一場雨中，我們穿著黃色的塑膠雨衣，各自背著自己的行李，期待著離開。踏上另一個旅途前，我沒有聽到任何人互相道別，悶熱的空氣異常寧靜。我們就這樣成為彼此的過客，在不自由的道路上遇見，在通往自由的道路上離別。

從北到南，又由南至東。未知一直在前頭等待我伸手觸碰，所有的不確定都集結成團，始終讓你看不清那裡頭將所會帶給你的影響。所乘坐的列車穿越無數隧道，夏日白晝的窗外是接續不斷的景色幻燈片，翠綠農地，城市建築，開發與未開發的土地盡收眼底，我依舊習慣戴上耳機，望著外頭思考不切實際的夢想。

在進入隧道之前的土地是我所熟悉的，而經過隧道之後的土地是我所陌生的。進入隧道前我所想的皆是隧道另一頭的事，在返家以及返回義務之地間像是跑著永遠沒有終點的折返跑，微小的疲憊沉沉掛在生命的外衣上。

如今，我還在旅途上，那群我所見過的年輕人們也還在旅途上。我想，我會永遠記得那些低俗的笑話，以及大夥沒天沒地的笑喊聲。「你們還好嗎？」我聽見遠方的那一頭有人這樣說著。自由啊，我們所嚮往的旅途終點必定是自由。

Memory Tapes - Player Piano

2011-07-09T22:31:00.000-07:00

Memory Tapes的首張專輯《Seek Magic》無疑是讓人驚艷的首作，不管是在樂曲的旋律亦或編曲的創意都從近年來這波Chillwave的浪潮中脫穎而出，成為一顆讓人印象深刻的新星。然而，在兩年後所發行的這張《Player Piano》，不禁更加讓人期待，主腦Dayve Hawk這次又會將他的回憶錄音帶倒轉至何處。

其實從專輯名稱「鋼琴手」就可窺探出整張專輯的調性，《Player Piano》中大量使用了大量的合成器聲效，以琴鍵的彈奏搭配各式各樣天馬行空的溫暖音色，替樂曲漆上多樣性的繽紛色彩。如果說《Seek Magic》是向八零年代的跳舞音樂致敬，那《Player Piano》就是將時光推回更前，將六零年代的流行旋律套入到現代的合成器聲響裡。

耳尖的樂迷可以聽的出《Player Piano》暗藏著些小小的概念性。從開場的演奏曲Musicbox(in)至結尾的Musicbox(out)，Dayve Hawk不外乎是想讓聽眾進入一個想像的音樂盒裡，也可以說是進入另一處非現實的夢境，音樂響起，我們進入夢中；音樂結束，我們從夢中而醒，相當有趣。

Dayve Hawk孩提時因為失眠，因而覺得全世界的人都已離他而去，留他一個人在黑暗中，而寫出了這首〈Wait In The Dark〉。相信不少人都有這種經驗，無法入眠，只能睜著眼躺在床上，望著天花板的一片黑漆，在黑暗中等待睡眠的救贖，此曲描寫的就是這樣的心情。

〈Today Is Our Life〉由黑暗的呢喃轉向跳耀的節拍以及愉悅的旋律，一小段的電吉他獨奏更是讓人聽的暢快，整首歌曲的節奏由慢至快，再由快至慢，每個樂句的流暢銜接都讓人不得不佩服Dayve Hawk的編曲功力。

〈Offers〉聽來像是上張專輯所遺留下來的曲目，溫和透亮的合成器音色，加上有點哀愁的小調旋律。純有合聲與演奏的〈Humming〉可以說是《Player Piano》的分段點，接著的〈Sun Hits〉聽來如同艷陽由雲層中乍現，重複著悅耳的旋律，歌詞唱著："Life is a dream if you never wake up"，而Dayve Hawk也說道這是他對人生獨有的態度：「人生就猶如一場夢，如果你從未醒來」。

〈Worries〉的旋律算是專輯中我最喜歡的，微妙的琴鍵聲效、潛行的合聲、變化的鼓點都使人喜愛。終曲〈Trance Sisters〉宛如上張專輯的亮點單曲〈Bicycle〉所延伸出來的姊妹曲，有著相當厚重的合成器聲效，搭上快節奏的電子鼓點，使人進入夢境與現實的分歧點。

喜歡Memory Tapes的原因，多少是因為Dayve Hawk真實彈奏的編曲以及力道合宜的鼓擊打奏，不同於音樂軟體所製作出的生硬節奏以及Loop聲響，讓人聽來不會有冷酷的電子感。從Memory Tapes的現場演出中，也可以明顯看出他與一般臥室樂手表演方式的相異處。

雖說《Player Piano》整張專輯的流暢度相當的好，曲子的調性也相當一致，不過與《Seek Magic》的幾首單曲相較起來，還是少了一些令人驚奇的元素，但《Player Piano》依舊是張好聽度滿點的專輯。

Memory Tapes的音樂始終讓人暫離現實，虛游在那些關於夢境，關於記憶的音像深處。

Bon Iver – Bon Iver

2011-07-01T19:55:00.000-07:00

Bon Iver的第一張專輯《For Emma, Forever Ago》一直是我這幾年來非常喜愛的一張民謠作品，當然其中包含了許多難以細數的私人記憶。每當於夜半時撥著這張專輯，內心傷痛的情緒總是佔了大半，過往的畫面浮現在腦海，揮散不去。終究，往日的美好時光不能再被複製、重現，也因為它的唯一性，而建立起一種獨一無二的記憶存在，無論是悲傷以及愉悅的回憶都將被美好舖上一層懷念的薄紗。

化名為Bon Iver的Justin Vernon，在《For Emma, Forever Ago》中以一把木吉他在木屋內譜寫出一首首的民謠曲調，並將所有失意的情緒都寫進曲子裡，雖然專輯的錄音品質粗糙，但流暢的編曲和他的歌聲融為出一股誠摯的張力，他的嗓音聽來如同檜木所散發出的甘醇芳氣，具有溫暖人心的療癒氛圍。在《For Emma, Forever Ago》中，我想，「情感」是一項很重要的要素，也是我如此喜歡這張專輯的原因。

然而，我依舊期待Bon Iver的下張作品是以一把吉他為主軸，不過新專輯卻遠遠超出我的期待。Bon Iver在這張同名專輯不同以往的採用了樂團的編制，你可以聽見明顯的鼓組、電吉他、小號、小提琴、薩克斯風等樂器，編曲的層次相當豐富且細緻，曲風以民謠為核心再不斷融入各種樂器，甚至是合成器的聲響以及合聲。可以聽的出Justin Vernon在整張專輯的製作方面相當用心，並毅然的從過往的音樂中跳脫出來。

首曲〈Perth〉先是小鼓行進式的點奏於間奏時再加入大鼓敲擊，呈現出滂沱的氣勢，Justin Vernon唱著：＂Still alive who you love＂，聽的出他的心情與《For Emma, Forever Ago》裡所流露出的傷感已全然不同。〈Perth〉無縫的銜接到下一首〈Minnesota, WI〉，當中的吉他撥弦如溪水蜿蜒流下，明尼蘇達州壯麗的山湖景色猶在眼前展開。

聽到〈Towers〉心情便為之開朗起來，彷彿盛夏的艷陽灑落在光裸的腳尖，一絲溫煦湧上心頭。Justin Vernon的寫詞總是隱誨如詩，難以讓人全盤了解歌曲的涵義，你只能拾起一些片段，將它拼湊成形而上的意象。

〈Calgary〉必然是專輯中的亮點，我覺得這首歌的旋律十分之「美」，合成器的聲響引領出一股白色的薄層覆蓋在整首曲子上，鼓組漸進式的加入，然後由電吉他的刷奏進入副歌，最後所有的聲音再緩慢淡出，層次相當鮮明，好聽。

少了那些哀愁的情感，這張同名的專輯或許無法像《For Emma, Forever Ago》給我那麼多深刻的情緒，但它依然能把旋律唱到心窩裡，伴隨著我們渡過當下還未逝去的時光。

Pj Harvey - Let England Shake

2011-06-18T03:16:00.000-07:00

Pj Harvey近年來的音樂風格有著與以往有所不同的轉變，尤是在與製作人John Parish合作後更為她的作品塗上了一層深沉內斂的色彩。她由早期狂放不羈、性格鮮明的Punk Blues曲風走向現在大量使用原音樂器的民謠曲調，Pj Harvey在音樂上一直保持著不斷蛻變的姿態，以她獨有的態度唱著自己內心的獨白。然而這次，她決定從內心走出，以宏觀的角度來觀看歷史與世界。

新專輯《Let England Shake》一樣找來John Parish合作，而專輯的整體概念是由Pj Harvey從第一次世界大戰的加里波利戰役至現今尚未停歇的阿富汗戰爭所得到的省思。當中的歌詞精妙的描繪著戰地的無比寂荒，軍人們的流離失所，以及對國家政策、軍國主義的質疑。或許我們會斷然的為這張《Let England Shake》貼上反戰專輯的標籤，但她自己說道，她並不認為自己有資格以政治的觀點來唱歌，反之，她所唱的是人類如何被政治力所控制和影響。

當自身習慣於安逸規律的生活後，總有我所不知道的事自然而然的被遺忘，直到坐在家中帶上耳機聽著《Let England Shake》，讀著歌詞，內心才想起遠方陌生的國土正持續被聯軍侵略，軍人臉上的灰土與僵化的眼神如此貼近，槍砲不停的傷及無辜的平民百姓，他們無力抵抗命運之神的惡意捉弄，死亡，更多的死亡在那片貧瘠的黃沙地上蔓延。

專輯中，Pj Harvey首次以齊特琴來譜曲，諸如〈Let England Shake〉、〈The Words That Maketh Murder〉、〈All and Everyone〉等曲子都先以齊特琴為基調再加入其他樂器來輔佐，使得編曲聽來相當多樣化且帶有一種奇特的歌謠氛圍。

單曲〈The Words That Maketh Murder〉字句描繪著軍人的屍體身首異處，種種殘酷的戰爭景象隨之而來，副歌挾著薩克斯風不斷唱著＂These, these, these are the words. The words that maketh murder.＂充斥著指責外交政策的語氣，最後歌詞唱到＂What if I take my problem to the United Nations?＂，這句取自於Eddie Cochran的〈Summertime Blues〉，聽來更是有著濃厚的暗諷意味。

〈The Glorious Land〉是我認為當中最出色的曲子，曲子開頭便響起了軍中的起床號，接著再由電吉他行進式的刷奏著三個和絃，實在絕妙。整首歌的歌詞不斷的反覆問答，歌詞寫道：「我們富足的土地被什麼所耕犁呢？不是由鐵犁所開墾？而是被坦克和步伐所踐踏而去。」另一句寫著：「我們土地所盛產的水果是什麼呢？是畸形的孩童。是無家可歸的孤兒。」在這，Pj Harvey以詩的語言，鮮明的指涉戰爭所帶來的後果。

〈In The Dark Places〉徹底將軍人前去作戰的沉重心情做了傷感的詮釋。Pj Harvey以悲傷的腔調將旋律緩慢唱出，那些年輕的人們扛著步槍在骯髒的暗處等待戰爭的結束，等待返回家鄉與家人團聚。這荒謬的一切是否會有結束的一天，從未有人知曉。

聽完《Let England Shake》就如同讀完一本無比沉重的詩集，而這本可領聽的詩集更讓你無法不正視眼前正在發生的一切。近期已經很少聽到能如此讓我感動的專輯，它的概念性與力道同時在腦中不斷回蕩，每一個字句都很深的嵌入在心頭上。如果說今年只能聽一張專輯，《Let England Shake》絕對是上乘首選。

Seapony - Go With Me

2011-06-10T19:25:00.000-07:00

每個夏天都該有一張消暑的專輯，能夠伴隨我們一同抵抗炙熱的豔陽以及高溫使然的焦躁感。然而，聽著Seapony的《Go With Me》就猶如在金黃的海波上踏著衝浪板，沁涼的海水澆繞著全身，即使你無法親身體驗，它依舊能使你進入那樣的海灘夢境，消除對酷暑的昏頭厭惡。

他們形容自己的音樂如同Indie-Pop傳奇樂隊The Field Mice加入了衝浪音樂的元素，甚至也翻唱了The Field Mice的名曲〈Emma’s House〉，好聽依舊。Seapony的編曲聽起來相當的簡潔，平實單純的鼓點和鼓機節奏加上Jangly式明亮的吉他單音，偶而再鋪上輕薄的音牆，彷彿過往Indie-Pop音樂最單純的美好又再度回到現在。

Seapony好聽的關鍵不外乎是女聲主唱Jen Weidl，她以嬌柔的嗓音唱著夢囈般的流行旋律，每首歌都在她的聲音下變得如夢似幻。單曲〈Dreaming〉使人陷入夢境那處的美好，暫時躲避著現實生活的種種壓力，清醒雖是宿命，但淺意識下的抗拒甦醒卻從未停止；〈Blue Star〉以明亮簡潔的吉他Riff與微小的殘響音牆構成一首美妙小巧的曲調；如果喜歡衝浪音樂的節奏，相信〈Into the Sea〉不會讓你失望，隨著節奏踏上浪板滑越海上大大小小的浪潮，那不光只是一次刺激的體驗，更是自己對自然與生命之間的體悟。

在什麼事都不想做的夏日時光，聆聽《Go With Me》裡的每首曲子，心情便平持著單純的美好，再配上一杯加入三顆冰塊的伏特加調酒，靜靜坐在遮陽傘下的躺椅，望著海平面最底端的弧線，望著近灘嬉戲玩水的人群，慵懶的，什麼也不想做。

Death Cab for Cutie - Codes and Keys

2011-06-04T01:12:00.000-07:00

在經過對上一張專輯《Narrow Stairs》的失望後，新專輯《Codes and Keys》著實的讓我重拾對Death Cab for Cutie的信心。從《Codes and Keys》中可以聽出他們試著寫出不同於過往以吉他為主要導向的作品，進而嘗試使用大量的琴鍵與合成器聲效為歌曲的主軸，這樣的改變勢必能帶給樂迷全新的聽覺感受。

整張專輯的調性呈現出一種雨過天晴欲出虹彩的浪漫狀態，相信這多少也反映出主唱Ben Gibbard現在幸福美滿的感情生活。同名單曲〈Codes and Keys〉以鋼琴為主，弦樂與吉他聲線為輔，以淺顯的字句唱出旋律，激勵著自我封鎖以度絕任何傷害的情傷者。〈Doors Unlocked and Open〉這首歌將Krautrock曲風中平穩的Motorik式鼓擊融入曲子，這對他們是前所未有的嘗試，算是專輯裡相當有意思的曲子。然而〈Monday Morning〉必定是專輯最好聽的情歌，電子聲效環繞著那些只有戀人專屬的絮語，星期一早晨，他們的相遇注定了另一個全新美好的開始。

或許《Codes and Keys》在歌曲的旋律性上並不及《Plans》與《Transatlanticism》擁有絕佳的流暢度，但整體的可聽性還是相當的高，每聽一次都有不同的興味。此刻，聽到最後一曲〈Stay Young, Go Dancing〉，Ben Gibbard彷彿叫人們隨時持懷著年輕的心，即使如何傷心沮喪，也要跟著不合時宜的音樂在節奏下慢舞。

Champagne Supernova

2011-04-06T08:30:00.000-07:00

有時候我會忘記自己曾經多麼喜歡過一首歌，即使隨著時間的流逝而聽遍了無數的歌曲，或因此而迷失在資訊爆炸的洪流中，它依舊在我回過身時挺立在那處，如同一顆永恆之星，閃著不滅的炙熱光芒。

如同開場時那溢滿的海潮聲，聲音的擺盪來回緊抓著回憶的臂心，逐一喚起早已失去在眼前的那片海以及他們玩樂歡笑的身影；過往與現今的界線彷彿經那水流的沖逝而變得模糊不清。在那，我會在沙灘上畫下些只有你們和妳才能解譯的密碼記號，以訴說在這個殘破不堪的世界還有你們陪伴有多好。我總不常將愛掛在嘴邊，因為只要一個神情就足以超越千言萬語所要表達的意涵。

回顧過往，這幾年來對音樂的寫作對我來說有什麼樣的意義？我想，我始終是那個將標點符號擺錯位置，然後錯字連篇，文句不甚通順的那個頑固的孩子，只相信自己所相信的事物，固執的把一切組織起來，總以為能為自己找到一條通往自由的道路，但得到的卻是與期望相反的東西；或許到頭來什麼實質意義都是沒有的，而我也無須去在乎，我在乎的反而是那些不真實字句為我引路所找到的朋友們。

聽著這首歌時，感覺自己在浩瀚無際的宇宙中是如此渺小，但這樣的渺小卻蘊含一種擁有生命要素的美好。每一個人就好似一顆極微小的行星各自以不同的方式閃耀，而由大氣層外往下望，這世界就成了由無盡微小行星所組成的超亮星球，生氣盎然；當絕望的黑暗將要吞噬一切時，人們又能隨即用生命的能量補上光亮，遞補著無限的希望。

「千萬別小看自己的力量。」有人在寂靜的黑夜之中說著。我朝著這聲音的方向走去，瞧瞧自己能發現什麼。我渴望自己能在黑暗的不確定性中發現些什麼，臆想著，在那未來極限的盡頭處後，又會有什麼在那等著我。未知的事物總是無窮遠大於已知。

我將會離開這裡一陣子，但，這不過是暫時的別離，有一天，你將會在那裡找到我，在那超新星發出炸裂光芒的時刻找到我。

" But you and I, we live and die
 The world's still spinning round
 We don't know why
    Why, why, why, why "

畢業生

2011-03-25T20:03:00.000-07:00

清晨時，他睜開雙眼，不過還沒有一絲下床的欲望，被子纏蓋在身上像是一層這二十多年來一直存在的保護膜，只要他下了床，離開了被單，遠離了夢境，他便得與現實強制性的接觸，不過，在身體被那現實給盤踞之前，他總想在那小小的保護膜之中多虛游一陣。如果問，現實距離他有多遠，我想，那也不過是床面與地板之間的距離而已。

一下床，他即刻要面對的無關乎是「如何走向未來」的問題，現在的他處在一個人生道路的交叉口上，必須做出選擇來面對這即將到來的未來，但根據經驗來說，即使不做出選擇也會有一股命定的推力將他推向未知的方向。

他試想著自己從出生到現在二十幾年來做過什麼樣的選擇，選擇遊戲機，選擇學校，選擇喜歡的女孩，他的確是做過一些選擇，不過也沒有太多的選擇，但他並不認為這些選擇能影響到他成為現在的自己，那些選擇的影響力實在過於微弱，真正能影響到他的反而是他周遭無常變化且無法預料的人事物。選擇的東西與實現的力道如果不夠重，那是無法將人生的切換開關給扳動的，他心裡這麼深信著。

吃完早餐後，他瀏覽著那些社交網站，那些朋友、同學們將他們分享的東西發佈在那可以觀看集體訊息的頁面上，他並不知道自己為何一開電腦就想登入這些網站，好像是習慣了，如同每天需要三餐飲食般的習慣，而這樣的習慣也因此成為習性。他渴望知道一些他人的訊息能以便使那些人的影像能和回憶一同在腦裡保持運轉，運轉出對他人現在狀況的一些未知想像。有時候，他覺得自己好像已經偏離常軌，站在與他們截然不同的道路上。

