Deerhunter – Monomania

　　當所有痛苦化為另一種美，如同霓虹燈所散出的眩目色彩，你該如何將它訴說，運用文字、音樂，還是影像？Deerhunter的主唱Bradford Cox則是選擇用意識流的方式將它表達在音樂上。

　　在Late Night With Jimmy Fallon的舞台上Bradford Cox戴上假髮，穿著豹紋樣色的披衣，用繃帶綁在看似流血的手指上，化身為另一個角色Connie Lungpin。雖然觀眾不免對他的手指議論紛紛，但他不過是向他父親因木工而截斷的手指致敬。

　　舞台上的他看起來的確變了一個人似的，帶有痛苦以及憤怒的情緒，甚至曲子還沒結束就走出攝影棚，隨手拿了別人的飲料喝了一個就丟在地上，最後站在電梯旁等電梯，這一連串的行為在畫面看起來很戲劇化，讓人匪夷所思，或許Bradford Cox本身並不是這樣的一個人，不過他心裡的確住著另一個角色，外表華麗卻又是憤怒、痛苦的靈魂，如同龐克音樂憤怒的外表是隨時可以卸下的，它雖然可讓你扮演另一種角色，但也會是你的精神之一。這張《Monomania》聽起來就是如此虛實分裂的感覺。

　　對我來說《Monomania》是一張跟他們有所不同的專輯，聽起來很吵、很直接、很低傳真，你會以為Bradford Cox的聲音是經過特殊效果處理過的，但其實他只是用了一個普通一點的麥克風，外加上電吉他的破音效果也用得很足，使得音樂傳達出毀壞的雜亂感，從〈Leather Jacket II〉就可以感覺得出來那種車庫搖滾式的硬幹爽快。

　　熟悉Deerhunter的樂迷都已經習慣了每一張專輯都會有一首吉他手Lockett Pundt所唱的曲子，這張專輯也不例外，雖然只是一首歌，但少了〈The Missing〉的《Monomania》也只能算是半成品，Lockett Pundt的歌一直給人一種安定的感覺，至少讓這張專輯不會太快撞得頭破血流。

　　Bradford Cox在〈Dream Captain〉唱的是逃離，夢想著離開窮困的家庭，他可以放棄他的出生，只希望有人可以帶他離開這裡，這首歌的意念與Bradford Cox的生長環境有相承的關係。

　　而〈Sleepwalking〉則換成了夢遊者的角色，一個現實生活的夢遊者，有著孤寂包圍的心靈，渴望用歌唱來治療這個孤寂的病症，但最後什麼什麼也沒改變，只能換得一次又一次的疲憊。

　　在《Monomania》裡，Lockett Pundt獨奏的吉他聲線聽起來越來越有自己的風格，像同名曲〈Monomania〉中電吉他的循環樂句凌駕在噪音牆上，透亮的聲音聽起來像在空中迴旋的光芒，隨著Bradford Cox乾雜的嗓音一起爆破，這首歌或許是描述一段三角關係的爭執，感情受創的一方唱著這首歌來宣洩他偏執的情緒。

　　《Monomania》追根究柢是一張很Bradford Cox的專輯，孤獨、病態且痛苦，由此轉化出來的音樂是一種異態分裂的美，猶如瞧著冰冷街道上的霓虹燈管，製造著幻覺的訊息，傳達給所有非正常的寂寞靈魂。

離開

 

　　到了一處地方，你知道自己終究會離開，但你不知到自己憑什麼語氣如此肯定。想必是厭倦了重覆的景色、臉龐，還有一曾不變的習慣，拖著已被麻痺的心靈和身軀，遊走相同的路徑。這裡有不同的城市，不同的人們，亂數組合而出的各種不同卻無法突破的人生，你會不斷問自己還有什麼可能，除了生存，還有什麼可能。

　　斗大的廣告看板寫著「沒有什麼不可能」，讓許多人被吞噬到「沒有不可能」的迷思中，我們互相販賣各種標語、生活方式，讓彼此以為這些精神已內化成為自己向上的支柱，我的確相信「沒有什麼不可能」，但實際上生活在這裡已經沒什麼可能，我們只能苦中作樂，用自己的方式去抵抗，不畏懼傷害卻依舊感到恐懼。

　　習慣了開口，批評散滿在空氣中，最後什麼也沒能改變，無法拿這些空氣去改變什麼，只能每天吐出、吸入，空氣還是空氣。但不能說我們不需要銳利的文字，必須用文字去切開每一句謊言，讓沉睡的真相不再沉眠，任何崛起都需要催化劑，隨後面臨的是製作催化劑的人很多，崛起的還不足夠。以為是庸碌的生活遮蔽了眼前正在發生的事，後來才發現冷漠是無法突破的盲點。

　　這裡什麼都有了，最貧乏的還是思考和想像。我厭倦了那些關於各種商品、食物、新聞的討論與比較，卻不得不說出口與人保持良好的關係，處在這社會化底下的矛盾，你會覺得自己不太真實，如同假扮了另一種身分，沒辦法去問自己到底是誰。

　　昨天的自己跟今天的自己不會有什麼不同，但心底總渴望著有些不同，渴望著自由，渴望迎接全新的事物、苦痛和挑戰。當從小到大所受的教育教導你學習無用的生存技能，到這個社會告訴你要積極面對現實，我覺得我們都還沒學會怎麼去面對自己就不知不覺的在這社會老化、死亡。那顆渴望的心，那個渴望離開的想法一直是前進的動力。這從來不關乎生存，而是生活的選擇。

