My Top 15 albums of 2009

1.    Manic Street Preachers - Journal For Plague Lovers

Journal For Plague Lovers或許是繼The Holy Bible以來我最喜歡的Manics專輯。整張專輯沒有一首歌是疲軟的，曲調的力道也拿捏得宜，甚至還多了些與以往不同的新意。由於Richey Edwards所遺留的歌詞，使得每一首歌都含有愁傷的思緒，在他那些意識流與知識性的話語中，我們彷彿同時觸及了美好與失意。Journal For Plague Lovers使我們緬懷所有哀愁憤慨的年輕靈魂。　

2.  The Mary Onettes – Islands 

3.  The Big Pink - A Brief History Of Love

今年最火紅的新進團體必屬The Big Pink。他們的特點在於將電氣化的節拍融入Shoegaze曲式加上入耳的英搖旋律，想當然耳可以聽見無數過往魂魄附著在他們身上，但整體的氛圍並不落入俗套，反而相當新穎且具有當代感。聆聽專輯裡幾首單曲時，很容易的就會上癮，因為就是單純的好聽。The Big Pink所研發出的新公式想必會在未來不遠處發光發熱。

4.    Doves - Kingdom Of Rust

Kingdom Of Rust給我的感覺依舊是相當灰色、相當Manchester，有種如同磚牆斑駁的質感，彷若頂著陰雨在無限延伸的公路上騁馳，影像的畫面實屬強烈。第一首歌〈Jetstream〉的電子節奏，彷彿回到他們在Doves前身把玩電子音樂的老本行，聽來非常不錯，而其餘的歌曲也還保留以往的水準，尤愛那種由木吉他所譜寫的迷幻曲調，實在平實到味。

5.  Memory Tapes - Seek Magic

6.  Yo La Tengo - Popular Songs

7.  A Place to Bury Strangers - Exploding Head

8.  The Flaming Lips – Embryonic

9.  Sonic Youth - The Eternal

Sonic Youth近年來的音樂朝旋律化的方向發展，可能會有些樂迷不買單，但這次The Eternal卻達到一種噪音吉他與旋律都相互磨合的平衡感，也讓我想到Goo時期的他們。從開頭短小精幹的龐克曲調〈Sacred Trixter〉到最後一首節奏漸快漸緩的〈Massage the History〉都相當爽朗好聽，特別喜歡〈What We Know〉大鼓鼓點與貝斯韻律的結合，加上音高亂序不平衡的電吉他噪音，有種秩序與雜亂並進的感覺。在聽完The Eternal之後，我們知道Sonic Youth的音樂早已獨特的活在歷史的永恆。

10. Carsick Cars - You Can Listen, You Can Talk

11.  Deastro – Moondagger

12.  Mount Eerie - Wind's Poem

13.  Crayon Fields - All The Pleasures Of The World

14.  The Exploding Boy – Afterglow

15.  Daniel Land & the Modern Painters - Love Songs For The Chemical Generation

其他專輯推薦：
The Antlers - Hospice
Balmorhea - All is Wild, All is Silent
The Bridal Shop - In Fargments
The Church - Untitled 23
Charlotte Gainsbourg – IRM
The Fauns - The Fauns
Gliss - Devotion Implosion
Have A Nice Life – Voids
Hearts Of Black Science - The Star In The Lake
The Horrors - Primary Colours
Jim O'Rourke - The Visitor
Jj – Jjn2
Julian Plenti - Julian Plenti Is... Skyscraper
Kasabian - The West Rider Pauper Lunatic Asylum
Kyte - Science For The Living
The Legends - Over and Over
Loney, Dear - Dear John
Lotus Plaza - The floodlight collective  
Morrissey - Years Of Refusal
Mono - Hymn To The Immortal Wind
O+S – O+S
The Pains of Being Pure At Heart - The Pains of Being Pure At Heart
Piano Magic – Ovations
Sébastien Schuller - Evenfall
Sloth Scamper - Animal Experimentation
Tortoise - Beacons Of Ancestorship
Yeah Yeah Yeahs - It's Blitz!
The xx - xx