走到客廳，他拿著木紋皎亮的木吉他，坐在鬆軟裂質的皮黑色沙發上，試著用兩個和絃寫一首歌，寫一首關於如何活在遠方的歌，執迷的想藉著這首歌帶他離開這間屋子，形而上的巡遊他處。

用手指刷奏了一會後，他才發現沒辦法將旋律與和弦行進的節奏對上，因此改了念頭，又想寫一首像Simon & Garfunkel所唱的那些六零年代歌謠，有著雋永的旋律，以及反映著時代思潮的歌詞，只要人們一聽過便能在心頭上刻留痕跡的一首好曲子。

這次改用三個和弦為底調，當他譜好曲，想好旋律，正要寫下歌詞的那刻，卻發現自己沒有一個能將反映時代的字詞寫下的著力點。在這個被科技外裹起來時代，表面看似有一套秩序存在，實際上裡頭卻殘破不堪，人們利益當前，沒有尊重自然環境，也沒有尊重人權自由，他又想起自己像是製造工具般的學習過程，這整件事想下來，他總覺得這世界有太多的陰謀。

後來，他並沒有寫下一句歌詞，只是攤坐在那，眼神的無力透露出他對這一切的迷惘。他迷失在思考的洋流，找不到歸去的方向，如果再沒有一個明確的立足點，他便會沉入這深不見底的時代海域。

他走向門窗，打開窗戶，讓新鮮空氣透入，朝窗外望著遠處的山巒，試著讓自己的腦袋清醒些，在思考了一會兒後，便隨手撕下一本小說後頁的白紙，在上面用鉛筆寫著：「當人們望著遠處時，他們會發現自己所期盼的未來就在那一方，只不過，那像是一個比生命還要大的幻影，我們永遠都無法到達；人生的最後，沒有人會是贏家，也沒有人是輸家，因為我們終究殊途同歸。」

最後他為自己找到了方向，選擇了自己所想要的了嗎，這一切並沒有人知道。幾分鐘前，他在社交網站上發佈了一則新訊息，上面寫道：「你覺得我們總有一天會在這趟人生的旅途上畢業嗎，彷彿，要學習的事情還有太多。」

The Pains of Being Pure At Heart – Belong

2011-03-22T21:05:00.000-07:00

The Pains of Being Pure At Heart的新專輯必定是Inde-Pop/Shoegaze迷今年共同的期待，他們在09年所發行的同名專輯使我們再度重返那段美好噪音旋律的黃金年代，彷彿將人拉回到過往青春時期的悸動情緒。在首張專輯發行之後他們同時獲得不少的好評與青睞，而英國名製作人Alan Moulder也因此看中他們，欲想幫他們錄製新專輯，但因為檔期的問題，Alan Moulder並無法抽空製作只能參與混音的部分，於是他便引薦另一位製作人Flood前來幫助他們完成專輯。

Flood曾幫Nine Inch Nails、Depeche Mode以及The Smashing Pumpkins等名團製作過專輯，然而The Pains of Being Pure At Heart在遇到名製作人時也難掩緊張的情緒，畢竟上一張專輯是由他們自己所製作，而這是他們第一次與製作人合作，但幸好，《Belong》錄音的過程還算是相當順利。

我們不禁會猜想經Flood操刀後的The Pains of Being Pure At Heart會有甚麼樣的改變，更加青春洋溢，還是朝向另一條道路，走向深層的暗色調。但對我來說，他們在編曲上變得成熟許多，或許少了以往那種青春無敵的氣味，不過曲子聽起來相當完整、飽滿、層次分明，像是鍵盤手Peggy Wang的合成器聲響在《Belong》裡就表現的十分豐富，她將吉他噪音以外的空白處給填補起來，完成了一幅幅七彩鮮艷的聲音油畫。

同名曲〈Belong〉以Fuzz式雜裂的噪音吉他貫串整首歌，旋律以漸進的方式抵達內心所屬的深處，順耳好聽。節奏快速跳躍的〈Heaven's Gonna Happen Now〉穿插短打的電吉他獨奏，如同在春天艷陽下滑板衝刺般的爽朗。

單曲〈Heart In Your Heartbreak〉猶如一首欲想擺脫憂愁的傷心情歌，主唱Kip Berman與Peggy Wang合唱著副歌，實在是流行的好聽，徹底將Indie-Pop的精華表現在其中。〈The Body〉就像屬於他們的流行舞曲，悅耳的合成器聲響穿越整首曲子，如同無數隕星畫過天際，美好的八零年與九零年代在耳旁原音重現。

〈Anne With An E〉恍如The Jesus and Mary Chain在《Darklands》時期所寫出的曲子，節奏簡單，沒有多餘的白色噪音填塞，只有低沉的嗓音唱著美好的旋律。〈My Terrible Friend〉中流暢的合成器旋律、明快的節拍，青春洋溢的氣息又重新返回到他們身上。終曲〈Strange〉如同My Bloody Valentine的音樂般，如夢似幻的噪音音牆與合成器的夢囈氛圍相互映和，最後，聲音緩慢的消失在彩虹另一端的盡頭。

或許是今年還沒聽到不錯的Inde-Pop/Shoegaze專輯，因此《Belong》的出現就像是天降甘霖一般，專輯內的每一首歌都流暢且好聽，實在令人雀躍；心中依舊期盼The Pains of Being Pure At Heart能再度帶動起美國另一波Indie-Pop風潮，因為他們始終是那顆最耀眼的新星。

Darkest Light Will Shine

2011-03-15T01:11:00.000-07:00

當寂寞到來時，她心中最深暗的光芒將會閃耀，刺眼的白色光暈將會蒙蔽她對他的感覺，彼時，她躲進光亮深邃的維度裏，閉上眼，曲著雙腿，用腿部與腰部的力量將自己翻起，如同一位訓練有素的體操選手，後空翻了一圈；在雙腳離開地面的瞬間，她感到一股快意，彷彿脫離了這世界賦予她的重擔，她感受不到自己的重量，並將自己所有的神經放鬆下來，享受著這僅有一瞬間的無重力感。

站在文明符號普斥的黃昏街道上，她對他說：「沒有任何人的對話是有意義的，沒有人真的在乎彼此心裡真實存在的東西，我們只是這樣在這個死寂的空間裡以存活的最低限度活下去。」但他對她的想法持著懷疑的態度：「既然如此，為何我們兩個為何還在這談論這些純屬偏見的問題呢，難道妳認為我從未真正的進入妳內心，窺探過那靈魂的原貌嗎。」

她猶疑的想著這些年，他對她的好，他們所去過的所有地方，他所留在她身上的吻痕，然後說著：「有時候，我只是不知道自己該怎麼辦，或許我很自私，但那些想法總在我看著這個城市閃爍不斷的霓虹燈的時，惡意滋長，揮散不去，我慢慢變得無法信任其他人。」

他不知道該怎麼回答，或是想出一句能安慰她的句子，只能將手臂伸向她，試圖把她抱在懷裡，但她卻有意想抗拒他這莫名的舉動，於是用手將他枯瘦的手臂推開。她不想在他懷裡，讓這個維持幾年的愛情觸感，再度重新爬上她的心頭，持續干擾著她目前的思緒。

「別這麼鬱鬱寡歡，一切都會好起來的，不是嗎？」他邊說著邊注視著她那雙淑女鞋上的奇異花色，淡紫色與深藍色交疊出一層層精緻的碎花圖樣，相當良好的品味，他以前從未像現在如此被她腳上的鞋子所吸引住。

夜幕逐漸低垂，她先將目光放向遠方高樓尖頂上的閃爍的紅色亮燈，再轉過頭看著他，眼神時而變的哀愁，說著：「其實我比以前來得孤獨，但你從未感受到過吧，和你在一起，我覺得我只是一個無依無靠，失去靈魂的軀體。」此刻，他沒有說話，即使城市各處發出吵雜的響鬧，當時的空氣對他來說卻異常的安靜，她繼續說：「我要離開這裡一陣子了，你自己得好好保重，煙別抽的太多。」

她離開了，而他只是這樣靜靜的看著她的背影以及染成棕褐色的長髮，他憶想著初識她時的模樣，瘦小而美麗的臉龐，兩顆圓大的眼珠，薄紅色的小嘴唇；緩慢的，那些特徵漸漸變的模糊不清，彷彿她比他更早一步走入到另一個時光，愛情隨著時間前進變得衰老、不斷毀滅，在那裡，他們看不見彼此，因為孤獨找上他們，使他們內心最深暗光發出光耀，激烈的光芒最終蒙蔽了感覺，毀壞了那情感的根基。

城市的噪音重新塞回到他的耳朵，而她的聲音也逐漸被其他聲音，覆蓋、掩埋；他從牛仔褲的右側口袋拿出紅色的萬寶路煙盒，抽出一根，為它打火點上，走在在與她反方向的路上淺淺嘗著。此時，天空正下起雨。

Radiohead – The King of Limbs

2011-03-08T21:03:00.000-08:00

Radiohead的第八張錄音室專輯《The King of Limbs》取名自英國威爾特郡一座森林裡的千年橡樹，這顆橡樹距離他們錄製上一張專輯《In Rainbow》的錄音室相當靠近，然而這已生存在地球上千年的生命也使他們得到了些創作上的靈感，由這個角度以及歌詞內容的玄妙難解來看，《The King of Limbs》的主題似乎是關於自然力的存在與生命的輪迴，當然，也可能只是我單純的臆想。

起初在聽《The King of Limbs》時，總感覺在音樂性上並沒有特別的突出，讓人想起先前的電氣化作品《Kid A》或是主唱Thom Yorke的個人專輯《The Eraser》，團員在各個樂器的表現上也沒有明顯的亮點，不過在重聽過數十遍並讀過歌詞後，《The King of Limbs》又給了我另一種全新的感覺。如果說這張專輯是一桶水，你不能很快的將它喝完，只短暫的感受水溜過喉間的滑順，而是要將頭浸到水裡，慢慢的感受水的清涼與柔潤，但也要小心不要沉溺過度而缺氧。

比起《Kid A》冷冽的機械感以及大量銅管樂器的運用，《The King of Limbs》在樂器的音色上其實聽起來溫暖許多，幾乎是延續《In Rainbow》給人的感覺，只不過在鼓機的節奏與電子碎拍上相較比真實樂器偏重許多。在《The King of Limbs》裡鮮少聽見大量的電吉他刷扣，反而貝斯的韻律比吉他來得搶耳許多，讓整張專輯的聲音呈現出一種律動的樣貌，這不見得是一個壞的嘗試。

第一首〈Bloom〉在歌詞上給人一股在海底重生的感覺，海洋畢竟為生命之母，生命由此處所誕生，萬物一睜開眼便開始他們各自的生命之旅；歌曲的電子節奏擁有一種潛水吐氧的氣泡感，貝斯的律動猶如海底的水母擺動而上。

〈Morning Mr Magpie〉反覆的電子碎拍與細微的吉他聲響相稱，在間奏時的貝斯聽來絕妙的厚實沉穩。歌詞寫道：鵲賊偷走了你所有的記憶、你的魔力、你的旋律。你可以猜測Mr Magpie與村上春樹的《鵲賊篇》會不會有什麼奇妙的關聯。

〈Little By Little〉的主副歌旋律相較於其他歌曲來得明顯，透明感的電吉他單音貫串整首歌曲；仔細聆聽後，才發現當中還堆疊了不少奇妙的音效，變化多端而不突兀，層次相當鮮明。〈Feral〉像是專輯的分段點，只留有Thom扭曲的歌聲在碎拍中不斷游移，片段的字句讓人摸不著頭緒。

主打單曲〈Lotus Flower〉在聲效的變換與細節上也是相當詭妙的，再搭上Thom Yorke嗓音迷人的旋律線，彷彿使人能游離到另一處空間。在遠處的拍手聲與人聲，忽遠忽近的鼓聲與細瑣的電子聲響，都使得歌曲的空間感變得強烈。當Thom Yorke最後唱到：＂Listen to your heart＂時，想像如果世界如同蓮花周遭的淤泥如此混亂不堪，我們還是要聆聽自己的心跳聲，隨著自己心跳的節奏而舞動。

〈Codex〉以鋼琴譜曲，可以說是專輯裡最慢板的曲子，整首歌就像一片澄清的湖泊，你可以在湖面清楚看見自己的樣貌，看見原來那個單純快樂的自己。而〈Give Up The Ghost〉延續上首歌的慢板調子，褪去大部分的聲效，留下一把木吉他的刷奏，淡雅而平靜。

最後的〈Separator〉把鮮明的鼓擊錄製在前頭，再融入微妙的電吉他單音與電子氛圍，簡約但美好。歌詞寫道”And if you think this is over , Then you're wrong”不禁讓人猜測《The King of Limbs》是否還會有續集，

《The King of Limbs》與他們先前的專輯相比或許是平淡許多，但也不單純的只是全然以軟體和取樣機來譜曲的那類電腦音樂。Radiohead將所有真實樂器的表現都化繁為簡，有點偏向極微主義的概念，聽來與先前的作品其實有些不一樣的興味。

他們或許不可能超越他們過往的自己，但他們的確是在往前走，照著他們自己的方向走去。

All Tomorrow's Parties : I'll Be Your Mirror @ Tokyo

2011-03-03T20:51:00.000-08:00

早在去年看到All Tomorrow's Parties在東京首次舉辦的陣容時，心裡便相當雀躍，除了有在去年重組的Godspeed You! Black Emperor外，還有Boris、Autolux、Dirty Three、Envy、Melt-Banana等團，當時也沒想到能夠有機會前往，一直到今年一月底才決定利用畢業後與服役前這段空白的日子，給自己來個久違的東京之旅，外加生平第一次到國外看音樂祭。

All Tomorrow's Parties的陣容雖然不比Fuji Rock、Summer Sonic等大型音樂祭來得龐大豪華，但在樂隊的安排上卻有它獨特的品味，也可以說是比較另類一些，提供給樂迷另外一種不一樣的選擇。當然這場All Tomorrow's Parties最主要能吸引我的原因莫過於是有Godspeed You! Black Emperor這組加拿大殿堂級的後搖滾樂隊以及日本的Stoner Rock/Sludge metal樂隊Boris。

當天到達位在新木場的表演場地Coast Studio時，第一組樂隊Boredoms已經在Stage 1開場，不過因為人潮太多的關係並沒辦法看到舞台，只能看著大螢幕，他們的陣勢以數個鼓組圍成一圈，紛雜的鼓點與奇異巨大的噪音融合在一起，但空氣太過悶熱並沒有辦法好好聆聽，便在外面透透氣，喝著飲料，等待下一團Boris出場。

Boredoms結束後，人潮便慢慢散去，與女友便在後邊的樓梯上找了個視野不錯的好位置。黑幕揭開，Boris馬上以〈決別〉為開場曲，可以瞧見他們在舞台上特有的配備設置，女吉他手Wata後面是橘色的Orange音箱，吉他手Takeshi後面是黑色的Sunn音箱，鼓手Atsuo後頭擺著大銅鑼，舞臺的最右手邊則是日本迷幻吉他大師栗原道夫的位置。

Boris的演出幾乎是沒有冷點的，不斷奔走的鼓點與獨特的吉他噪音完美的包覆著耳膜，外加著絕美的煙霧燈光效果，整體的氛圍相當的棒。最令人驚喜的還是由Wata所主唱的〈Rainbow〉，低沉而唯美，曲中時，接上栗原道夫的吉他獨奏，這可能是我這輩子聽過最大聲的吉他Solo，從未聽過的電吉他聲音像是一把利刃尖銳的穿過耳膜，穿透力十分驚人。

最後，鼓手Atsuo很搶眼的站上鼓組，示意叫大家比出搖滾的手勢，然後離開舞台，只留下電吉他不停的嗡鳴，演出結束後，還意猶未盡的覺得表演時間太短，不過在短短的四十分鐘內，耳朵已經耳鳴到不行，可見他們現場的威力驚人。

接著輪到Autolux演出，不過整場就只盯著女鼓手Carla Azar的鼓技，他們的Vocal與旋律並不是那麼的出色，相當的可惜。位在Stage 2的Envy和Melt-Banana因為被人潮擠滿所以也只能在外頭過過乾癮。

天色暗下，吃完松屋的丼飯後，繼續回到舞台等待Dirty Three的演出。幾年前曾在華山看過Dirty Three，不過至從那次後就很少聽到他們的消息，印象最深刻的還是提琴手Warren Ellis猶如馬姿的踢腿技。他們用很快的速度便Setting好，一開始，Warren Ellis還是不改幽默的將氣氛炒熱，演奏蓄勢待發。

他們的現場與專輯平穩的表現相差甚遠，可以說比專輯搖滾更多倍，在Warren Ellis手上的小提琴猶如一匹脫韁的野馬，以一種自由狂放的心情來演奏，除了傳統的以弦拉奏，還以吉他撥奏的方式來彈奏提琴。你可以聽見，小提琴在他手上幾乎是被重新賦予生命而活了過來。他說，我們可以像嬉皮一樣脫下鞋子來跳舞，找回失去已久的赤子之心，於是大家都隨著琴音擺動著身子。

Dirty Three的表演結束後，我們一樣在樓梯邊找了視野好的位置，準備GY!BE的登場。這時腳已經相當的痠痛，雖然有貼上在當地買的「休足時間」，不過還是抵擋不了這幾天腳程所累積下來的痠痛感。

等待的時間內，整個場地幾乎是塞滿了人群，想必大部分的樂迷都是為了他們而來。突然間，大螢幕出現了＂Hope＂的字樣，GY!BE便開始他們的開場序曲〈Hope Drone〉，以雜訊般的吉他噪音再銜接上〈Moya〉，頓時，氣氛變得低迷，他們的現場總是沒有過多的光線，只有背後大銀幕上獨特的幻燈片圖樣，帶有一種詭譎的末世感。聽著〈Storm〉激昂的弦樂演奏，整身的注意力都移到了耳朵，腳也不痠痛了，彷彿身體變輕一般，漂浮起來。

不同於其他後搖滾樂隊為了爆炸而鋪陳，他們的每一個橋段都讓人很享受，不會讓人有曲子的高點怎麼還沒來的煩悶感，而是漸進式把你帶到他們音樂浩瀚的向度裡。聽著悲傷卻又溫柔的〈Sleep〉不禁有點鼻酸，當下有很多的想法冒出心頭，但又不知道該如何精確的形容那種感覺。他們多樣的樂器聲響融在一塊卻不模糊，聲音像是狂風一樣從你耳邊呼嘯而過，聽起來無比的深沉，我第一次感受到後搖滾音樂即使沒有字體的語言，也能擁有同等的質量，如同一首抗議歌曲，他們想表達的就在聲音裡面；要把聲音做到如此強大，我覺得是很困難而且難以仿製的。

最後的〈Dead Metheny〉和〈BBF III〉或許是身體疲憊的關係聽來沒有前面的曲子出色，不過看完滿滿120分鐘的演出，內心已經相當滿足。為了趕上電車，我們離開All Tomorrow's Parties的會場，朝車站的方向走去，東京的寒風不斷的吹來，凍著身子。直到回到台北，那些聲音和影像還是嵌在心裡久久不能散去。

萬能青年旅店

2011-02-21T20:11:00.000-08:00

雖說萬能青年旅店的同名專輯早在去年底就已發行，但比起今年的許多新作，這張作品算是我近期聆聽次數最多的專輯。在初次聆聽完專輯的前兩首歌時，心中便對他們的音樂感到十分驚豔，從〈不萬能的喜劇〉這首歌中就能窺探出他們音樂元素使用之廣泛，由大提琴作為序奏，而後笛音加入旋律中，再輪到傳統搖滾樂的三件式樂器的表現，整體聽來的感覺相當的流暢，那種前衛的編奏感以及乾淨的錄音品質猶如Pink Floyd在《Wish You Were Here》時期的作品，擁有無懼的大將之風，氣勢凌人，卻又不失去屬於自己的味道。