The Strokes - Comedown Machine

　　因首張專輯《Is This It》一炮而紅的The Strokes在經歷一個十年之後還能玩出新花樣，這不外乎是所有樂迷所關注的問題。對我來說，他們在《Is This It》之後的作品並不怎麼吸引人，甚至會懷疑媒體對《Is This It》的評價是否太過度吹捧，沒錯，他們玩起復古搖滾的確曾經頗具新意，但後來的音樂則讓人嚼之無味，覺得吉他手Albert Hammond, Jr的個人作品可能還好聽一些。

不過這張《Comedown Machine》稍稍扭轉了我的看法，至少他們願意嘗試新的風格，整體的節奏聽起來相當輕快，也有很鮮明的旋律，或許聽到〈One Way Trigger〉你會對主唱Julian Casablancas的假音有點不以為然，不過這種從低音到高音的轉折其實還滿有趣的，配上電玩式的合成器聲響，讓人想起挪威的新浪潮樂團A-ha。

　　不管他們加入了多少電子元素到音樂，兩把電吉他的刷彈依舊是The Strokes的強項，也一直是曲子節奏最重要的支撐點，當節奏吉他與獨奏吉他搭配的天衣無縫便無人能敵。像〈Welcome to Japan〉的吉他韻律就給人一種慵懶的感覺，彷彿隨時的可以搖擺身軀，而仿低傳真的〈50/50〉以快速的吉他刷奏以及滑音效果來完成曲子，速度感十足。

〈Partners In Crime〉又是一首以吉他為導向的曲子，最後短小的獨奏聽來更是神來之筆。〈Chances〉為專輯中少數的慢歌，融入了電子聲效，唱著對感情的困惑，到了〈Happy Ending〉則用了小巧的電玩聲效，聽起來有種夏季的愉悅，Julian的嗓音也實在唱的流行的可以。

　　雖然《Comedown Machine》是一張流行元素滿溢的專輯，也容易讓人享受在曲子的律動當中，但在歌詞方面就顯得薄弱許多。當然，排除那些嚴肅的觀點，《Comedown Machine》相當適合在出遊的時候聆聽，簡單來說就是一張頗具娛樂性的專輯。這時，在車上放上你的衝浪板，買一罐清涼的可口可樂曲線瓶，放著The Strokes的音樂，暫時甩開煩惱，駛向晴空萬里的一片廣大海洋吧。

昏鴉 - 寓言式的深黑色風景

　　聽昏鴉的《寓言式的深黑色風景》會讓人陷入到一種似曾相似詭異的場景中，彷彿被日落後的台北所散發出的魅惑氣氛所包圍，最近已經很少能從台灣樂團中找到這樣的感覺。即使歌詞多少有點觸目驚心，但整張專輯的本質終究是傳達出一股異色的浪漫，不管音樂後不後龐克，加入傳統樂器的配置與詩歌的旋律給人一種時空錯置的幻覺，卻也在現代與古典間找到平衡，減弱了我們習以為常的洋味。

　　從〈親愛的密室殺人事件〉開始就像是一則異色的寓言，關於無法抹滅的記憶、空間中所存有的氣味，猶如與幻影共存，俐落的鼓擊與電吉他強襲著耳膜。押著聲韻的歌詞為〈宇宙只有我和妳〉的旋律帶來跳躍感，風琴與急促的吉他刷奏訴說漫長的孤寂，以及等待被碰觸的渴望。

　　〈午夜暗橋探戈探戈〉是相當有趣的一首曲子，舞曲的節拍打在風琴的彈奏上，猶如有人正跳著死亡的雙人舞，詭譎的呼喚開通了通往空蕩的街道。主唱的獨特腔調在〈我就是迷戀著妳即使妳以沈入湖底〉與〈打包我的心當午餐吧寶貝〉聽來更顯著，低沉又帶著念詩般的韻味。

　　由貝斯為前底的〈打包我的心當午餐吧寶貝〉有著很特別的樂器鋪陳，交雜的電吉他聲響編得相當漂亮，中間穿插著小提琴明亮的輕撥聲，最後再以虛無的嘶喊畫下句點，雖然字裡行間臟器和骨灰，但超現實的文字無關乎是將掏心掏肺的奉獻化為一種激烈的形式。

　　昏鴉的編曲創意在〈黑海之舞〉一展無遺，你會覺得他們編曲很不傳統，但富饒詩歌的韻味又將那傳統的旋律纏繞在自身，整首歌分成好幾個小段，器樂聲在空間中的此起彼落、忽快忽慢，讓人漂浮在黑暗潮汐的激浪與平靜之上。

　　在經歷一陣暗潮洶湧後〈蹲北地底洞窟勘查實錄〉聽來意外的悠然自得，空氣突然輕盈了起來，感傷的情緒卻被隱藏在表面無事的假象底下。專輯同名曲〈寓言式的深黑色風景〉則描繪著主人對一隻貓離去的感觸，以及等待死亡後的再度相遇，尖銳的吉他聲響咆嘯畫過夜色天際，朝不知去向的貓兒前進。最後的短歌〈詩〉就像一段浪漫的邂逅，旋律聽來異常的溫暖。

　　雖說《寓言式的深黑色風景》是昏鴉的首張專輯，但聽起來並不是一張新手之作，無論是樂器或是詞句都表現得相當成熟。你以為你聽到的只是一個樂團，不過感覺倒比較像是一個臥虎藏龍的藝術計劃，且看身懷絕技的他們在黑暗的城市中心玩著古今交融的浪漫詩歌。