關於故事

他是一個喜歡故事的人，無論是從書本中閱讀到的、從電影的虛實光影裡所看到的、從音樂中旋律衍生而出的，還是從人口耳相傳的，不管是什麼樣的故事，他都以享受故事中那種充滿繽紛色彩的魔力性為樂。他說：故事的魔力性擁有一種引誘人們的原始力量，有時候，我們在接受故事本身時也順勢投入故事其中，使自己成為故事當中的角色或是一個在故事場景裡頭的旁觀者；當然這種情況在閱讀的時候是比較容易成立的，因為你可以藉由閱讀掌控故事進行的速度還有節奏，然後仔細思量角色的處境以及對白；不過，要是作者本身所創作出文字擁有強烈的節奏性，也會使人不由自主的失去掌控閱讀的速度，深深被故事的特質拉入超越現實的其中。

故事成為我們臨時的僻護所，我們進入其中，而後離開其中，最後某種依戀留存在心底，彷彿經歷了另外一場人生，當故事在自身累積的數量越來越多時，自己的人生也呈現出一種放射狀的狀態。有時，我會覺得創造出的故事是為了抵抗現實而存在的，而由現實演化的真實故事是為了人們的記憶而存在。我們憑藉著對故事的想像，離開了此時此地的所在，流浪遠方早已不存在的國度，瞧見不同種族的人們，回到過去也回到未來；在某種意義看來，故事解放了時間直線行進的概念；那是一個時鐘可以正轉也可以反轉的地方。

我聽他說了很多對故事的看法，才發現故事不光只是故事而已，還包含它與人們的關係。如果仔細去想，會發現這整個脈絡相當有趣，如果每個人本身都是一則故事，本身的故事包含他人的故事(因為人與人之間的關係)，而個人又創造出無數的故事，這就表示說，故事正以無限的方式龐大的存在；但大多個人的故事都伴隨著死亡和人們記憶的消散而被遺忘，除非你擁有相當程度的名氣，才能在書籍或網路上存留，尤其當今，資料只要存留在網海中，你的故事就很難被消滅；不像書或膠捲只要在焚燒後就化為歷史的碎屑。這樣也表示，新時代人們的故事將會流傳的更久遠，成為另一種不朽的存在。

故事的外層都有一種類似隱喻的東西，而這樣的東西越強烈，越能突顯出故事的核心價值。常常，我們傾聽故事的控訴，它們以一種悲劇的方式來引領出一段要旨，突如的悲憤由內心深處被呼喚出；該說些說麼，該做些什麼呢，心裡總會有這樣的疑問，但隨即又是一陣疲乏的無力感，「遺忘」成為無形中漠然的選擇。這個世界最不缺乏的就是悲劇，而悲劇可能是故事中最強大的力量，也是創作力量最基本的根源。我突然想到一個結論：「人在某個角度看來，是站在悲劇故事的地表上存活的」。

我們對說好故事的人總有著無比的敬佩，不管是作家、導演、音樂家、畫家，他們都是能說好故事的人；他們細微觀察，仔細琢磨字句，調度著每個場面每個鏡頭，將故事畫面忠實呈現在人們眼前，毫不遺餘力的，每一項作品都能體會出創作者的巧心，而好的作品更是能藉由故事為媒介直接與創作者做思想上的溝通。

他說：「而對於那些默默無名的人們的故事，卻是我最渴望欲知的；有天，如果我能向人們講述他們的故事，使他們不被遺忘，這樣故事是否能留有更深刻的意義性呢？」

「意義性的準則是什麼，我並不清楚，但或許，有天你將會成為一位說好故事的文學家，深掘出那些早已被遺忘的人們的故事；你會讓他們知道，自己不是被這個世界所遺棄的孤獨個體。」我說。