來自中國河北石家莊的萬能青年旅店，在詞曲的創作上無疑的與他們的生活背景有相當大的繫結，不管是描述對生活的無奈、環境的控訴、土地與人物的關懷，都以一種古詩的韻體來表達情感，在詞句之間留給了聽者一片廣闊的想像空間，但又不至於誨澀難解，很容易的能引起大家的共鳴以及回響，即使我不生長在那處，也從曲子感受到他們對於自己家鄉與身處環境的深刻感觸。

每當聽到〈大石碎胸口〉時，心裡就想這首實在厲害，不論是在歌詞還是編曲都相當的漂亮，電吉他的返回刷扣，小號的激昂聲鳴，面對權力者以及資本家的肆虐，胸口猶如被一塊大石給壓至發黑，早已喘不過氣來。〈秦皇島〉由小號磅礡開場，主唱董亞千彷彿置身為民謠歌手，唱著靜謐的詩歌，在黑暗的這端與光明的那端打開道路，指引著徬徨失措的人們走向他處。

〈十萬嬉皮〉或許描述著那些嚮往嬉皮生活的青年，處在一個什麼都無所謂的狀態，只有自由的生活是唯一的真理，整首歌帶著些自我解嘲的豁達感。長達九分鐘的〈在這顆行星所有的酒館〉延續上一首歌的情緒，青年們依舊遊蕩在四處的酒館，將自己緊閉在一處，與世隔絕，曲子放入大量的即興演奏，所有樂器糾結在一塊形成噪音的牆駁。

最後的〈殺死那個石家莊的人〉，也是他們最出名的一首歌，詞中所寫的場景與石家莊的樣貌緊密的契合在一起。董亞千的歌唱方式從沉靜的陳述慢慢轉為悲亢，面對逐漸步向瓦解的生活，我們還能有什麼選擇；當電吉他瘋狂似的獨奏後，心裡只留下了沒有答案的問題。

對我而言，萬能青年旅店的這張同名專輯實在是十分優異的作品，充滿新意的編曲、樂器分明的層次、歌曲顯要的旋律性、詞的共鳴度，這些都無可挑剔。儼然可以大膽的說，這是近年來最好聽的中國搖滾專輯。

包子虎 - Highway Children

2011-02-14T22:45:00.000-08:00

如果青春是要註定消逝的，那何不在當下做些讓自己驕傲的事，做那些在二十年後還會讓你回味的一猶未盡的事。其中，組搖滾樂團成了一個熱血的選項，數十年後，不管是組成樂團的夥伴，寫過的歌，你依舊會想起以前一起寫出的這些曲子，那些關於情感、憤怒、生活、以及青春當下的一切。在包子虎的音樂中，聽到的就是一種對青春的誠摯紀念，縱然會消逝，只要能抓住瞬間的那一刻，便是永恆。

包子虎的首張專輯《Highway Children》發行前，我曾經看過他們一次現場演出，主唱佑子穿帶著虎頭，幾乎是竭盡全力的唱著每首歌，快要爆裂開的嗓音與大聲的吉他刷扣並行前進，實在是讓人不印象深刻也難，吉他手邦傑背著紅色的Gibson SG彈奏著爽朗的吉他獨奏，獨奏的編曲聽來十分暢快，沒有匠氣的造作感，只有股直直通達人心的力量。

專輯《Highway Children》內含十二首歌，首首動人，售價親民，可以說是俗擱大碗。佑子不同於在追麻雀時期的英語創作，包子虎的不少歌曲都以中文填詞，即使是簡潔的短句，卻蘊含著有力的詩韻。當我聽到〈彩紅歌〉裡：「跌倒七次，就要站起來八次。」這句歌詞時，心中疲軟的精神頓時為之一振，彷彿在提醒你，失敗沒甚麼了不起，最重要的是還能不能繼續堅持下去。

〈青春〉有點老歌風味的曲調，搭著佑子粗糙的嗓喊著「今天我就要奮起，擺脫舊傷痛。太陽依舊閃亮，河水繼續流」，如同一位破褲青年站在淡水河畔看著斜陽立下了遠大的志向。〈還要愛〉無疑是專輯裡最爆裂的一首，醉人的吉他獨奏蘊釀著即將爆發的情緒，最後，喊叫著對愛的渴求，但已缺少的愛卻好似永遠也找不回來。

《Highway Children》聽來有著那麼一點低傳真的粗製感，而我也相當喜歡這樣的感覺，什麼都不會太多、太清晰，每個聲音的位置都剛剛好。或許你會問，包子虎的音樂到底聽起來像甚麼，我也沒辦法具體的解釋，他們就像他們自己，就像是寫給屬於自己青春的搖滾樂。

試聽：包子虎 - Highway Children

一大片風景

2011-02-09T20:09:00.000-08:00

畢業後，我渴望眼前能看見一大片風景，無論那裡是何處，亦或是腦中所想像的烏托邦，都希望那是我們共同能看到的風景。每當坐上回南部的巴士，那片風景的影像緩變的更加清晰，車窗外的平原無邊際的往遠處鋪展出去，艷陽照耀著高低變化的延綿丘嶺成了心電圖模樣的波形，好似自己的心情就是屬於那片自然的景色。

有時候我會懷疑，那片我所渴望看見的風景，是否就是由這些眼前瞬間消逝的無數景象所組成的，經過重疊再重疊，那風景不再是固定的畫面，而是以動態的方式呈現，包含著生活周遭的人、事、物。

從小就在北部生活的我，反而在回到南部老家時才會想起在這專屬的兒時記憶，老舊的磚瓦、香火鼎盛的寺廟、路邊的小吃攤、喝著白蘭地醉倒在路邊的爺爺、坐在搖椅上的奶奶等早已斑駁的畫面，逐如泛黃的舊照片在腦中一頁頁的翻開。現在一個人走在老家的街上，想著那些已經離開於此的親人，以及那些已經消失在時間彎角的事物，心情說不上是沉重，比較像是在心頭掛上了一個被稱之為懷念的重物，懸在半空中，在那裡盪呀盪，晃呀晃的。

我講著不流利的台語，跟攤販的老爺爺買了六塊雞蛋糕，紙袋裡香溢著淡淡的奶油氣味。隨即轉進街口內的菜市場，魚腥與肉腥味隨之撲鼻而來，它們陳列在一顆顆暈黃的燈光泡下，等待上桌落入人口的宿命；有時，氣味總是變換的太快，使你分不清楚自己所在的世界是甚麼樣的世界，而人生，也是如此五味雜陳。

走進下一個巷口內，裡頭隱藏著六合院式的老房子，三棟房子圍出一片小院子。我好奇的在那駐留了會，院子裡的人們用著疑惑的眼神看著我，好像我走到一處不該走進的地方，也許是身上穿著太不像本地人的緣故，明顯的被當作是一位外來客，此時，我只好有點尷尬的離開。

上一代，為求前途而上來北部發展，就像林強在〈向前走〉中所唱出的游子心聲，而下一代的我，反而是順著根源回到了這裡；不生於這裡，卻擁有鄉愁的歧異感。

終究，我還是得搭上向北的巴士回到潮濕陰冷的台北。回程時，耳機放著盪在空中的《一大片風景》，簡潔的Grooving使人感覺慵懶在海洋上，隨著那股波潮舒適的在上頭飄盪，歌曲的長短樂段不斷的串連在一起，精妙，好聽，解鬱的台語腔調緩緩的釋放了懸在半空中的情緒。

在那裡我思考的是過去，在這裡我思考的是未來。然而，未來該怎麼辦，我也只能往前大膽走一步。

Esben and the Witch - Violet Cries

2011-02-02T18:38:00.000-08:00

Esben and the Witch雖取名自丹麥的一則童話故事，不過他們的音樂卻遠超出一則童話故事所能給予的想像空間。Esben and the Witch在創作上運用了許多極微的概念和一些實驗性的氛圍，他們自稱受到Scott Walker的《the Drift》、HEALTH的《Get Colour》以及Joy Division的《Closer》這三張專輯的影響，所以你可以感受音樂中除了絕暗無光的鬼魅氣氛，還不時融入些電子元素與電吉他音牆。

主唱Rachel Davies的黑暗聲嗓仿如後龐克樂隊Siouxsie and the Banshees的Siouxsie Sioux，即使在高音部也能保持著深厚的穿透力，將內心深處的恐懼重現在腦門，但那樣的聲音並不是為了使你懼怕恐懼，而是為了使你擁有對恐懼的抗體，對抗恐懼。

他們的第一張專輯《Violet Cries》於今年在獨立名廠Matador下發行，算是2011年初相當有力的新聲音。近年來總是抱怨新團的表現不佳，但我覺得《Violet Cries》擁有一些與眾不同的質量，他們能將一些老舊的聲響以巧妙的手法表現出另一種現代感，如同The XX的同名專輯那般，單純、迷人。當我們懷疑未來的音樂走向是否會越來越複雜時，他們的音樂卻帶領我們走向一些更簡單的概念，將各種音樂類型的元素小巧融合；簡單一點的說法就是：「往回看，再重組」。

《Violet Cries》的開場曲〈Argyria〉以鋪陳的手法緩慢引入各種聲響，由吉他的單音與單點的鼓擊轉而為反覆的電吉他音牆與零碎的電子聲響，然後搭著Rachel的灰暗嗓音行進到單曲〈Marching Song〉，〈Marching Song〉描寫著軍隊高唱行軍曲直至戰亡的景象，壯大的氛圍及單音吉他貫串整首曲子，大鼓與銅鑼的敲擊將氣勢提到最高，然後如同〈Argyria〉結尾最後由電子聲響淡出，這樣的手法也成為他們編曲中常見的方式。

〈Light Streams〉受到發明家特斯拉的啟發，曲子如同他發明的電子儀器所放射出的電流光線，帶著美妙的亮度卻擁有無比殺傷力，這首歌讓我想起Bark Psychosis的後搖滾編曲，脫離傳統的主副歌架構，將聲音減到最小化再將聲音填滿。

〈Hexagons IV〉是專輯裡我最喜歡的一首，這首曲子的主歌與副歌旋律有一種不相稱的違和感，但整體聽起來卻具有相當的美感，副歌的旋律異常的美妙，彷彿將你的魂魄安置在一個黑暗密閉的小房間，與世隔絕。

〈Chorea〉的Chorea是一種舞蹈病症，這首歌或許是專輯裡聽來最有壓迫感的一首，我們就像是舞蹈症病患，無法控制自己的身體，只能將自己扭曲的不成人形，聽完後一種毛骨悚然的感覺從背脊而上。

Rachel的嗓音在〈Eumenides〉表現得時而分裂時而唯美，將異色的美感展露無遺，後段的舞曲節拍更是令人感到驚奇，在深邃的幽幻之音外留有現代的墮壞感。

我想，Esben and the Witch最迷人的地方就在於那種無形的神祕感以及對黑暗的想像力。或許你一開始會沒辦法接受《Violet Cries》那種誨澀的沉重感，但這張專輯的確會越聽越使人入迷，就如同燈關上的瞬間還無法在黑暗中擁有辨識力，但只要一習慣黑暗後，你便能在黑色的一切中找到你所想要的東西。

The Decemberists – The King is Dead

2011-01-22T19:14:00.000-08:00

時間流轉之快，當初的新興樂隊The Decemberists已經渡過了他們的第十個年頭，在獨立搖滾樂圈建立起自己獨樹一幟的風範。從民謠搖滾一路到前衛搖滾，曲風多樣的變換性在他們手中可以說是收放自如，當然這也要歸功於主腦Colin Meloy優異的寫歌功力，他在詞或曲的創作上都表現得相當出色。一個十年過去， The Decemberists的音樂將會走向何方，維持現狀還是重面革新，並沒有任何人知道，直到他們的第六張專輯《The King is Dead》面世後我們才終於有了答案。

眾所皆知Colin Meloy是The Smiths主唱Morrissey的擁護者，或許不少樂迷看到專輯名稱《The King is Dead》會猜測這是一張向The Smiths經典之作《The Queen is Dead》致敬的作品，但《The King is Dead》似乎沒讓人那麼好看透，裡頭的曲調結構大多是偏向於鄉村搖滾，朝這個美國的根源曲風吸取養分。

這張專輯是他們在Portland郊外的Pendarvis 農場所錄製，錄音室外不外乎是遍地花草、川息不絕的河流以及無窮盡的森林景觀，這樣的自然環境似乎也帶給他們相當多的創作靈感，甚至你只要聽著某首歌，就能感受到那股自然的神秘力在你耳邊跳躍。

不同於前幾張專輯的前衛編曲以及概念性，聆聽《The King is Dead》可以說是相當的輕鬆暢快，每首歌的旋律性都十分的好，當中比較特別的是他們還找來R.E.M吉他手Peter Buck以及民謠女歌手Gillian Welch前來助陣，Peter Buck分別在第一首〈Don't Carry It All〉彈奏曼陀林琴以及在〈Calamity Song〉和〈Down by the Water〉中彈奏吉他，Colin Meloy說到：「有不少歌曲都是效彷著Peter Buck的彈奏風格，那何不如就找他來為我們彈奏」，然而，這些歌曲的旋律對R.E.M的樂迷來說似乎還真的有點耳熟。

早在去年就聽到的第一支單曲〈Down By The Water〉我便覺得相當好聽，旋律的部分有點相似R.E.M的〈The One I Love〉，但口琴以及Gillian Welch合聲的加入給了歌曲更多豐富的層次。四個簡易的吉他和絃的便能創作出如此雋永的曲調，Colin Meloy彷如受到那些傳奇民謠歌手的精神傳承，以最簡單的方式寫出好的歌曲，只能說實在不簡單。

〈Rise to Me〉描寫著山川富麗的景色，使用了鄉村音樂時常出現的Pedal-Steel Guitar，滑潤的琴音與口琴的吹奏完整的將鄉村風味給體現出來，聆聽時宛如置於林中的徐風吹撫，千變萬化的風向，你永遠不知道自己將被吹向哪方。

〈Rox In The Box〉的曲調彷彿帶領我們回到中古世紀的酒館，人們舉杯慶祝著節慶的到來，鼓手以木棍為鼓棒敲打桌面成節奏，小提琴手站上木桌拉著琴弦，吟遊詩人唱著他們亙古不變的詩歌，一首時光錯置的仿舊舞曲。

之前對他們將會向The Smiths致敬的誤解，在聽到〈This Is Why We Fight〉後便像得到了些釋懷，這首歌有著那麼一點The Smiths的味道，尤其在吉他彈奏分散和弦的部分，或許這樣的曲調將會成為他們未來的主軸也說不定。

最後的〈Dear Avery〉帶著些許的傷感，向思念的人誠摯的呼喚，簡單的木吉他刷奏、踏板電吉他琴音、貝斯韻律，融合成一段告別的尾曲，如同Neil Young在《Harvest Moon》的那些歌曲般，甜蜜中帶點不捨的苦澀。

《The King is Dead》沒有宏偉的故事觀，前衛的長篇編曲，只有一首首貼近人心的復古鄉謠。The Decemberists的音樂總會帶我離開現代化的現實，航向那些我還尚未知曉的過往景象，如同翻閱歷史課本的第一頁至最後一頁，他們斑駁的古老詩歌始終能在當下閃耀出與眾不同的光澤。

No Age

2011-01-05T19:39:00.000-08:00

聽No Age的音樂就如同在滑板上直線加速，一時想來個帥氣的豚跳卻摔個四腳朝天，站起來再拍拍屁股，很痛也無所謂，年輕就是要這樣俐落爽快。

來自美國洛杉磯的雙人組合No Age，團員分別是鼓手兼主唱的Dean Allen Spunt以及吉他手Randy Randall。其實他們早在No Age之前就已經在一個硬蕊龐克樂隊Wives裡一起玩音樂，Wives雖然只發行了一張專輯《Erect the Youth Problem》，但你可以從這專輯裡窺探出No Age的音樂根源，他們無疑受到了整個L.A深遠的龐克場景所影響。

兩年多前瞧見了他們第一張於Fat Cat所發行的作品《Weirdo Rippers》，很快的就被封面中一間殘破小店上斗大的No Age兩字吸引住，這兩個字似乎象徵了沒有年紀、永遠年輕，即使人會隨著年紀增大而老化，心還是可以保持著在No Age的狀態，看著這兩個字就像看著那些五、六十歲的搖滾客在台上表演給人的感覺，「保持年輕的心始終是重要的」。

聽完《Weirdo Rippers》的當下，整個感覺是相當新鮮的。老實說我是第一次聽到這樣的音樂，低傳真的歌聲，直線乾脆的鼓擊，粗糙的吉他破音，雖以龐克音樂為原形，但聲響聽來卻是相當富有實驗性。在〈Boy Void〉裡你可以聽到，即使沒有貝斯的低音，大鼓的敲擊依然能維持低音的韻律，不斷變換的吉他聲線更是令人聽得爽快。當中有不少兩分鐘的歌曲都會有一段小鋪陳，最後再進入一小段主旋律就結束，毫不拖泥帶水，乾淨俐落，像〈My Life's Alright Without You〉、〈Everybody's Down〉、〈Neck Escaper〉等都是短小夠力的上選歌曲。

不得不佩服Dean Allen Spunt一邊賣力打鼓一邊還要擔當主唱的功力，顧及拍子精準度的同時還得把歌唱好，這並非凡人能輕鬆做到的事，像No Age這樣兩人編制以鼓手為主唱的組合在樂團界算是少數，但縱使只有兩個人，也有著不輸大編制樂隊的超凡能量。

08年於西雅圖獨立大廠Sub-Pop發行的《Nouns》，逐漸在網路媒體上打開他們的知名度。《Nouns》整體的完整度比《Weirdo Rippers》來得好，不過也少了些我喜歡的實驗元素。他們的吉他噪音不再零碎反而變得飽滿後實，由龐克音樂的面向悄悄轉變為節奏快意的Noise-Pop，當中〈Teen Creeps〉、〈Sleeper Hold〉以及〈Brain Burner〉都是我很中意的曲子。

直到去年發行的《Everything In Between》，我覺得No Age的音樂在編曲上已經相當成熟，觸及人心的旋律不斷迴盪在耳邊。當你聽著第一首歌〈Life Prowler〉很不自覺的就會跟著他們唱著＂My Life、My Life、My Life….＂好像生活就掌握在自己手上，主打單曲〈Glitter〉更是不用說的好聽，扭曲的電吉他聲響在奇異的空間滑行，聽著〈Fever Dreaming〉和〈Depletion〉又回到他們早期以速度感來決勝負的感覺，然而到了〈Common Heat〉又變得出乎意料的溫柔。專輯後半呈現了許多實驗性的噪音氛圍，甚至融入了些微妙的電子元素在內，欲可知No Age不斷再嘗試些新玩法，彷彿他們的音樂沒有極限，也沒有年紀限制。

三個年頭，三張專輯，自己也邁向二十歲後的第三年，好像自己也隨著他們的音樂成長。

No Age 將會於2011/2/19在台北公館的The Wall演出，歡迎大家一同來見證他們的現場能量，如果覺得自己已經不再年輕，好久沒看到有趣夠勁的現場表演，相信他們一定能在新的一年讓你重拾遺忘已久的熱血。

My Top 15 Albums of 2010

2010-12-30T05:33:00.000-08:00

1.The National - High Violet

2.James - The Night Before/ The Morning After

3.Massive Attack - Heligoland

4.Trembling Blue Stars - Fast Trains And Telegraph Wires

5.透明雜誌 – 我們的靈魂樂

6.AaRON - Birds In the Storm

7.Arcade Fire – The Suburbs

8.Sun Kil Moon - Admiral Fell Promises

9.Deerhunter - Halcyon Digest

10.Monster Movie - Everyone Is a Ghost

11.Northern Portrait - Criminal Art Lovers

12.Air Formation - Nothing To Wish For (Nothing To Lose)

13.Low Sea - Las Olas

14.Wild Nothing - Gemini

15.Candy Claws - Hidden Lands

Ride Into the Sun

2010-12-29T20:10:00.000-08:00

一如往常，周一到周三的早晨九點，我騎著車燈斜歪的機車一路騎往台北市上班。路線始終規律不變，騎上忠孝橋橫過淡水河，下橋左轉市民大道，再右轉至復興南路，習慣這樣的路途後，我常常腦中在想其他瑣事而不自覺的就騎到目的地，下車時才恍然在心裡竊語：「哦，已經到了。」在騎車的過程中有種進入時光隧道的錯覺；時間彷如被膠水黏在定點上，停滯不前。

每當進入台北市，氣溫總是讓人感覺高了兩、三度，大量的汽機車、施工地開始繁忙的湧塞入你的視線內，此時，嗅覺正淺嚐著驚人的廢氣排放量，出門前穿上的外套，現在也熱的必須脫下，這樣氣溫與景象的轉變，的確頗讓人有進入到一座大城市的異妙感。你在這度過國小到大學十幾年的學習生涯，這裡有你大部分的朋友、你所愛的人，生活的時間有一半以上都耗在這座城市上。我與它的繫結關係似乎比想像中還要來的深遠。

你問我喜歡在這裡生活嗎，我想我是喜歡的，但相對的，我越是喜歡這裡也就越是厭惡這裡，不知為何會有如此矛盾的心情。那些剝削時間而來的金錢，過度的消費以及娛樂像是身上的瘤，與你擺脫不了關係；遍地高樓大廈所產生出的陰暗處則相對不減，人們得更加努力才能維持好的生活品質，也或許這根本不是靠努力才能解決的問題。當我用自己賺來的錢去購買商品時，感受到的不是金錢的遞減，而是關於時間的換取與流逝。即使如此厭惡你還是得奮鬥，還是得生活，但逃離此處到他方的心情卻始終在心頭。

我喜歡冬季的陽光，金黃色的光線照在身上不熱不刺，反而會感到被一股溫煦的氣圍所包覆。騎車在路途，想起The Velvet Underground的〈Ride Into The Sun〉；這首歌講的正是對他方生活的渴望，歌詞寫著：

＂Looking for another place

Somewhere else to be

Looking for another chance

To ride into the sun＂

我們對此地的厭惡，產生出一種想望，想望著他方的生活能比此地來得好，能有更多的好機會邁向成功。如同韓波說著：「在富於詩意的夢幻想像中，周圍的生活是多麼平庸而死寂，真正的生活總是在他方。」這句也就精要的把對他方的渴望解釋的完善。但歌詞又寫到：

＂To the city

Where everything seems so ugly

When your sitting at home in self pitty

Remember you're just one more person

Who's living there＂

即使這個城市如此醜陋，坐在家裡自我憐憫的你，也別忘了自己同樣是這個城市的一份子。我覺得這也是很重要的一部分，在抱怨的同時你得想想自己曾為這裡做了些甚麼改變，甚至是自身的改變，不然你也不過是這裡醜陋部分的一個小汙點。

此刻，拋除遠方的他方，我正試著騎向這城市範圍內的他方，最後的檔位，油門把手轉到底，朝著冬天的太陽前進。有些刺眼，那又如何。

Loomer – Ceiling

2010-12-22T23:05:00.000-08:00

喜愛Shoegaze音樂的朋友一定對〈Loomer〉這個字詞不陌生，它正是My Bloody Valentine在《Loveless》專輯裡的第二首歌，然而，來自澳洲布里斯本的四人樂隊Loomer即是承襲了這首歌的樣貌玩著Shoegaze音樂，這種由歌名轉變為團名的過程就好像是一種象徵性的傳承，從團名中就能微微看出他們音樂的脈絡以及內裡。

他們於今年年底所發行的專輯《Ceiling》相當能抓住我的耳朵，無論是女主唱Breannen幽幻迷離的嗓音還是吉他噪音的空間感都擁有著異常迷人的特質，具有某種黑暗不見底的深度。整體編曲的方式沒有特別明顯的主副歌旋律，所以聽起來些許含有實驗即興的味道，但也正因為如此，更賦予了歌曲許多窠臼外的變化性。

以Bass Line起頭的〈Enchanted〉挾著迷幻的吉他Riff，此後，吉他噪音的洪潮隨著鼓的落點瞬下而爆發，聽來非常過癮。Loomer除了受到My Bloody Valentine的迷幻噪音音牆影響，從〈Ceiling〉這首歌也可聽的出他們從Sonic Youth身上所習得的編曲方式，鼓的節奏直線速度般的行進，電吉他的反饋聲響流竄其中，呼囂般的噪音聽來個性十足，很有意思的一首歌。

〈French〉聽來更加的黯然不見光芒，Breannen的聲音猶如從噪音的深谷底呼喊出來，最後鼓點與吉他不斷反覆著樂句直至曲子結束。從〈Saving Daylight〉便能聽的出來他們不是屬於柔美的Shoegaze樂派，鼓與吉他刷奏的落點鏗鏘有力，具有速度感的節奏使人腎上腺素直升，激烈與破壞頓時同存。

《Ceiling》表現出他們對詮釋Shoegaze音樂的方式已經有很好的純熟度，曲子聽來不會與前人過度相似，甚至含有些不錯的變化性。如果你是喜歡幽暗氛圍的重度Shoegaze樂迷，相信一定不會對Loomer的這張《Ceiling》感到失望。

My Favorite Tracks Of 2010

2010-12-20T05:13:00.000-08:00

依字母順序排列：

Air Formation -Low December Sun

AaRON - Inner Streets

Arcade Fire -Ready To Start

Asobi Seksu - Trails

Amiina - What are we Waiting for?

The Besnard Lakes -Albatross

Belle & Sebastian -I Didn't See It Coming

Beach House - Used To Be

Broken Social Scene - Meet Me in the Basement

Candy Claws - Sunbeam Show

Ceremony - Someday

Charlotte Gainsbourg - Heaven Can Wait

The Decemberists - Down By The Water

Danger Mouse & Sparklehorse - Just War (Feat. Gruff Rhys)

Deerhunter - Desire Lines

Envy - Light and Solitude

Ghost Society - Better Days

Gorillaz -Some Kind Of Nature

The Hundred In The Hands - Pigeons

Insect Guide - This City

James - Lookaway

James - Shine

Kent - Team building

Kyte - ihnfsa

The Indelicates -Sympathy For The Devil

Low Sea – Falling

Lali Puna - Everything Is Always

Monster Movie -Silver Knife

Midlake -Small Mountain

Maserati - Oaxaca

Massive Attack -Psyche feat. Martina Topley-Bird

The National - Terrible Love (Alternate Version)

The National - Conversation 16

No Age - Fever Dreaming

Northern Portrait - Life Returns to Normal

Philip Selway - By Some Miracle

Polar - The Boxer Part 1

The Radio Dept. - Heaven’s On Fire

Rökkurró - Sólin mun skína

School Of Seven Bells - Windstorm

Sun Kil Moon - You Are My Sun

These New Puritans - We Want War

Trembling Blue Stars - Cold Colours

Trembling Blue Stars - No More Sad Songs

Tunng - Hustle

Veil Veil Vanish - Exile City

The Walkmen - Angela Surf City

World's End Girlfriend - Les Enfants du Paradis

Weekend -Age Class

Wild Nothing - Confirmation

透明雜誌 -性的地獄

透明雜誌 -少女

薄荷葉 - Someone in My Mind

盪在空中 -公園邊的夢

傷心欲絕 -司機! 請你載我回家

Here

2010-12-18T19:55:00.000-08:00

這裡，總會有人會問我對未來有什麼打算，有什麼長遠的計畫，繼續讀書或者找份工作，我的回答常常都是：「到時候再說吧。」即使是從前堅決要走的路，現在我也不太這麼肯定了。我得自然的走到一個盡頭，答案才會出現在我面前。茫然的宿命壟罩在之上，像一團迷霧包圍著自己周遭，眼前的一切都是霧茫茫的一片灰白。我不甘於去屈服甚麼，甚至想要脫離人們遵循的架構來走，但那只會將自身拋到一個更大的問題裡，也讓我的思考線無限擴張，未來，我該讓自己的生活如何運轉。

還要符合誰的期待？他們在你身上模擬出一個未來的輪廓，想慢慢把你導入到那個輪廓，直至你與那個輪廓完全符合後，他們的內心才能完滿無憂，那並不是惡意的想望，只是每個人內心都有的「對他人期盼的欲望」。但那始終不是你，只有你知道自己是誰，該站在這裡，或者那裡，又或什麼地方也不站，把自己放在一個Nowhere的狀態，如同The Beatles裡的Nowhere Man，又或者像是《挪威的森林》裡的渡邊徹，獨立於時代的激昂變動之外，不與虛偽和假道學為伍，徘徊於自我無止盡的情愛追尋。

這裡，如果有人問我未來的生活到底要怎樣過才算對的起自己，我會說：「我想活的像Pavement的第一張專輯《Slanted & Enchanted》一樣，生活品質有點粗糙無所謂，但絕對不能失去樂趣，想亂叫就亂叫，想難過就難過，想快樂就快樂。」這不是什麼人生態度的東西，說要這樣過就這樣過如此一成不變，很直接的就像是你去聽這張專輯的感覺，每一次聽都有不盡相同的感受。挑剔來說《Slanted & Enchanted》的旋律性並沒有下一張《Crooked Rain, Crooked Rain》來得好，但也就因為那種粗製的不完美，反而更貼近生活的種種形態。

Pavement主唱Stephen Malkmus在〈Here〉的開頭唱著：＂I was dressed for success, but success it never comes＂，才第一句歌詞就牢牢的抓住心頭。每當失意的時候，重覆撥放這首歌成了長久以來的習慣。你渴望做成的某些事，卻始終沒有如預期達成；有時你不屑成功，但又希望成功一次也好，有種生活即是由矛盾所總合起來的感覺。Stephen Malkmus的歌詞時常是抽象的，但音樂卻往往很貼近當下的心情。我常認為，即使看不懂歌詞，曲子也會引導你進入自己所想像的意義裡，不管意義的正確性與否，只要這首歌成功建立起你的想像力那就便是好歌了。

我尤其喜歡Peel Session版本的〈Here〉。沒有了專輯版本的慘澹落寞，Stephen Malkmus獨特的嗓音更加激昂，由粗厚的吉他噪音襯著底，轉為一種更有生命力的形式，歌詞中的第一個Success也改唱成了Suck，句子的頓點瞬時變得強而有勁，人生的方向也從問句的疑惑變成了肯定句的堅毅。

＂Everything's ending here＂，不論好與壞，所有一切都會在這裡結束，在那之前還得繼續走下去，沒有答案也得繼續走下去。在這裡，如果你還相信自己，事情總會變得比想像中的還要好。

30 Century Man

2010-12-08T20:37:00.000-08:00

最近總是不斷聽著Scott Walker的音樂，由早期的室內流行樂一直聽到近期較偏向於前衛音樂的作品，聆聽的過程彷彿經歷一場時光倒回與前轉的錯置巡禮。我相當喜歡六零年代末期所發行的《Scott》到《Scott 4》這四張經典專輯，這四張專輯幾乎可以說是一氣喝成的同質性作品，但每一張作品又含有不一樣的情緒以及風情在裡面；在那樣的時代，Scott Walker的出現無疑將室內流行樂的曲式推向前所未有的高度。

深受比利時歌手Jacques Brel的影響，Scott Walker早期的歌唱方式蘊有一種豪放的浪漫情懷，他的嗓音時而深沉、時而高昂，音韻婉轉流順，欲然能將人吸入到他嗓音所產生出來的漩渦當中，那樣的漩渦充滿著洛杉磯到倫敦的街頭景色，一幅幅愛人相聚相離的黑白定像，以及夏季至冬季由窗櫺外看出的時代光影。

如果要從這四張專輯挑出我最喜愛的一張，那必定是《Scott 3》，《Scott 3》雖然沒有前幾張專輯如此恢弘的室內樂編曲，但減少樂器的相互交疊也使人將注意力轉回到他的歌聲與編曲的細節上，許多樂器加入的方式以及編奏都是十分微妙的，氣氛的營造也能輕易的將聽者引入到另一處美妙的情境。整張專輯滿溢不少鬱悶寡歡的曲調，從〈It's Raining Today〉開始，秋季的街角開始下起細雨，他抽著菸，透過煙霧的白濛看著愛人的臉龐，如此陷入了思緒的無限蔓延。

〈30 Century Man〉是《Scott 3》中的第八首歌，亦是Scott Walker在06年上映的紀錄片的名稱。這首歌與其他同專輯的歌曲幾乎是不同調性，沒有任何室內樂器的輔助，純粹只有一把木吉他彈奏，由三個和絃所譜寫出來的一首一分半的曲子。歌詞寫道：「看那侏儒與巨人，你想成為哪一個？如果你都不想成為兩者，就把自己冷凍起來像個三十世紀的人吧。」如同他自己，或許那些名氣的起起落落都已不再重要，他將自己拋向三十世紀外，也將他的音樂拋向時代的前端，Scott Walker從來不在同一個定點停滯不前。

由1984所發行的《Climate of Hunter》開始，Scott Walker嘗試了許多當代搖滾音樂的風格，亦將古典樂以及室內樂的結構轉變得更為實驗化，你可以感受到一股迷離的氛圍在其中。此外，他的嗓音也變得渾圓低沉，仿如將黑暗含糊在喉中，歌唱出一種詭譎的音韻，然而，這些轉變也象徵著向以往的樂迷揮手告別。

相隔11年後的《Tilt》，Scott Walker又走向了更深的黑暗處，在黑暗的深處破繭重生，他將實驗聲響的運用發揮得淋漓盡致，你可以聽見所有歌曲的旋律性都呈現發散的狀態，簡言之，這並不是一張容易找到聆聽方向的專輯。但正當你覺得他已經玩遍所有路數後，加入4AD廠牌後所發行的《The Drift》中，他又做了各種不同的聲響嘗試，包括將敲打豬肉的聲響做為歌曲的節拍。當中所有歌曲的氛圍包括歌聲都聽來都像走進了一處幽暗的密林，在深夜聆聽時甚至會讓人不寒而慄，一陣的低吟，又一陣巨響傾到在耳前，你無法預料聲音將會由何處來又從何處去。總體說，《The Drift》實質是一場現代音樂的融合異變。

從第一張專輯《Scott》聽到《The Drift》，Scott Walker的音樂使人猶如置身於各種不同的時光場景中，豪邁、光明、鬱悶、陰暗，流行音樂到音樂解構，在此，你無法預知他(甚至是未來)的音樂又會往何處走去。他曾是歌謠時代的巨人，但他從不眷戀每雙眼中的迷戀，人們隨著他的音樂，回到過去又走向未來。Scott Walker，這位來自三十世紀的音樂紳士。

誠品敦南音樂館【音樂講座】：新舊之間不變的好聲音

2010-11-29T04:13:00.000-08:00

這星期五(12/3)PM8:00 ~ PM9:00 我將會在誠品敦南音樂館介紹Godspeed You ! Black Emperor、Monster Movie、Admiral Radley、Black Tambourine等團，歡迎大家來逛唱片行之餘也能來聽聽音樂。

活動網址：http://go.eslite.com/Event.aspx?id=3478

透明雜誌 - 我們的靈魂樂

2010-11-24T19:23:00.000-08:00

昏暗的地下場景，又將白色煙霧吸入肺葉，有點缺氧、暈眩。刺耳的電吉他聲激烈的在耳旁炸響，高速的鼓擊下我們又跟熟悉的陌生人衝撞在一塊。是在跳舞，還是一種對生命態度的不確定，我始終不知道，但透明雜誌的下一首歌或許能告訴你一些你從未確定的事。

當龐克搖滾落入到這個量產複製的年代，我開始對那些重覆的激昂與熱血感到無感，不過聽完《我們的靈魂樂》後，裡頭的激昂似乎能在心裡掀起一些漣漪，甚至如同專輯名稱，音樂裡的確存在著直率的靈魂，尤其他們中文詞的創作更能將你拉進到曲子的靈魂深處，沒有一點隔閡的距離。

〈性的地獄〉是我第一次聽就很喜歡的曲子，起先是Bass Line與第一把吉他交互應合再疊入另一把吉他，而後彷如將Television於〈Marquee Moon〉裡經典的吉他Riff引渡到歌曲的血液裡，生理與心裡的衝動化為劇烈的吉他噪音，懇率的跟你說著：「歡迎來到性的地獄」。

聽〈時速160公里的吉他、貝斯和鼓〉就好像回到去練團室的熱血心情，鼓與吉他的聲音總是離心臟那麼近，快速的刷奏吉他就像在公路上以160公里的速度騁持，鼓棒下的每一個鼓點都像是連續投出一顆顆時速160公里的直球。

她獨自坐在教室內，發著呆，她獨自走在路上，唱著自己的歌。《九月教室》鮮明的描繪著這樣的景象，可能讓人想起某個一直存在於記憶角落的人，也可能會想起你自己，總是一個人，一個人唱著自己的歌。曲末以淡出的方式結尾，把整首歌的情緒得宜的控著在落寞的邊緣。

〈凌晨晚餐〉起頭由薄微的吉他彈奏轉為厚重的吉他刷奏，猶如在半夜由淺眠轉為清醒，思緒隨著夜晚的黑暗而明亮，而他又再一次看見，清晨那一片淺薄的藍色。

如果你曾在那，〈師大公園地下司令〉會讓你想起那些地方，我們在師大公園旁的書店，我們在師大公園喝酒，我們在師大公園….，時間這樣過去，人們來了又離去，不經禁想起朋友們是不是都還過得好。〈Illmaga〉以即興的方式嘻哈了一段，於曲後再補上破音吉他與龐克呼喊，相當絕妙的混合。

〈少女〉請了班班來獻唱，我很喜歡這首歌的旋律，或許是專輯中旋律最好的一首。少女準備離開這世界，歌詞寫到：「回想起來每一個人的臉，不知道你們之中有誰也會想念。」她想起每一個人的臉龐，然後發現自己的身體慢慢變得透明，最後消失在人群中。扭曲的電吉他聲下，寂寞的故事變得真實如夢。

專輯中穿插了不少一分至兩分鐘的龐克短曲，諸如〈Anorak〉、〈Soul Blast〉、〈有時候真想往你臉上灌一拳〉等，尤其聽〈有時候真想往你臉上灌一拳〉更是一種靜態的宣洩，當你覺得這一切都很無聊、很煩悶、很狗屁的時候。

《我們的靈魂樂》裡不少曲子的編曲都相當的與眾有別，兩把吉他的對談方式尤其精妙，從中的確可以聽到一些格式外的創意，不過最讓人讚賞的還是那一種對音樂的衝動以及無以畏懼的能量。