Here Comes A Regular

記得高二時，他在書包的黑色織面上用立可白寫下了Idiot這五個英文字母，每天斜背著它搭公車、捷運上下學，穿梭這個城市乾淨與同骯髒的巷弄，路上的路人只要往他的書包瞧，都可以清楚看見這個「白痴」的字眼。那時，英文程度一向不好的我並不知道這個字的意思，也是後來查了英文字典才理解字義，但比起其他同學在書包上寫些搖滾樂團的團名；寫時尚名牌的字稱耍酷，我還真搞不懂他寫這樣的字有什麼必要的原由。

某天放學後，我跟他在校園的後巷抽煙，一時興起就問起他為什麼要寫這個字在書包上頭，他把煙拿離口，緩緩吐出薄煙，義正嚴詞就說了一串：「因為現在的人們都活在一種白痴的狀態啊，有聰明的白痴、自負的白痴、言語的白痴、生活的白痴，每一項行為都可以用白痴來解釋，只是人們無法自覺自己的白痴行為，所以我寫在上面是為了要讓看到的大家自省。」，講完後隨即神態自若的又把煙接上口。但即使在他解釋完後，我依然無法理解他的想法，多麼詭辯；多麼憤世；多麼合理化自己怪異的解釋。

十年後的現在，我在和高中同一個市區內的一間科技公司上班，從早到晚執行測試項目，撰寫看似邏輯卻缺乏人性的程式碼，日復一日過著煩悶的日子，唯一的消遣就是星期五到酒吧喝一杯純正的馬丁尼。某個同樣空乏的星期五，我依舊到酒吧度過孤獨的時光，在這裡的每個人都背負著些許傷感失意的氣息，鮮少有群眾把酒言歡，來這個顧客大多是一人或兩人，偶爾只聽的見微弱的對談聲，以及店家撥的冷調爵士樂，這使得店內氣氛猶如黑的色澤般沉重，但我卻相當喜歡這種感覺，自己並不特別想找人談論什麼，也不想對人談論毫無什麼的自己。

在吧台看著一位男子不帶表情的推開酒吧木門走了進來，雖然眼前是相當平常且規律性的畫面，但實質上卻有些不一樣，他莫名使我的回憶在腦內拉扯著，頓時，我想起十年前那位在書包上寫著Idiot的高中同學。高中畢業後，他說他想去機車行當學徒，因為早已厭倦了那種像白痴般讀書的日子，想用自己年輕的四肢與充沛的體力去體驗生活的真實性，也不顧家裡反對的聲浪，就這樣自己搬出家裡獨自生活，雖然大學期間還有找他修過幾次機車，不過後來他也從那間機車行離開，離開這個城市，從此再也沒聽到他的消息，這個人就這樣在我眼前的世界消失無蹤。

而現在，他又出現在我眼前的世界。他瞧見我，馬上就認出我這位曾跟他同班三年的同學，我們互相打了聲招呼，隨即他便坐到我身旁點了一杯琴湯尼。我們聊著高中的時光，聊著最近的生活，聊著一成不變的什麼。原來，他會離開這裡部分是因為愛上一個南部的女孩子，也因為如此，就跟著她回到南部生活，其中有一小部分的原因是因為厭倦自己從小到大生長的地方。我也同樣厭倦，但我從未有勇氣離開我所厭倦的事物。

然而這次回來是因為他母親因癌症過世得要處理後事；畢竟還是自己的母親，關係再怎麼惡劣，但至少還留有與生俱來最基本的情分。「我很遺憾。」我說。我知道他跟家裡的關係一直處於僵直的情況，但這樣的問題通常不是在於一方，而是兩方都缺少對彼此的體諒與良性的溝通；可能他的性格在那時也處於極不穩定的狀態，所以才會衍生一連串不穩定的命運性結果吧。