他背著他的Rickenbacker電吉他，彈奏噪音，不用拐彎抹角的詞彙、字句，唱著自己的歌，唱著自己和他們的歌。

Cody

2010-11-21T03:00:00.000-08:00

沒有什麼是停止不下來的，在那瘋狂的咆哮後，沒有什麼是脫離慣性而靜止的。

他認為唯獨年輕才具有最原始的衝撞本質，能將規則以詩的形式崩解於生命之外。只有不斷的崩解，繫綑在自由腳踝上的鐵鍊，才能從下一個世代的生活中被斬斷，徹徹底底的被意志的刃給斬斷。

那首歌在耳中徘迴時，至少，我像是從不記得自己年齡那般不受拘束；由裡至外的，沒有什麼是需要隱藏，沒有什麼是需要被定調。那時年輕且盲目的激情在愛情的陰影下顯得拙笨，拙笨的身體在狂躁的音韻下，猶如被注入一劑興奮的城市雨水，使得四肢以節奏為主體，陰鬱搖擺。

折裂的老藍調唱片，被擱在倉庫的黑暗一角，生灰，但粗劣的吉他聲韻依舊留存在稀薄缺氧的空氣層次中；他吸了一口，彷彿將整個時代的悲憤都被吸入到鼻腔裡，轉化為一種突發奇想的狂亂，一種龐克搖滾，以及那首使我喪失年齡記憶的曲調。

旋律的波長起伏如海潮，一陣又一陣，低吟著悲傷的落魄靈魂。老友向我招手道別，向未來與過去道別，向一尊我年輕時的大理石雕像道別。我只是默默的看著他，默默無聲的看著他搭著第二段旋律結尾的班車離開；紅色車尾燈兩拍著明滅，不帶情緒的朝彼遠去。此時，沒有什麼是停止不下來的，道別亦是如此，我們無法停止道別、無法停止向自己道別、無法停止向年齡道別。

來吧，年輕的早逝者！我假想你可以繼續為此戰鬥，如果自由是你的身體，如果狂嚎是你的聲樂，如果還有更多的如果該被畫上瘋狂的句號。只是當你不斷變成自己年輕時期的敵人，面對那些永遠無法拋開的無數孤影，你又該如何向他宣戰；還是你要的只是和平，像個和平主義者舉起他的手勢，來證明自己維持兩方平和的立場。

站在這裡，他還有自己年輕的旋律，當什麼都準備毀滅時，他還有自己的旋律。這不是一個急欲闡明主體性的宣告，只是一個在崩裂前的提醒，提醒著那些被社會擊昏的無產者，這些我們所信仰的旋律還在。

「你還年輕」，耳邊始終流迴著這四個字。當我還年輕時，這四個字具有保護及不削的意味，而當我不再年輕時，它對我已不具意義。時間將那些困在記憶裡的句子對自身的意義從意識中排除，這時，我才體認到自己「不再年輕」的字字事實。

年輕的聲音以他的方式結束，而我正離開，離開所有的年紀，向它們瘋狂的咆哮，向它們瘋狂的道別。

Candy Claws - Hidden Lands

2010-11-13T19:29:00.000-08:00

在聽到Candy Claws之前，我從未知道Dream-Pop音樂可以與自然有所密切的繫結。Candy Claws來自美國科羅拉多州的科林斯堡，這個常被讚譽為生活品質優異的城市。科林斯堡周遭環圍著山麓以及河川，壯闊的天然美景隨時能在眼前舒展開來，而源自於此的Candy Claws猶然吸收這塊大地的各種美好特質，將它轉化為如夢似幻的優美旋律。

他們的第二張專輯《Hidden Lands》延續上一張《In the Dream of the Sea Life》的創作方式，以一本書籍為主要概念來譜寫詞曲。因此，他們這次選用了《The Secret Life of the Forest》這本科學叢書來作為創作靈感的泉源，書中描寫了遠古時期至現代的植物演進，以及有關於森林起源的種種一切。

Candy Claws的創作核心來自Ryan和Kay這對情侶檔，在Candy Claws的音樂中你可以時常聽見他們兩的聲音呢喃在一塊，仿如在同一條聲線上能夠同時具有雌雄的兩種音色，夢囈似的共鳴。他們的樂曲不同於傳統的夢幻民謠樂隊，反而像是由Animal Collective所傳承下來的嫡系，使用大量的合成器營造出樂曲的空間感，唱著零碎的旋律，再添加不少傳統式的敲擊樂器聲響，但整體感覺卻絲毫沒有冷酷的電子感，反而讓聽覺置身於一處奇幻的幽山壁林。

聆聽〈Sunbeam Show〉的感覺就如同萬物的初始，一道曙光照射在空無一物的泥土地上，各式植物的芽頭才正要開始冒出，開始它橫越千年的旅程。溫暖的合成器音色包覆了〈Warm Forest Floor〉的根脈，群林的景象緩慢的圍繞在身邊，動物無聲無息的藏匿起來，但你依舊嗅得到它們瞬變的氣息。

〈The Breathing Fire〉則是相當可愛的用了氣泡式的鍵盤聲響，副歌的旋律如同一首雋永的童謠，帶領大人們進入兒時的夢鄉，在一片無邊境的草原無拘無束的自由奔跑。〈Silent Time Of Earth〉莫過於是專輯裡旋律最優美的一首，即使是模糊不清的詞曲，意境的形朔依然使人感到身處萬林般的寂靜，這一刻，地球上所有的聲音猶然在自己的內心消聲靜止。

《Hidden Lands》使我們遠離都市過度的喧鬧、擁擠，提醒著你陽光透過葉脈照射在肌膚上的觸感，以及大自然種種美好的一切。有些音樂始終含有帶人去旅行的特質，只要透過聽覺，我們彷彿能感覺到眼前所看不到的景象，感覺，如此有距離卻又如此靠近。

Never Let Me Go

2010-11-10T02:30:00.000-08:00

以探討複製人為藍本的科幻電影總是不占少數，其中的要旨大都是對複製人是否擁有自我意識的問題進行道德思考，雖然這樣的題材已經被重複無數次，但改編自石黑一雄小說的《Never Let Me Go》卻用另一種更具情感的方式來描繪複製人的故事。

電影一開始，鏡頭便帶到Kathy在手術室外看著準備捐贈器官的Tommy，她慢慢回想起自己童年時期的生活。她的兩位好友Ruth和Tommy都是Hailsham這所學校的學生，學校相當注重學生的健全發展，甚至讓她們自由發揮在繪畫、音樂、寫作等藝術創作上，不過卻禁止對校外有任何接觸。Tommy在校內總是被周遭的同學嘲笑排擠，只有Kathy對他抱有好感，在課堂上，她時常不經意的把目光放在他身上，也不確定心中的情愫是什麼時候開始滋長，她向Ruth透露出對Tommy的好感，但Ruth卻故作不以為意。

在一次換取物品的活動當中，Tommy換取了一捲Judy Bridgewater的音樂卡帶，專輯名叫Songs After Dark(歌手和專輯皆是小說所虛構)，他把這捲卡帶送給了Kathy。Kathy獨自坐在床上將卡帶放入手提音響，聽著這首〈Never Let Me go〉，當Judy Bridgewater唱到副歌："Baby, never let me go."時，她抱緊枕頭如同渴望被人抱緊一般，流著眼淚，在這一幕中，她盼望著愛情能帶她逃離孤獨的黑暗。

一位老師因不忍心而告知學生們，每個人的未來都有很多的選擇，但你們長大後只能將自己的器官捐贈出來直到生命結束。這也意味著他們的生命被宣告為有時限的終結，不過聽到這些內幕時，學生們並沒有太大的反應，反而異於常理的冷靜，彷彿他們的生命就如此願意屈伏於被剝奪走的命運。

不久後，Ruth與Tommy突然成為了一對戀人，Kathy不能理解Ruth的心態，但當自己被好友背叛時，她也只能夠遠遠的看著他們親密著彼此，然後將自己的心房封鎖起來，而軟弱的Tommy也從未表達對Kathy的情感。

直到成年，他們三個離開了Hailsham，與外界有了接觸，這時才知道這世界的模樣，那些電視、汽車等現代化的產物。與他們同住的情侶問到，在外流傳著著一則謠言，只要是真心相愛的伴侶便能到Hailsham找夫人辦理緩捐，但他們三個人卻從未聽過此謠言。Tommy猜想，証明彼此是否為真愛的方式，或許是由他們兒時的畫作中所看出，他這麼樣對Kathy說。

Ruth時常看不慣Kathy與Tommy的往來，便從中挑撥他們兩個之間的感情，而Kathy也受不了這樣的紛擾，於是自願徵選看護者(照顧捐贈人)，離開了他們兩個身邊。她像是在逃避著什麼，但卻始終逃不過內心的孤獨。

多年後，Kathy在醫院巧遇已經捐贈過二次的Ruth，兩人就像多年不見的朋友彼此問候，虛弱的Ruth說她想像過往一樣三個人去旅行，於是她們便開著車去找在另一處進行捐贈的Tommy。三個人又重新聚在一起，他們到了一片廣闊的海岸邊，攤上擱淺了一搜廢棄的舊船，Tommy興奮的跑向船上，如同找回失去的自由，Kathy與Ruth坐在遠處望著在上頭呼喊的Tommy，而這一幕，我想也是全片最美的一幕。

Ruth對Kathy說，這幾年來她一直在反省，因為自己害怕孤獨、落單，又忌妒他們兩個的感情，才會這樣對她。此時，Ruth拿出夫人的地址，希望她與Tommy能去辦理緩捐，因為他們才是真的彼此真心相愛。之後，Ruth便在第三次捐贈的時候離開了人世。

重逢的Kathy與Tommy像是兩位剛熟識的戀人，積極的為這個突來的希望做準備。他們來到夫人家準備了一些畫作要來証明兩個人的真愛以獲得緩捐，沒想到昔日的校長卻出來說明並沒有緩捐的機制，收集那些畫作是要向社會證明複製人擁有靈魂，這也是Hailsham存在的目的，不過人們為了醫學發展與利益還是不願承認複製人是有靈魂的個體，Tommy對此真相感到無比的絕望。而這樣的說詞也顛覆了我先前對Hailsham是一間複製人教育所的觀感。

最後，鏡頭回到了第一幕，Kathy看著Tommy在捐贈中離開了人世。她也被告知了自己將被捐贈的時間。面對朋友、愛人一個個的離開，她望著遠方的晚霞，眼裡只剩下無盡的悲傷。

看完這部片時，我眼眶不自主的泛著淚，或許不是對片中人物的憐憫，而是對靈魂存在的敬重。不只是創作可以表現出一個人的靈魂，而愛欲、忌妒、回憶、孤獨也都是靈魂的表現，《Never Let Me Go》用一種更深層悲傷的方式來表達道德的控訴，表現出了靈魂與情感的重量，在時光的迴返流動之後消逝殆盡。

隔了幾天，這部片的光影一直在我腦海中揮之不去，我不斷想起Kathy聽的哪首只存在於電影裡的曲子〈Never Let Me go〉，當她被旋律所觸動而哭泣，也證明了她曾經存在過的靈魂，這一刻，她不再是另一個人的複製品，而是她自己。

Amiina – Puzzle

2010-10-29T21:30:00.000-07:00

依稀記得，在看Sigur Rós的巡迴記錄片《Heima》時，有四位女孩在樂隊後方負責弦樂演奏的部分，她們輕巧的拿著提琴，微妙的拉著琴弦，那一刻是我第一次見到Amiina的身影，當時寡聞的我，孰不知她們的樂音早在Sigur Rós的專輯《( )》就已出現在我耳中。

Amiina的首張專輯《Kurr》發行後，我才算真正開始聆聽她們的音樂，雖然這四位女孩在雷克雅維克大學接受古典音樂的教育，但她們所創作出來的作品卻比古典音樂多了些創意的巧思。她們的音樂中，總有些奇妙的樂音，使你無法準確辨別出那樣的聲音是由什麼樣的樂器所發出，除了電提琴、木琴、鍵盤外，還有類似橫躺的電子豎琴、用琴弦拉著鋸子般的鐵片、各式各樣的鈴響等樂器。而在新專輯《Puzzle》中，她們又將這些聲音元素拼組成一首又一首那些關於情感、自然、微小事物完成一幅拼圖般的溫暖曲調。

錄製《Puzzle》的過程中還找來兩位新的團員，鼓手Magnús Trygvason Eliassen和電子樂手Kippi Kaninus加入樂隊陣容，當中也有三首曲子找來Sigur Rós的團員Kjartan Sveinsson來彈奏Bass，從這樣的新組合中便看得出Amiina想做出一些與之前有別的音樂作品。

與《Kurr》最顯著的不同，就在於她們開始用自己的聲音唱起歌詞來(不再只是和聲)，諸如〈Over and Again〉、〈What are we Waiting for ?〉、〈In the Sun〉等歌曲，，這也使得她們曲子的旋律性變得更具起伏、立體感。幾乎聽過一便〈What are we Waiting for ?〉你便能把副歌的旋律輕易的記在腦海中，難以忘懷，甚至被她們稚巧的聲音所打動。

純演奏的曲子也讓人印象深刻，像是第一首的〈Ásinn〉，起初先營造出氛圍化的聲響，再加入鼓擊與零碎的電子節奏，緩慢壯闊出黑夜森林的影像。從〈Mambó〉又找回到他們最純真可愛的一面，開心的拍著手、唱著啦啦啦，彷彿是獻給孩子們最愉悅的搖籃曲。最後一首〈Thoka〉冰島文翻作〈霧〉，也是《Puzzle》裡最哀傷的曲子，提琴的拉奏略帶著愁緒，使人陷入到霧的景象中，你看不到任何人，只能在灰濛的氣團裡迷失。

聽著Amiina的音樂就像打開一個未知的音樂盒。音樂盒上有精緻的古老刻紋，你輕慢的將盒蓋打開，轉動側旁的金色發條，直到發條上緊再鬆開手，盒上的人物開始跳著舞蹈，樂音叮叮咚咚的作響，此時，那些關於童年的記憶，在腦中如同幻燈片般一閃即逝。

Trembling Blue Stars - Fast Trains and Telegraph Wires

2010-10-24T03:02:00.000-07:00

台北下了一整個星期的雨，人們度過了一段好似永不結束的雨季。帶著耳機在公車上聽著Trembling Blue Stars的新專輯《Fast Trains and Telegraph Wires》，心裡總想，在雨季聆聽他們的音樂是一種難得的享受，不管景色與樂音能很好的契合在一起；每一滴落下的雨都能被旋律中的傷感上色，仔細看著車窗上透裡的滴珠上都有淡藍的澤光在微微閃耀。

這四年來不斷的聽著Trembling Blue Stars的音樂，因此也建立起一些對他們的情感，在看到主腦Bobby Wratten宣布：「這將會是Trembling Blue Stars的最後一張專輯。」時，內心多少會有點不捨，不禁也讓人想起他先前所待過的每一個樂隊，從The Field Mice到Northern Picture Library等數個Side-Project，每一個階段的音樂都值得讓Indie-Pop樂迷回味許久。Bobby Wratten的作品總是讓人感到無比的舒逸心安，無論他創作哪一種類的Indie-Pop曲調，你都能很輕易的進入到他獨特的旋律核心，而他那憂鬱寡歡的嗓音裡始終帶著不想被人輕易發現的哀愁情感。對我來說，Bobby Wratten始終是最出色的Indie-Pop唱作者。　

專輯中共有兩張CD，CD1是《Fast Trains and Telegraph Wires》，CD2則是EP《Cicely Tonight Volume One》。從第一首的〈My Face For The World To See〉開始就有相當好聽的旋律，悅動的節拍延續到〈All Our Tomorrows〉轉為Bass的輕巧律動，Bobby Wratten彷彿說唱著一段傷心的過往故事。

〈In Arrivals〉緩曳的節奏，描繪著在車站等著列車進站的景象，或許等的人永遠不會到來，但心中還是尚存著對愛情信任的希冀。〈The Imperfection Of Memory〉找來Miaow的主唱Cath Carroll獻唱，輕盈的香頌曲調，聽來十分舒適悅耳。〈The Dark World Of The Broken〉如同Trembling Blue Stars以往的慢板歌曲，纏裹著氛圍濃厚的鬱悶氣質，低沉的吉他聲線平實的在節奏中舒展，聆聽的當下，時間頓時緩慢了起來。

〈Cold Colours〉是專輯中我最喜愛的一首，有點後龐克思維的吉他刷奏反覆厚實的為歌曲鋪軌，很深的旋律性彷彿能帶人至很遠的遠方。Bobby Wratten的前女友Annemari Davies也在這首歌中擔當合聲。

〈Half-Light〉和〈The Hidden Quarter〉則由女團員Beth Arzy擔任主唱。她的聲音時常有種能夠療癒傷感的特質，尤其在上一張《The Last Holy Writer》中表現的更為出色，不少歌曲都是我的最愛，當中也包括這個Blog名稱的同名曲〈From A Pale Blue Rosary〉。多少也希望她能在Trembling Blue Stars結束後能回到自己的樂隊Aberdeen繼續唱歌。

〈The Hidden Quarter〉同時是一首獻給已逝的英國導演Derek Jarman的歌曲。Derek Jarman曾幫The Smiths的〈There Is A Light That Never Goes Out〉還有R.E.M的〈Losing My Religion〉拍攝MV，他的最後一部電影〈Blue〉也是電影史上最深藍的電影，整部片只有藍色的布幕，其中的聲音對白則替藍色詮釋了各種無限的可能。

《Cicely Tonight Volume One》這張EP不同於專輯，充滿了Brain Eno式的實驗環境音樂。由Annemari Davies所唱的〈The Lowest Arc〉聽來有一股難解的神祕氛圍。〈Not For Second Prize〉翻唱自The Dream Academy的歌曲，純然由吉他撥弦來唱奏，聽來使人感受到孤寂中的低沉落寞。

EP中的最後一首歌〈No More Sad Songs〉也替Trembling Blue Stars畫下了完美的句點。七張專輯，無數的歌曲，數不盡的回憶。他們不會再有令人傷感的曲子，但我們依舊會反覆聽著這些歌曲，度過每一段哀愁傷感的時刻。

「車廂正隨著時間的流逝而移動，窗外的景象不斷迅速的消失在眼前，一根根電桿上的線纜接續著彼此，沒有盡頭。我看著照著鏡子的她，此時，沒有人說話，靜默包圍了所有關於愛欲的想像。」

Dance！Dance！Dance！To The Radio

2010-10-22T09:29:00.000-07:00

過往聆聽搖滾音樂的啟蒙往往是由朋友的分享所開始，雖然每位聆聽者都有屬於自己的喜好與品味，讓自己孤獨的聽著音樂也沒什麼不好，但與他人分享一些喜愛的樂團或歌曲似乎更為有趣，於是最近邀請了幾位同樣對音樂熱愛的朋友一同在網路電台當起DJ，請他們每個星期固定為大家分享一些私藏的曲目，有興趣的朋友可以準時收聽。（我的時段是每個星期日的21:00 ~ 23:00）

開播日期：10/24 星期日

電台網址：http://now.in/radio/transmission

Dj Debby 　　　星期一　 21:00 ~ 23:00

Dj 米鹿仔　　　　星期二 22:00 ~ 24:00

DJ Fuse 星期三　　 21:00-23:00

Dj HeadphoneYouth 星期四 22:00 ~ 23:00

Dj Primeblue 　星期日　 21:00 ~ 23:00

AaRON - Birds In the Storm

2010-10-15T21:12:00.000-07:00

"I'm on my way to see the world,

And all I am is a bird in the storm."

來自法國的二人組合AaRon全名為Artificial Animals Riding on Neverland，看到這樣的名稱不禁會讓人想像他們在平凡名稱背後所隱藏著的奇幻陰鬱世界。只要聆聽過他們上一張專輯《Artificial Animals Riding on Neverland》就能理解那世界所有的具象，那些具象所建立起的景象就如同一片空寂的大地被悲劇的烏雲永恆壟罩，我們在當中無法找到任何希望所能存在的形式，任何都沒有。

不過新專輯《Birds In the Storm》似乎將那種陰鬱情懷給拋開了些許，仿如一道曙光瞬時穿透陰雲，情緒轉而變得激昂，曲調起伏顯要且帶有優美的格律。主唱Simon Buret為了讓身為美國人的父親也能聽懂歌曲的緣故，故歌曲大多是以英文詞來創作，這也使得聆聽AaRon時總是會想起眾多英式搖滾樂隊的旋律，諸如Radiohead、Coldplay等，但AaRon的音樂聽來其實獨自擁有自己的法式風味，仔細聽，Simon Buret所唱的每一個英文詞句都含有一種源自法國的腔調。

好的流行音樂專輯如同一篇好的文章，都具備一種「起、承、轉、合」的格律，而《Birds In the Storm》整體聽來的確含有這樣的架構，每一首歌都能獨自擁有自己的靈魂，且歌與歌之間在情感上的切換也相當到味。

「起」，由〈Ludlow L〉為始，曲子起先以鼓點鋪陳然後在加入各種的電子節拍，然後Simon Buret低沉的歌聲再引領聆聽者進入到一種情緒當中，相當吸引人的序曲。單曲〈Rise〉延續著低沉的氛圍，直到副歌唱到：「我應該跳著舞、跳著、跳著，直到落入妳的謊言之中。」壓抑的失意傷感才終能獲得釋放。

另一首單曲〈Seeds of Gold〉以他們最擅長的鋼琴譜曲，旋律不禁讓我想起Elbow的〈Forget Myself〉，聽來非常的姿肆暢快，如同騁馳在公路上搖下車窗吹拂勁風。獨具氣勢的〈Waiting for the Wind to Come〉則預告著風暴的即將到來。

〈Inner Streets〉為「承」的開端，曲子由鋼琴與電子節拍混為一氣，相當極具氣勢的編曲，Simon Buret仿如Thom Yorke亦或Jeff Buckley上身，他的嗓音在高低音的區域轉換都表現的游刃有餘，歌詞不停的描述著一些自我沉溺的段落，使人迷失在無人沙漠的正中央，感受隔離塵世的絕然孤獨，〈Inner Streets〉無疑是專輯中最好的一首歌曲。

〈Song for Ever〉是Simon Buret寫給已故製片人的曲子，整首歌由吉他的反覆撥奏貫串起，紀念好友的情緒相當深層的在旋律中蔓延。〈Arm Your Eyes〉延續上首曲子的傷感，進而更是被悲傷給掩埋；看著煦陽，我們的眼淚開始不由自主掉下來，每一滴落下的淚都似黃金，如此的閃耀。

收拾前面的傷愁，同名曲〈Birds In the Storm〉為專輯中的「轉」折點，激昂的Synth節奏在當中開始翻覆，如同他們遇上Depeche Mode，一種黑暗同質化的演繹；你在夜半走上街頭，浸沫在無聲的城市中，心裡某處卻感到極度喧鬧，不平靜的情緒焦慮的往身上攀爬。

〈A Thousand Wars〉像似某首Radiohead的曲子，共同的傷愁喚起對戰爭的撻伐，難以數計的戰爭、難以數計的靈魂，傷口依舊無法在時代的輪轉下復原。

最後的「合」由〈Passengers〉作結，先由低沉的吉他單音與嗓音鋪陳，爾後再由電氣化的聲響與吉他刷奏相輔為一體，一股死沉的黑暗氣氛圍繞著整首歌，使人看不見歌曲外面的景象。終曲〈Embers〉由鋼琴譜曲，古典的味道相當濃厚，琴鍵百般寂寥的音韻替《Birds In the Storm》緩慢的關上門，耳前，消逝與即將消逝的那些都已遠去。

《Birds In the Storm》的純熟與完整度對AaRON說必然是一大躍進，我們常講，有些樂隊總會在第二張專輯開始失足，但這次AaRON則反其道的成功的超越了自己。如果要問今年最好聽的專輯有哪些選擇可以角逐，我想，當中必定有《Birds In the Storm》的位置。

Belle & Sebastian - Write About Love

2010-10-09T20:38:00.000-07:00

《Write About Love》的發行無疑是近期Indie-Pop樂迷最引領期待的一件事，畢竟距離上一張專輯《The Life Pursuit》已近有四年的時間，而這也是他們專輯間隔期最長的一次。四年間，不知有多少新樂迷才剛開始埋首於Indie-Pop的懷抱。對我們來說，Belle & Sebastian的音樂永遠是入門Indie-Pop的最好方式，他們總是帶領著這一輩的年輕孩子進入到另一境地的清新花園，讓人自由探索其中無常的傷感與美妙；時常，在聆聽那些青春雋永的曲調後，我們心中的鬱悶情懷總是有增無減。

〈I Didn't See It Coming〉是《Write About Love》內我最先領聽到曲目，正好也是專輯內的揭幕曲，這首歌也使我對這張專輯有很深的期盼。〈I Didn't See It Coming〉聽來相當的Chamber-Pop，無論是鋼琴、吉他、貝斯都恰如其分的在各個位置上，編曲上聽來十分精妙，團員Sarah Martin的歌聲是整首歌的主軸，曲末由主唱Stuart Murdoch加入合聲，當他最後反覆唱著歌詞：＂Make me dance, I want to surrender .＂身體也不由自主的想跟著旋律一起律動；暫時忘卻一切，就這樣跳舞吧，直到什麼結束為止。

〈I Want The World To Stop〉的曲調著實的雀躍動人，貝斯的韻律不管在曲頭、間奏都表現的搶耳，電吉他單音精巧的穿插其中，曲末由鍵盤的疊奏來畫下句點；Stuart Murdoch祈求著時間能在什麼都講求速度的摩登生活中稍稍暫停下來，使人體會或思考一些從未注意過的景象以及小事。讓世界停止運作何其難，但從自己的生活型態開始著手改變，則永遠都不嫌晚。

《Write About Love》不同以往的還找來女唱作人Norah Jones和以《An Education》竄紅的影星Carey Mulligan來輪番獻唱。與Norah Jones合作的〈Little Lou, Ugly Jack, Prophet John〉聽來十分的不Belle & Sebastian，倒有點像是Norah Jones的作曲找Stuart Murdoch來助陣，一首緩慢無壓的男女對唱情歌，歌詞雖然描繪簡單的景象，但寂寥落寞卻是滿溢四處。

同名曲〈Write About Love〉有點讓我想起The Mamas & the Papas的曲調加上The Doors復古的鍵盤聲響。Carey Mulligan在當中唱著：「我討厭我的工作，我已經精疲力盡，一整天都被困在辦公室；中午一點時，我帶著午餐上到屋頂，城市的景象在我眼前延展開來，我書寫關於一個男人的事，他相當富知性，身材相當好，但他也都明白這些。」這段歌詞如同〈Step Into My Office, Baby〉，描寫著女性在職場的苦悶情緒和遭遇，Belle & Sebastian總擅長描寫平凡如你我的情愛小事。

關於愛，愛到底是什麼？或許正如〈Read the Blessed Pages〉所唱，愛就如同小說，在你閱讀到令人驚奇的一頁，你就會深深感受的到。而在〈I Can See Your Future〉中所聽到的是小號與弦樂悠揚的迴盪在內，Sarah Martin唱著美好的旋律，相當好聽的一首Chamber-Pop曲子。

整體聽來，《Write About Love》的表現與以往的Belle & Sebastian還是有所差異，歌曲的品質也良莠不齊，雖說不少曲目還是一貫的好聽、編曲十分用心，但感覺還是少了些什麼，可能就缺少了那麼一點以往單純美好的味道。

「妳望著窗外的遠方，關於愛情，妳突然想寫些什麼，筆輕拿在手中，關於他，關於她，關於你們，關於他們。於是妳並沒有下筆，就只是如此望著遠方，很遠的遠方，愛情藏在那處的無名遠方。」

Deerhunter - Halcyon Digest

2010-09-30T20:59:00.000-07:00

兩年前的某些日子一直陷在〈Agoraphobia〉這首歌上，每天至少要聽五遍以上才會感到滿足，彷彿心裡有個諾大的空缺，要用這首歌的聲音才能去填補，這麼說來或許有點過於自我沉溺，但〈Agoraphobia〉不光只有很好的旋律性，而是整首歌所含有一種飄忽恍然的特質，其中的環境聲效與旋律都磨合為極好的狀態，當然這都要歸功於吉他手Lockett Pundt的譜曲，還有他低沉焦糊的嗓音，這也是我後來對他個人專輯《The Floodlight Collective》特別喜愛的緣故，然而，這樣的特質似乎也延續到了新專輯《Halcyon Digest》上。

Deerhunter早期把玩著新迷幻實驗曲風，後來才開始將流行的曲調填寫到他們的音樂肌理中，而《Halcyon Digest》便是此新迷幻流行曲調的成熟之作。整張專輯的曲調都維持著很好的一致性，每一首歌的接續都像是本為一體，沒有一首是在調性的隊伍上脫序。

開場的〈Earthquake〉相當的深沉不見底，運用適量的環境聲效，緩慢壯闊著空間感，低音藏伏像海潮，一首頗為曼妙的序曲。聽著〈Don't Cry〉很直覺的就想起The Cure 的〈Boys Don't Cry〉，並不是曲調上的相似，而是屬於同樣一種對他人遭遇的關懷，哭並不是壞事，最重要的還是不能失去勇氣。

〈Revival〉和〈Memory Boy〉的旋律肯定能吸引不少人的耳朵，些許愉悅的節拍，具象了待在黑暗中的自由和寂靜，主唱Bradford Cox高大細瘦的身影似乎就蹲站在角落那，唱著他難以細數的回憶。

由Lockett Pundt譜曲獻唱的〈Desire Lines〉可以說是《Halcyon Digest》的重點歌曲，也是專輯裡我最喜愛的一首，後段的電吉他Riff如同在音階上下樓梯，在規律的鼓擊上滑順著模糊的單音，最後在漸慢的淡出，相當精妙的編曲。歌詞中所描寫的青年徬徨，如同欲望無限延綿的線，纏繞著腦中的思緒。

〈Basement Scene〉的開頭有點相似老歌的調子，而我想這首歌是關於陷在回憶裡的事，有些場景是你一輩子無法忘懷的，那邊有許多你的好友，大家還是在一起玩樂嘻鬧，有時候你會沉浸在過去那段美好的時光，不想醒從這美夢中醒來，當一個拒絕長大的孩子。

〈Helicopter〉的氛圍使人感覺像是沉入到氣泡水裡，這首歌據說是Bradford Cox受到一個俄國年輕人之死的啟發，歌詞全然是關於孤獨以及厭世的情緒。〈Fountain Stairs〉同樣出自Lockett Pundt之手，那種飄忽恍然的特質又再度回來，含有情緒起伏的吉他刷奏，一直在耳旁繚繞不絕，彷彿給了我們一種可以像陀螺般旋轉的可能。

〈Coronado〉裡會加入薩克斯風編奏則是因為受The Rolling Stones的《Exile On Main Street》所啟發，Bradford Cox覺得搖滾樂裡有薩克斯風是相當酷的事，這對Deerhunter來說也是滿新鮮的嘗試。〈He Would Have Laughed〉是Bradford Cox獻給今年逝世的唱作人Jay Reatard的致敬曲，編曲上與〈Helicopter〉有異曲同工之妙，聽來異常的寂寥落寞。

《Halcyon Digest》或許是Deerhunter最平滑順耳的一張專輯，你可以很輕鬆的聽上好幾遍，然後找到些易唱悅耳的旋律，哼唱一輪。可能，待在那樣的音樂裡面，我們都是沉溺於寂寞的個體。

信 #5

2010-09-24T19:37:00.000-07:00

那些字在腦中溢散開來，但我無法確切描述每一個字的形體，因為字的數量實在過於繁多雜亂，字與字之間的關係也呈現疏離的狀態，像是一群陌生人彼此互不瞧看對方，彼此沒有所謂的交集，以至於無法組成正常人可以理解的詞彙。

走在台北的街上，我由腦中的影像區塊讀著那些無法解讀的詞彙，試著從中領悟到有什麼屬於自身的涵義，卻怎麼也無法理解；或許詞彙的整體就只存在著空的概念，也可能字的組合方式早已超越了自我知識的範疇之外。

詞彙內部包含著一些反抗的因子，它抗拒被我的認知給探入解析，此時，我感覺從小到大的所被教導的字詞解釋全失去了作用；那些新的詞彙，完全超越了傳統教育所能給予的；無法解讀，一切都像是失了焦的模糊。

站在此處，我感到無窮盡的茫然，想躲回到過往的時光庇護裡，還能誇張的笑、誇張的奔跑、誇張的做每一件事，被人厭惡與喜歡。

年紀小的時候急著長大證明自己的能耐，年紀漸大後卻想停留在小時候的狀態，不再想知道關於大人世界那方的事情，關於那些所謂的現實、責任等。你會說我沒有面對未來的勇氣與擔當，我只能說，當小時候的你看見長大後的你，他或許會有點失落，畢竟那可能不會是他想像中未來的自己。

每個人都不會是自己的重複，即使在下一秒，腦中某個微小的觀念一變，你就會被導向另一處全然不同的地方。你不再會是你自己，但你還是頂著自己的名子與和他人的關係活下去，能確認自己還是自己的方式，只剩下留存的記憶；記憶的軌跡就如同自身改變的痕跡，那痕跡就像是遭受震擊的牆上裂縫，一跳細小歪曲的黑線，刻畫著生命的脈絡。

看著自身的改變，才發現，自己無法掌握絕對的好與壞，無法判別那條界線在那，命運的不確定性終究牽引著身子，但我還是想從現實的規範中逃出，不甘於受困於那些一直加諸在身上的枷鎖，於是我們又會談論到「理想」，這個易於出口卻又無比艱辛的字詞。

心中總是會有一處，想去卻又永遠到不了的地方。理想便是以這樣的形式存在，它是永恆的斷裂口，使人掉入想像的美好卻又上演悲劇的結局。我走進世界這個龐大的隧道，用盡全身所有的力氣，期望看見出口的光芒，走著、跑著，趁著還有力氣之前，離開那個關於悲劇的想像。

World's End Girlfriend – Seven Idiots

2010-09-18T22:17:00.000-07:00

World's End Girlfriend主腦Katsuhiko Maeda於今年七月創立了新的音樂廠牌Virgin Babylon Records，而他們的新作《Seven Idiots》也初次在這新廠牌下發行。

不同於以往的創作方式，《Seven Idiots》整張專輯的編曲形式相當特別，Katsuhiko Maeda先以流行樂Verse-Chorus-Bridge的編曲模式完成每一首歌，再將人聲從中去除，摧毀、重建歌曲的結構，以樂器的聲響填補人聲的空缺；聽似有點混亂，令人摸不著頭緒，但以此方法重新把玩流行音樂的結構，確實富帶挑戰及實驗性，聽得出他們欲想跳脫出自己過往的窠臼。

開場曲〈The Divine Comedy Reverse〉磅礡的弦樂橋段，其實就是單曲〈Les Enfants du Paradis〉當中的一段樂句之一；初次聽到〈Les Enfants du Paradis〉時著實的有被裡頭的拼貼玩法給驚豔到，他們不再用後搖滾似的鋪陳方式來創作，轉而將歌曲整體的節奏編的緊湊；聽的過程中，你可能會直覺預測到下一段旋律會是什麼，但下一段旋律絕對不會是你所預期的那般，這種對歌曲旋律預測的直覺就像是聽了大量制式流行歌曲所訓練出來的反應，而World's End Girlfriend完全把每個人對流行樂的此種想像拆解掉，但並不是胡亂拼湊，聽起來還額外富有律動的生命力，如同MV中的女孩能跟著歌曲的各種節奏聲響下意識的跳出自己的舞步，這般毀滅與美麗。

〈TEEN AGE ZIGGY〉和〈DECALOGUE minus 8〉的聲音拼貼實在是怪奇有趣，電吉他的刷奏搭上厚重的電子鼓，以及一些天外飛來的聲響，就好像在待在遊樂場內聽著每一台大型電玩發出各自的聲效，陷入一種繽紛世界的混亂，在上千種聲音所構築起來的迷宮中遊蕩嘻玩。

格外迷人的還有〈ULYSSES GAZER〉，這首歌讓人知道World's End Girlfriend也能出乎意料的搖滾，起先是電吉他與低傳真鼓擊的搭配再加入激昂的小提琴旋律，一小段失序、跳針後，又跳接到另一個部分，最後則是意外的畫上句點。

看到〈Helter Skelter Cha-Cha-Cha〉的歌名，很直覺的就會讓人聯想到是否與The Beatles的〈Helter Skelter〉有所關連，或許是由〈Helter Skelter〉擷取某些元素再重新編湊而成，在金屬tone調的吉他刷奏與Bass Line上可能會找到些線索。

〈Bohemian Purgatory〉分為三部曲，這三部曲中加入了不少鋼琴與薩克斯風的橋段，聽來時而靜謐、時而扭曲，弦樂與貝斯的韻律搭合起來異常的美妙，使得聆聽者在爵士、古典、電子三種樂風中不斷交替徘徊。

當中最焦慮的曲子莫過於是〈The Offering Inferno〉，它傳達了地獄般的情境，扭曲的電子聲效糾結成壯大的噪音，像是每天成千上萬的電子訊號在網路上奔竄；如果將人類每天所接受到的電子訊息，集結濃縮後再撥放出來，大概就聽起來像這樣吧。

最後的〈Unfinished Finale Shed〉又回歸到World's End Girlfriend過往所帶給我們的感覺，恬靜、舒適，如同躺在葉舟上順著河水流下，緩慢遠離焦躁紛雜的聲音破塊，歸向自然的無名之地。

流行音樂在被實驗性的拆解、重組過後是否仍留有流行音樂的本質，《Seven Idiots》將這個問題拋出來，本身也是這個問題的答案，正如他們所說：＂It's an irregular pop album＂，在那種不規則中，我們聽到的是Katsuhiko Maeda對音樂空間幻夢似的想像力。而這次，World's End Girlfriend必然是創造出了另一種跳脫流行音樂的流行樂。

電影狂

2010-09-11T07:34:00.000-07:00

他將視線探入鏡頭的另一端

偏執的

陷進現實外的另一窺探方式，來

自拔不可

笨拙的將影像捕捉起

沒有倦意的

看著膠卷，順向進轉

直至光影噬入黑暗

那，秒鐘內反複映出的虛實

進而是

一種無以名狀的自我狂熱

亦或是源自本性根源的關懷之眼

漸然，美感持有了他的想像

藝術之心盤據於靈魂深柢

突如靈感的乍現

也仿若預言著失去

在他的鏡頭前，在他的生活前

孩子和她離去

帶走他的心竅出走鏡頭框外

眼前的鏡圈

對著自己的疲倦面頰

輕聲口語過往回憶的一段

這時

我們所能想像的攝影

不過是

攝取自我諒解的一道陰影

James - The Night Before / The Morning After

2010-09-10T00:39:00.000-07:00

這一年已經過了大半，心裡不時會想著今年有些什麼必須一聽的英搖專輯，在苦思許久後還是想到了James的這兩張迷你專輯《The Night Before》以及《The Morning After》。自他們在07年重組後，08年所發行的《Hey Ma》也是我當年最喜歡的英搖作品。他們的旋律性似乎存在著某種特殊的魅力能使耐聽的保存期限延長，始終不會被大量的音樂資訊洪流給埋沒掉。

令人驚訝的是在過了二十八個年頭，James主唱Tim Booth仍保留著近乎完好的嗓音，不失早年的演唱水準，任何聲調的高低起伏都難不倒他，甚至能將歌曲中所帶有的能量完整的詮釋出來，彷彿他天生就註定是一位在舞台上發光發熱的傑出歌者。

起先發行的《The Night Before》帶給我的感覺就像是《Hey Ma》的延伸作品，有些旋律甚至有相互契合的錯覺，整體的節奏偏中至快，曲調激昂而闊然，情感上的起伏俐落有致，雖然只有七首歌，但聽起來就是一氣呵成，每一首歌都緊密的連接在一起，絲毫沒有鬆散感，當中的最後三首歌是我比較偏愛的曲目。

〈Shine〉如其名的擁有一種閃耀的能量，尤其歌詞最後唱到：” When you're gone your songs outlive your story”，當離開人世後你的歌曲仍舊能夠和你的故事在世間被流傳，正如我們所熟悉的那些早逝創作者，即使這道生命之光被死神熄滅，你的優異作品並不會因此失去光芒；榮耀終就逝去，回憶卻是永遠留存。

〈Hero〉以小號開場，到了副歌的部分Tim Booth以非常有力嗓音來表達他想說的話，給人相當為之一振的精神。歌名雖取作Hero但實際上卻反諷著英雄外表下的破敗；有惡棍才會有英雄，反之亦然，是不是有英雄的出現才使得無罪的人看起來像是惡棍，我想這是很有趣的思考。

《The Morning After》不同於《The Night Before》那般昂首激情，轉而變得沉靜許多，更添加了些故事性，讓人想起《Laid》時期的作品那般使人沉思的穩重。〈Got The Shakes〉是在講述一名酒醉男子打了他的老婆，酒醒後才意識到自己犯了錯，並乞求原諒；曲子聽來有點Brain Eno式的氛圍化，Tim Booth的呼喊像是進入男子腦中看見他掙扎的思緒不停流轉。

〈Dust Motes〉貫串著鋼琴彈奏與吉他滑弦的細膩，在曲子中段加入鼓聲後旋律變得苦澀，在破裂的關係中，自我原諒對方所帶來的傷害，但又不想那麼乾脆的就此放手，再平靜的心情似乎也無法掩蓋傷痛的存在。

〈Tell Her I Said So〉是關於Tim Booth對母親在家中逝世的感覺，淡愁旋律的景象有點灰冷落寞。開頭的Bass Line韻律實在像極了Slowdive版本的〈Some Velvet Morning〉。整首曲子以電子節奏為底蘊，在後段部分他們請來些孩子合唱著："here's to a long life"，面對至親的逝世，更加尊重於自己生命成為他必然的思考。

〈Kaleidoscope〉又是另一則浮世繪，男子懷疑著老婆是否有外遇，害怕即將破裂得婚姻，有次，他偷聽著她對著電話私語的內容，彷彿有什麼不可告人的秘密，事實上是醫生正告訴她老婆她得了癌症，只剩下幾個星期可活，命運的無情襲來終究無法抵擋。

〈Rabbit Hole〉中的滑弦吉他聽來實在美妙，當愛麗絲掉進兔子洞時，現實開始與自己脫離，想像力進入五光十色的紛雜，輕盈的曲調如同夢境前的序曲，一首舒適自然的搖籃曲。

聽著〈Make For This City〉，我們希冀能生活在一個更加美好的城市，但現實總是事與願違，能做些什麼來改變，而不只是光想著逃離這裡，或許我們都有些責任，即使更多的厭惡也無法改變這一切；那裡是曼徹斯特，這裡是我們的城市，景象不盡相同，但不變的依舊是人民的力量。　　　

〈Lookaway〉是專輯中旋律性最棒的一首歌，小提琴聲悠揚迴盪著整首曲子，以反覆的副歌作結，使得整首歌的旋律聽來永無止境。最後的〈Fear〉又回歸到了Brain Eno式的氛圍曲調，Tim Booth的嗓音環繞在曲子的立體空間內，然後替《The Morning After》畫下完美的淺灰色句號。

夜晚來臨前，黎明破曉後；兩張專輯看似連貫的主題，卻表現出James橫跨過往至現今的音樂風貌，相信讓新舊樂迷都能大飽耳福。

二十八年中，James經過了曼徹斯特音樂的黃金時期，從Madcester到Brit-Pop再到他們自己，James就像是那些我們早已看不到的音樂場景的活歷史，希望他們能夠走向自己的第三個十年，屆時，也期望能有機會去參加他們三十週年的演出。

Song For a Blue Guitar

2010-09-04T21:34:00.000-07:00

這幾天不斷的聽著Red House Painters的《Songs For a Blue Guitar》，尤其是專輯中的同名歌曲〈Song For a Blue Guitar〉總是讓我特別著迷。第一次看到專輯名稱時就覺得取得實在太好了；「寫給藍色吉他的一首歌」光看這名稱某些旋律就會在腦中某處開始回響起來，彷彿自己在很久以前就喜愛過這首使人感傷的曲子。

想起自己曾經彈過一把深藍色的木吉他，它的琴身比一般大小的木吉他還小一點，對我的手掌來說是小了些，雖然按和絃時手指彼此會緊靠在一起，不過卻很好掌握弦與弦之間的距離。但按弦不到幾分鐘，極細的鋼弦輕易的就會在指頭上留下透紅色的壓痕，在弦與琴箱產生共鳴的同時，手指也必須不斷承受著微小的痛楚；在我們習以為常的美好旋律背後，往往是由這些微小的痛楚所累加而成，這對長期在台上演出的樂手來說更是屢見不鮮，這也是為什麼我如此敬佩他們的原因。

那天早上，待在教室內，黯然的心情使我沒辦法專心上課，索性就離開教室，帶著這把藍色的吉他自以為是的出走。面對自己的無處可逃，我只是走到華山園區某個小丘上的草坪上坐著，也沒有如同電影劇情般走到天涯海角如此瀟灑。望著灰雲層疊的天空、歪斜的高聳建築物，周遭很空很安靜，偶爾才能聽得到市名大道與高架橋上不斷呼囂而過的引擎聲。

在這，拿起吉他就開始彈著；就只是彈著，沒有特別是哪首歌。她離開了你，你不知道該怎麼辦，你不知道怎麼才能把那莫名的傷感情緒蒸發掉，於是你只能呆坐在著彈著你的藍色吉他。心情就像是以E和絃為開頭的曲調，開始掉入無底洞深的憂鬱，你知道第一個音是什麼，卻不知道該在哪裡結束，只能讓E和絃無窮無盡的繼續下去。有隻小狗突如的跑到我腳邊，它的主人說它可能是想聽我彈吉他，我只是面帶微笑著卻甚麼也沒說，現在想起來，或許它當時真能懂我的心情。　

後來，第三根琴弦斷了，我沒再把它拿去修。直到妳出現，我們才把它帶去樂器行補好那一根弦，也修補好心裡長久缺少的那部分，我又能用它繼續彈著其他不合時宜的歌曲給妳聽，一起唱著我們喜愛的曲子。看著那把吉他上的藍色色澤，你會深深的被吸引至它色彩的深度裡，就像觀察著海洋與天際亙久不變的藍色變化，時間跨越過時間，色彩跨越過色彩，悲傷與歡樂在顏色中共生共存，但終究不屬於彼此。

如果誰曾經離開了你，讀著〈Song For a Blue Guitar〉的歌詞總會把你又帶入進當下傷感的情緒裡，有些人老是會說：「過去就讓它過去吧。」，但我還是不介意的面對過去；過去的種種悲傷，往往給予了自己某種成長的力量。

Red House Painters - Song For A Blue Guitar

When everything we felt failed
And some music soft in distant sails

But it don't sound like it did before

Then I know I'm left with nothing more

Than my own soul

When pretty pictures face back

But your coats aren't hanging on the rack

And blue water turns to

A place that I can't get to

A place that I can't

In a room all I feel

Is the cold that you left

Through the air all I see

Is your face full of blame

What's left to see

What's there to see

In the room all I feel

Is the cold that you left

Through the air all I see

Is your face full of blame

What's left to see

What's there to see

What's left to see

Enjoy The Silence

2010-08-28T21:05:00.000-07:00

有人在黑暗中說話，我卻只聽見自己的聲音，就好像那裡有人，但那個人就是我自己。黑暗使得寂靜圍繞著全身，就像包覆在身體上的一層薄膜，無法藉由外力而剝落，如同無形的保護罩，保護著我不被自己的話語所攻擊，因此，在黑暗的錯覺中，我才誤以為自己的聲音是由其他人所發出，以假象拒絕存在的事實。他曾說過：「聽見自己說過的話總是覺得殘酷，即使你認為那不是你會說出口的傷人字句，但依舊還是說出口了。」

面對自己的不完美，我在每一項缺陷中感到自由，我在殘破的言語中感到被情緒所拉扯。在這扭曲的瘋狂之中，無意的傷害一連串被產生、複製，形成一個惡質的團狀物體，在兩者的交談之中被無限傳遞。只要有一方開始使用嚴厲的字詞，另一方就得決定反駁還是防守，彼此互相爭辯，直到其中一方舉起屈饒的白旗，將高亢的聲調轉為沉默。

看著爭吵的戀人們，他們彼此持續陷入沒有句號的言語漩渦，不停繞著同一個圓心打轉，說話的聲音不再單純是說話的聲音，而是轉變為一種不斷壯大的混沌。沒有意義的情緒字眼一個個夾雜著驚嘆號，在空氣中被打散、重組、質變，最後，彼此也忘了自己曾經說過些什麼，甚至當作這些話沒有由自己的口中說出。

偶爾，為何不與對方享受全然的寂靜，還是我們都不擅於面對無話可說的尷尬，害怕這種尷尬會在彼此的關係上留下一道兩天即復原的微小割痕。拋除言語失控的可能，尷尬這種情況越顯得無害，更重要的是超越言語的感受，彼此心裡相互通與的微妙感覺。

那種感覺，似乎只要牽著手，把妳抱在懷裡就能感覺的到。完美的文字、完美的言語霎時變得不再重要，這兩者善於欺騙以致蒙蔽過真實的感受。或許該讓一切享受在寂靜之中，即使是在最深的黑暗，無聲依舊能使我們看的到彼此。

Sun Kil Moon - Admiral Fell Promises

2010-08-19T19:54:00.000-07:00

＂If you're a poet, then you're living, noticing, listening, picking things up.

And inspiration never turns up in obvious places＂— Mark Kozelek

幾個星期前，我在埔里山中的一間民宿過夜。早晨，我帶上耳機聽著《Admiral Fell Promises》這張專輯，走出房門，週遭的林蔭使得空氣極為清新，朝陽的光線由葉與枝的縫細穿透過來，金色透明的光束照在未乾的濕軟泥土上，彷彿能喚起土地上的什麼。邊聽著Mark Kozelek彈著Silverton的尼龍弦吉他，腦袋也被清脆的弦音一陣陣輕巧的彈起、清醒；自然及音樂，這兩件世界上最美好的事同時與之，心靈頓時獲得滿足；那些在城市中所聽不到的聲音，現在卻如此清晰的在耳朵繚繞不絕。

《Admiral Fell Promises》不同於Sun Kil Moon以往的專輯，Mark Kozelek純粹只用一把尼龍弦吉他來進行創作，而將鼓聲、低音吉他、電吉他都置放於遠方。不知是否因歲數不斷增加，他只想孤單一個人，玩著自己的吉他，唱著自己的歌，自由的在音樂裡探索他尚未到過的領域。

Mark Kozelek從小就對古典吉他有著濃厚的興趣，不過這個興趣並沒有持續下去，一直到近幾年，他才將西班牙古典吉他大師Andrés Segovia的作品拿出來聆聽，並決定以此為藍圖來創作《Admiral Fell Promises》整張專輯，於是你在當中便可以聽到許多古典吉他的聲蹤。當中，他以古典吉他為音樂的基底，再加上他對民謠創作的認知，創造出一種以古典技巧輔民謠曲調的編曲方式。

或許與先前的專輯相比，《Admiral Fell Promises》聽來有點平淡恬雅，但好聽處就在於他吉他撥弦中清脆流暢的細膩，再加上他本身唱腔的獨特性，使得歌曲完全不流於單調沉悶，反而更能將音樂內的愁思完整的表現出來；在技巧與情感上的表達都能取得一定的平衡點，並沒有多餘的偏向哪一方。

專輯內最美的曲調莫過於是〈You Are My Sun〉，副歌與後段獨奏的部分尤其美妙。如果愛一個人，你會渴望能增加自己的熱度，希冀自己能給予他人力量，支撐彼此走過人生每一個艱難的時刻。想起Mark Kozelek曾說過，假使不玩音樂，他可能會去當心理治療師，畢竟他喜歡聽朋友講述煩惱，替他們想出解決的辦法。

當然，聽完《Admiral Fell Promises》後，我也覺得自己被音樂所治療，原本煩躁的心情緩緩歸為平靜。

Arcade Fire – The Suburbs

2010-08-13T00:39:00.000-07:00

無論未來的你到達何處，你總是會想念起自己出生的土地。在那，不管經歷了多少幸與不幸，都是每個人回憶的根源，所有記憶都由此開始延伸至當下；根源，即使遺忘卻不可抹滅，就算腦中所殘留的影像已經模糊不清，用盡所有的追憶方式卻怎麼也找不著那塊遺落的影像拼圖，但那始終是一個人最深層的回憶歸宿。

《The Suburbs》這張專輯的概念就是以這樣的「根源」為起點。某天，主唱Win Butler收到老友所寄來的電子郵件，郵件內附著一張老友與女兒的照片，拍攝地點恰好是Win曾生活過的地方，這使他開始回想起自己在Houston城郊的兒時生活，以此回憶勾勒出整張專輯的構想。Win在去年夏天也開車回到了Houston，想在兒時回憶消失前重新連接對Houston的印象，並將此鄉愁的思緒寫成曲子放入專輯內，以音樂保留可能消逝的記憶。

不過《The Suburbs》並不是一再重複的強調鄉愁，而是以此面向為延伸來觀察文化現象、社會變遷、個人情感等各個層面，每一首歌的歌詞都隱約有著關聯，字句內最常出現的關鍵字不外乎是＂Suburb＂、＂Downtown＂等，這也體現出《The Suburbs》在歌詞創作的概念性 — 市郊與城市之間的關聯。

〈The Suburbs〉歌詞寫道：

＂In the suburbs I

I learned to drive

And you told me we'd never survive

Grab your mother's keys we're leavin＂

他與朋友偷開著家裡的車，在此地學會了如何駕駛，這也呼應到專輯為何以「車」作為封面。「開車」也象徵著一個人有了離開的能力，只要他願意隨時可以就此離去。接續到下一首〈Ready To Start〉，他彷彿在此地受到情感的傷害，欲想逃離，於是他準備啟程離去。〈Ready To Start〉保留了他們早期歌曲所存在的能量式情感，也讓我想起〈No Cars Go〉裡的那種力量，不過顯然少了不少弦樂的配置，純然以吉他Riff與厚重的BassLine爽朗有力的貫串全曲，。　

離開城郊進入到市中生活後，你逐漸成為了一個〈Modern Man〉。開始面對現實，看著夜晚無盡的繁華，坐在辦公室內做著與他人無異的事，煩悶時就算著領薪水的日子準備排隊購買電子產品；路上，身旁走過無數的Modern Man，別人也把你當成是不折不扣Modern Man。

＂In line for a number but you don't understand

Like a modern man＂

每個Modern Man身後有個無形的號碼，就像待售產品等待售出，亦即死亡。

＂I erase the number of the modern man

Want to break the mirror of the modern man＂

於是你想擦拭掉身後的號碼，打碎鏡子裡那個虛假的自己。

〈Rococo〉是法國十八世紀的宮廷藝術，象徵著浮華不實，而這首歌或許在說：有些市中的年輕人使用著他們不了解的文化，在沒有了解背後的意涵下就加以濫用，就像不斷唱著Rococo….如此不知所云。

＂They seem wild but they are so tame

They're moving towards you with their colors all the same

They want to own you but they don't know what game they're playing＂

為了叛逆而叛逆的他們看似放蕩不羈卻依然溫馴。

〈Empty Room〉以快速的小提琴弦奏開場，扭曲的電吉他效果在背後建立起音牆，聽來頗有向Shoegaze取經之感，但又不是那麼純正到味，不過仍保有Arcade Fire原本的味道。Régine Chassagne在曲末唱著一段法文詞，大致意思是：「我一生都與你同在。」也是專輯內相當動人的片段。

在〈City With No Children〉中，他夢見他回到了家鄉，這裡變成了一個沒有孩子居住的城鎮，只瞧見了一間花園早已毀壞的豪宅；我們忙碌工作，遺忘了對孩子的關心，甚至不想再生小孩只想獨善其身，我想起電影《Children of Men》，當我們不再聽到孩子的哭聲時，這世界將會變成什麼樣子。失去希望？殘破不堪？還是更加糟糕。

〈Half Light I〉與〈Half Light II〉的場景同樣都是黃昏時刻；〈Half Light I〉中的我們還是孩子，在黃昏淺陽下的街道上奔跑，那刻，一切畫面如同靜止般如此美好；到了〈Half Light II〉我們已經長大，離開城鎮，又帶著身上數不清的糾雜回到了這裡，黃昏依舊不變，但改變的卻是一切人事物。〈Half Light II〉聽來與U2的〈With or Without You〉有點相似，不知是否以此為範本，這首歌也暗藏著電氣化的節拍與聲效，在音樂上算是他們很新穎的嘗試。

〈Suburban War〉很多是對於老友的思念，仔細端看歌詞內容，有著與第一首〈The Suburbs〉相互對應的詞句，例如：＂In the suburbs I, I learned to drive＂這段。

其中：

＂We never saw you again

Now the cities we live in

Could be distant stars

And I search for you

In every passing car＂

他離開城鎮後就再也沒有見過他的朋友，想起從前曾一起偷開過的車，在每輛經過的車前尋找老友的身影。

Win Butler最後唱道：＂All my old friends, they don't know me now，All my old friends, are staring through me now＂也是全曲最悲痛的部分。當你的老友不再記得你，這莫過於是人生最悲傷的事。　

〈Wasted Hours〉歌詞寫道：

＂Some cities make you lose your head

Endless suburbs stretched out thin and dead

And what was that line you said

Wishing you were anywhere but here

You watch the life you're living disappear

And now I see

We're still kids in buses longing to be free＂

無數的城鎮將人們分化到無數不通的區塊，有些城市讓你失去心智，生活壓力讓你喘不過氣，我們就像坐在公車去上學的孩子們一樣渴望自由。

〈Deep Blue〉指的是IBM的深藍電腦。1996年，世界棋王Kasparov在與深藍電腦的對決中取得勝利，但卻在隔年輸了升級過後的深藍電腦，我想這首歌是關於當人工智慧開始超越人腦後，所帶來的影響會是什麼，雖已經有無數的小說、電影探討這樣的影響，但放在Aracde Fire沉痛的音樂中，警世的味道聽來更加濃厚。

歌詞寫道：

＂Hey

Put the cellphone down for a while

In the night there is something wild

Can you hear it breathing?

And hey

Put the laptop down for a while

In the night there is something wild

I feel it, it's leaving me＂

我們應該放下手機，聆聽野外的聲音；放下筆記型電腦，感受野外的寬廣與萬物的氣息，或許再過不久這些感覺都將離我們而去。

〈We Used To Wait〉是在講述Win高中時曾與一個女孩通信戀愛，每一張信都由自己親筆寫下，簽上自己的名子，然後投進郵筒寄出。等待回信的過程往往像是漫長的旅程，每天都期待著能看到對方親筆寫下的字跡，這是種無可取代的真實。不過電子郵件的發明逐漸取代這種焦急等待的心情，從此，我們再也不需要等待，也體會不到那種字跡存在的真實感。

〈Sprawl I (Flatland)〉或許是專輯內最黯淡的曲子。無家可歸的孩子們在黑暗中才能找到安逸感，讀著歌詞不經讓人鼻酸。

＂Cops showing their lights

On the reflectors of our bikes

Said, do you kids know what time it is?

Well sir, it's the first time I've felt like something is mine

Like I have something to give

The last defender of the sprawl

Said, well where do you kids live?

Well sir, if you only knew

What the answer is worth

Been searching every corner

Of the earth＂

警察拿著手電筒照著我們的腳踏車說：「你們知道現在幾點了嗎？」，我說：「這是我第一次感覺到什麼是屬於我的，就像有什麼是我可以給予的。」；警察又問：「那你們這些小孩住在哪裡？」，我說：「嗯…如果你想知道的話，找找看地球的每一個角落吧。」。〈Sprawl I〉是以男性觀點來寫，而〈Sprawl II〉則是以女性觀點來寫：

＂We rode our bikes to the nearest park

Sat under the swings and kissed in the dark

We shield our eyes from the police lights

We run away, but we don't know why＂

〈Sprawl II〉聽來相當的New Wave，而Régine的歌聲頓時就像Blonde的Debbie Harry顯得嬌細。我很喜歡Régine的聲音，因為她唱起歌來始終有種獨特的腔調，相當迷人。

最後的〈The Suburbs (Continued)〉呼應著開頭，歌詞寫著：「如果能夠回到過去，所有我們所浪費掉的時光，我仍然會將它浪費掉，一次又一次的浪費掉。」我想，對於回憶如果還能從來一次，我還是會選擇浪費在那些美好的時刻上，哪怕只是望著窗外發呆、喝了一下午的咖啡、在街上無所事事，浪費掉的依舊美好。

對我來說，〈The Suburbs〉在音樂性上始終無法超越〈Funeral〉能帶給我的感覺，但在概念性上〈The Suburbs〉的確做的很好，它讓我想起一些很少再想起的兒時回憶、以前的舊家、一些還不懂世事的孩子，長大後過了台北橋到台北市讀書，遇到一些很酷的朋友，聽了搖滾樂，直到現在自己的樣子，一切的改變都是如此迅速的從面前眨眼而過。

Massive Attack at Nangang Exhibition Hall

2010-07-30T01:39:00.000-07:00

Photo by billielolasorcha

觀看Massive Attack的現場演出真的是非常難得的體驗，原先還對表演場地有所疑慮，但在聽暖場的Martina Topley-Bird演出時，這樣的疑慮就先少了一半，接著到Massive Attack出場後，所有的疑慮也就跟著煙消雲散，心想：「這聲音實在太棒了!」，即使站在C區的位置，聲音依舊能夠聽的十分清晰，完全沒有受到回音或其他干擾的影響。

Martina Topley-Bird的嗓音相當出色，暖場表演時，她將自己的聲音預錄成各種節奏，再搭配上鋼琴的彈奏表演出每一首曲子，聽來淡雅舒適，不少曲子聽來也帶有Trip-Hop之感，最後一首歌時還拿出電吉他彈奏，相當酷的一位女歌手。Martina Topley-Bird同時也是Massive Attack的客座歌手之一，在他們新專輯《Heligoland》獻聲〈Babel〉和〈Psyche〉兩首曲目外還負責經典歌曲〈Teardrop〉的現場演出。

Massive Attack近來都是以〈United Snakes〉來作開場曲，然而這次也不例外。燈光一投射下來，舞台左右的兩套鼓馬上就展開攻勢，3D含糊的唸唱造就出一股氛圍化的磁場，重複不斷的鼓擊與電氣化聲響纏繞出一段又一段詭譎的波幅。唱到〈Girl I Love You〉時，雷鬼老爹Horace Andy終於站上舞台，他唱歌時總會隨著節奏舉起雙手搖擺著，恍惚著眾人的意識，而在演出我相當喜愛的〈Angel〉時，他嗓音的獨特性更是展露無疑，後段炸裂的電氣聲響與舞台燈光的搭配真的是一流的聲光享受。

不得不說，舞台後方的LED顯示表現出相當好的效果。唱到〈Safe from Harm〉時顯示出許多關於「自由」的名句。〈Safe from Harm〉本身的歌詞內容與自由也脫離不了關係，黑人女聲唱著　”You can free the world , you can free my mind , just as long as my baby's safe from harm tonight”當下，靈魂彷彿受到自由的感召，在昏幽的旋律與節奏下得到短暫的解放，我們想起弱勢者的自由以及人權，然後又想起自己對於自由做了些什麼，最後，我們反問著自己：「我自由嗎？」。

〈Inertia Creeps〉表演時所出現的字幕也涵蓋了政治意識，甚至很多是關於台灣時下所發生的事件，當字幕出現「立委控炒地皮，苗縣長劉政鴻否認」、「六輕火警　無傷亡，環保署：會轉彎」台下聽眾頓時歡聲雷動，還有不少對英國政府監控行為的控訴以及用數字比和新聞事件作反諷，這些字幕都看的出Massive Attack對各個國家正在發生的事有所關注，也提醒一些我們總是遺忘並且正在發生的事實。

《Blue Line》中的經典歌曲〈Unfinished Sympathy〉也是我相當期待的曲目之一，當黑人女聲唱到高音的頂點時，也是全場情緒到達最高昂的時候，這首歌從1991年到現在，依舊不減其蘊含的魅力。接近尾聲的〈Atlas Air〉更讓整場的氣氛到達黑暗的最深處，不急不緩的饒舌唸唱彷彿沒有止境的在耳根咬語。直到結尾，合成器聲響與節拍融成一團難以分解的異色物質在耳朵炸裂，現場的震撼力遠遠超越錄音室作品。

Massive Attack的演出或許是我近年來看過最棒的現場，有些表演可能看完即忘，但這場絕對是與眾不同的感受，它能帶給你一些改變自身的力量。他們的音樂始終擁有獨特的音樂性，以緩慢的調性打破各式樂風、種族間的藩籬，以黑暗的型式表述音樂最深沉的地帶。看完他們的演出後，我絲毫沒有以往看表演會產生的怠倦感，反而越來越著迷於他們音樂所帶來的魅力。

Guitar Bridge

2010-07-22T20:22:00.000-07:00

幾天前，從炎熱的外頭回到自己房間時，沒有預警的發現古典吉他的琴橋早已脫離琴身。原本為一體的兩者，如今的繫結只剩下六條尼龍弦，看的令人心情落寞不已。以往硬直的琴弦疲憊無力的同垂髮般，掉垂著，孤零的無法言說。

當下，起先是看傻了眼，後來才開始懷疑是不是人為造成的。問了家人，他們都說沒有動過我的吉他。我就像找不到線索的私家偵探有點亂了陣腳，甚至有點惱怒的無法理解吉他為何會變的如此。在冷靜思考過後，或許是琴身老舊加上琴弦緊拉的緣故導致而成。畢竟這把吉他是我爸大學時期所留存下來，從那時的民歌時代橫跨至今，期間至少經歷了三十年的歲月洗禮，直到近年我才將它從倉庫的灰塵堆中挖出，重新換上新弦。　　　　

這把古典吉他沒有廠牌、沒有多餘的刻記，很單純的就是一把吉他本身該有的模樣。它原木色的琴身讓人看的相當舒服，而琴孔上的那圈圖像則是一種很難用文字描繪的紋路。雖然是把古典吉他，但我從來沒把它拿來彈古典樂或是佛朗明哥，幾乎都把它當作一般的民謠吉他來彈。尼龍弦的音色相當輕柔，沒有像鋼弦彈出的那麼清脆明亮，用手指快速撥弦時能感受到一種行雲流水的清澈感，刷弦時雖然無法表現出一種外顯的激情，但和絃輕盈的共響卻相當能透入心裡。

從The Stone Roses的〈Made of Stone〉前奏彈到Pink Floyd〈Wish You Were Here〉，再從The Verve的〈On Your Own〉刷著弦到Neutral Milk Hotel的〈In the Aeroplane Over the Sea〉，幾乎喜歡的歌都會試著彈看看。即使以前學過的樂理到現在全遺忘掉，只要還記得和絃的按法就可以繼續玩下去。龐克說，三個和絃就能完成一首歌，確實是如此，我偶爾也會利用和絃的重組來寫一些曲子。始終不覺得寫歌是特有人士的權利，而是每一個人都能做到的。拋除那些是否有藝術家特質的自我懷疑與公式化的框架，創作的開端終究是需要一種創造的勇氣。

每天，總有那麼一個時刻我會拿起它來彈奏，在無形之中就養成這樣的習慣。不一定是彈一首歌、一段旋律，只是以一種類似寫作的抒發方式來彈奏，慢慢讓雜亂的心情回復到穩定的狀態。或許有點過於自我沉溺，但我們不都需要自我滿足才能繼續在這個世界上擁有存在感。在房間內，自己是自己的表演者，自己是自己的觀眾，身分的重疊，重疊出一個真實存在的依據。

它可能會被拿去修好，但修好後也不會再是同一個它。一旦你習慣了同樣的觸感，只要有些微小的變動，整體的感覺也會全然不同。或許讓它維持在這樣的狀態是最好，經歷了三十年的時間，也該讓它疲倦的身軀好好沉息在此。

Kent - En plats i solen

2010-07-15T19:37:00.000-07:00

距離上一張專輯《Röd》不到一年的時間，Kent馬上又用迅雷不及掩耳的速度發行了他們的第九張專輯，從製作到完成的流程之快，這樣的消息肯定也讓樂迷們倍感驚喜。雖說《Röd》中的旋律走向並不太合我的胃口，不過這次《En plats i solen》的夏季出擊又再度讓我找回當初對他們的喜愛。

《Du & jag döden》至始至終是所有Kent作品中我最喜歡的一張，恰好這次《En plats i solen》再度找來《Du & jag döden》的製作人Stefan Boman負責操刀，不知是否因此緣故整體聽來特別對味。即使這兩張專輯的走向絕然不同：一張著力於吉他搖滾、一張著力於合成器流行樂，不過在旋律的拿捏度卻是同樣掌握的恰到好處，雖說有些歌曲是由《Röd》所遺留下的作品，但聽來倒也不失水準。　　　

專輯名稱《En plats i solen》譯為英文則是＂A Place in the Sun＂，他們如是宣告著這是一張屬於炙熱艷陽下的夏季專輯。一開始連三首歌曲〈Glasäpplen〉、〈Ismael〉、〈Skisser för sommaren〉皆充滿著在夕陽下踏上沙灘的溫熱浪漫；挑動心臟跳動的舞曲節拍讓人猶如置於熱帶島國，彷彿在星空下的海灘圍著營火聽著節奏搖擺慢舞；這樣的風情全然異於他們身處於北國那種冷冽憂鬱的印象。

而〈Ärlighet Respekt Kärlek〉和〈Varje gång du möter min blick〉似乎又回歸到他們本身所擁有的憂鬱。面對依舊無法聽懂的歌詞，只能靠著美好的旋律來橫跨過語言的隔閡，由歌名的片面意義來自行解釋；聆聽重複不斷的副歌就像走向情感的迷宮，故步自封的受困於那種難解的情緒裡。

〈Team building〉裡的合成器段落像是一個迷人的標記，即使是小小一段也讓人留記於心。〈Gamla Ullevi〉則用亮耳的合成器樂句為開端，以微小的電子聲響成底噪，讓我想起他們由《Tillbaka Till Samtiden》所開始嘗試的電氣化，那一刻，Kent彷彿吸取所有八零年代Synth-Pop的精華，無懈可擊的將復古聲響與旋律結合，滿足所有樂迷的耳朵，進而一步的演變為現在的《En plats i solen》。

Kent以《En plats i solen》描繪出他們對於夏季的圖像，也在當中夾雜著熱情與猶疑不定。那些在炎熱之中的淋漓躍動都被一一補捉下來成為分隔的慢動作。我們聽著，我們想像，然後再一次陷入旋律內每一個節拍的深淺緩急中。

Kent - Gamla Ullevi

Kent - Team Building

22 碼

2010-07-06T21:50:00.000-07:00

往前衝刺，這幾乎是出自於他身體的本能，彷彿他誕生於這世界時就註定用雙腳製造出驚人的速度，進入到只有速度的空間中。他將時間拋之在後，盤球繞過所有前方的守備球員，即使中途被有所阻擋、抄截，他的心情依然能在短暫停頓的失落中回復到下一個衝刺的狀態。

在球場的草皮上，他活如擺脫人類的習性轉變為一種野性的動物，靠著身體的動能與腦中迅速的思考來行動，從接到球開始後的每一步，都在與命運相互抗衡。我們總是相信他的能力能夠改變整個球隊的命運，每當比數落後時，這種期待尤其盤據在每個隊員的心中，一種英雄主義式的期盼，但在球場上畢竟不是一個人的遊戲，面對這種情況，隊員期盼落空後的失望總是會全壓在他一個人身上，但我所認識的他並不是一個英雄式的人物，只不過他優異的表現往往會吸引責任的重擔無形的背負在肩頸上。

每當離開正式的球場，我時常會懷念起小學時某個夏季在巷道踢球的情況。

四對四，我們拿四罐寶特瓶當作兩邊球門的邊框，佔據了整個巷道的空間。因為同一個班級的緣故，那時我跟他還有另外兩個同學總是在同一個隊伍。比賽開始後，每當我拿到球就硬是要帶球往球門衝去，心裡急欲將球踢進那個我們所規界的小框門，但老是被對方兩個人所圍上而失去球的掌控權，當他看到這樣的情況後就開始抱怨：「要傳球給我們啊！」，不過我的搶功性格還是不理會他的指揮，直到我們被對方進了三顆球後，他終於耐不住性子，拿起球就往我的頭上用力的砸去，大喊：「你懂不懂什麼是團隊精神啊？」，疼痛的當下我並沒有理會他說些什麼就衝上前去跟他在地上扭打在一團，後來兩個人被拉開，雖然脾氣還在上頭，但比賽還是要繼續進行下去。　

心想，這樣蠻幹下去也不是辦法，我還是決定把球傳給他試試，在兩個人的包圍下，把球從他們的腳縫下往左傳出去，他一接到球就開始帶球迅速衝刺到以保特瓶為門界的不遠處，以左腳內側向右射門，球越過防守球員的左側，繞過守門員的右側，進了得分的界線。這樣小小的進球模式幾乎奠定往後我們往後十年的進攻方式，我助攻，他主攻，以默契式的步驟來攻擊對方的球門。後來，整場比賽以四比二結束，雖然我們還是敗北，但我第一次體會到接應的重要以及他獨具思考與身體速度的能力。

他自小生長在貧苦的家庭，父親去世後，母親整天外出工作，因此他得擔起責任照顧小他六歲的弟弟，小學時很難有空閒跟我們一起在巷弄裡踢球。有時候他還是會忍不住想踢球，只好帶走路還不太穩固的弟弟過來，一邊踢球一邊還得看顧弟弟以防被球砸到、走失，在比賽中一心二用。但不管什麼事都澆不熄他對足球所持有的熱情。踢球與生活如何取得兼顧的平衡點，往往是他人生中一直要去面對的問題。

十年後，我們依然在同一個球隊踢球。這季聯賽，我們的隊伍終於第一次打進決賽，看著球場上正在接受集訓的隊員，我突然想起利物浦傳奇教練Bill Shankly說過的話："The socialism I believe in is everyone working for each other, everyone having a share of the rewards. It's the way I see football, the way I see life"，在球場上就像社會主義的分工原則，我們互助合作，將球傳到每一個人的腳下，由後衛到前鋒，每一次的傳遞都是重要的。即使是表面上的一分，也是由無數次微妙的傳遞所構成的。或許他早已讀懂了這句話，也或許他從沒讀過這句話就懂了這樣的意義，無論如何，他總是鼓勵自己的隊友不要放棄，直到比賽結束前的前一秒鐘。

決賽開始，我們全隊十一個人站上球場，信心滿滿肩撘肩的呼喊著勝利的口號，勢必要獲得冠軍。但比賽開始後的三十分鐘，我們就因後防的失誤失掉一分。落後的情況一直持續到中場結束，整體都沒辦法有效的突破對方的禁區。

上半場結束的哨音響起，我站在偌大的球場中間感到落寞，觀眾的喧嘩及噪音無防備的攻擊著耳膜，刺痛著聽覺神經。

這時，他喘著氣由前場走過來拍了一下我的肩膀說：「下半場，就像我們小時後那樣踢吧。」，在心裡的緊張與壓力都升到最高的同時，這句話帶來了一些無形的力量，使我冷靜下來，仔細思考接下來該怎麼做。

下半場開始後的二十二分鐘，我帶球衝向右前場以後腳根傳球給他，他接到球後，迅速盤球轉身一連過了兩個人到達左側，在守門員面前起左腳射門，球直直進網、得分，一次性完成這個充滿榮耀的連續動作，我們很成功的追平了比分。在觀眾的歡呼勝下，隊友們連忙衝向他與他擁抱，而他也向我比出大拇指致意。我相信這一次的進球定能帶給了球隊非常大的信心，只要士氣一提升，我們的攻擊能力勢必能夠發揮得更加淋漓。

不過接下來的攻勢還是無法順利施展開來。比賽結束前的三分鐘，他在二十二碼的位置被對方由後方鏟倒，裁判判給了一次自由球的機會。以這樣的中距離，我相信他勢必會直接起腳射門。對手們一一排成人牆準備阻擋球的行進路線，而我與隊友們則站在禁區內準備接應所有發生的可能。

哨音一響，他在短距離的助跑後將球踢出，球以漂亮的弧線越過跳起的人牆，我看著球越過頭頂，在我抬起頭的同時，球瞬間擋住我眼前直射過來的艷陽。而後，我轉身過來，看著守門員的眼神似乎抓準了球的飛行路線，準備用雙手將球檔出球門外。

球的確被那雙手給擊打了出來，只不過力道並不大。意外的，球瞬時反彈至我的腳下，這時已沒有空間在禁區內停球再射門，而只能本能的將我的腳往球底輕輕鏟下。球飛起，輕緩的越過了守門員，就在他尚未回過神的瞬間，進了網內。頓時，全場歡聲雷動。我的腦中一片空白，全然沒意料到自己能將球給踢進。比賽結束的哨聲響起，我們贏得了勝利。

此後，我一再的想起小時後的那次進球。假使完全靠個人來進攻，就只是像一個孤獨的人無法完成很多事、無法獲得比賽的勝利。而這次與他身分對調，我不再只是個助攻，或許有點運氣的性質，但最終，我們都共同了完成這個目標。他說：「畢竟，勝利的榮耀是屬於每一個在球場上奮鬥的人。」