他說我變的沮喪不少，彷彿被什麼給消磨過，過往青春的活力都已不在容顏。
而我說他已沒有那麼目中無人，當初憤世的氣質也有所轉為內斂。從他的談吐中可以感受到一股謙樸的真誠，但依舊有點傲世的風趣，他的言語不再像是這個城市的人所會講出的那種呆板無力的話語，反而是很親近，不疏離的。

經過幾個小時以酒接力的長談，我們提議去外頭抽根煙。沉浸在酒精的我們搖晃的走出酒吧。因為兩人的煙剛好都抽完，所以只好到附近的便利商店買煙，但在跟店員結帳時才發現兩個人身上的錢都花在酒吧，只剩下幾十塊的零錢，
他突然說：「唉，有時候我覺得錢能買的東西真令人感到噁心。」
「但煙總還是要抽吧。」我說。

最後，店員好心的從自己口袋掏出一包紅色的萬寶路，從中抽出兩支煙給我們，我們走出商店到路旁點燃煙。黑夜中，萎靡的路燈始終照不亮地面最陰暗的地方，而我們燃煙的火光點綴著陰暗，這時，我又想起他書包上那五個用立可白寫下的白色英文字母，突然間，我終於能理解他那時所解釋的意思。十年前，看著書包的我並沒有感到自省，而現在那種自省的感覺卻突如來的強烈，彷彿，我正看著那個字詞正在解釋這世界上所有愚蠢的行為，並看著那個字詞嘲笑著現在的自己。



Well a person can work up a mean mean thirst
after a hard day of nothin' much at all
The summer's past, it's too late to cut the grass
There ain't much to rake anyway in the fall
And sometimes I just ain't in the mood
to take my place in the back with the loudmouths
You're like a picture on the fridge that's never stocked with food
I used to live at home, now I stay at the house

And everybody wants to be special here
They call your name out loud and clear
Here comes a regular
Call out your name
Here comes a regular
Am I the only one here today?

Well a drinkin' buddy that's bound to another town
Once the police made you go away
And even if you're in the arms of someone's baby now
I'll take a great big whiskey to ya anyway

Everybody wants to be someone's here
Someone's gonna show up, never fear
'cause here comes a regular
Call out your name
Here comes a regular
Am I the only one who feels ashamed?

Kneeling alongside old sad eyes
He says opportunity knocks once then the door slams shut
All I know is I'm sick of everything that my money can buy
The fool who wastes his life, God rest his guts

First the lights, then the collar goes up, and the wind begins to blow
Turn your back on a pay-you-back last call
First the glass, then the leaves that pass, then comes the snow
Ain't much to rake anyway in the fall

鼓打鍵盤 Drum nK Bass

兩年前，偶然有機會看到《鼓打鍵盤》的現場演出，當下感覺他們的音樂無論是在樂器的編制，亦或是編曲上，都持有種與時下樂隊有別的獨特風格，隨即在腦海留下深刻的印象。

團名《鼓打鍵盤》開宗明義的在音樂風格上即是由鍵盤的琴鍵聲與鼓擊交織而成一首首的歌曲，鼓的節奏載負著行雲流水的鋼琴旋律搭配上電子聲響，異常讓人感到和諧優美。雖謂鼓打鍵盤，貝斯在樂隊中也佔了舉足輕重的份量，取代了傳統樂隊替吉他保有的位置，成為一種不可缺乏的韻律。這樣的獨特性不經也讓我想起芝加哥的後搖滾名團Tortoise，雖樂器編制不盡相同，但兩組樂隊都含有種精確細膩的思維，相當值得聆聽。

《鼓打鍵盤》的音樂時而愉悅歌唱，時而困頓疑惑，時而歸於沉靜，這一切彷彿描述了在失落與狂喜間的小故事，以及城市人們腦中的奇趣異想。





他們在12/16有一場演出在西門河岸流言，有興趣的朋友可以去聽聽看。

Daniel Land & the Modern Painters - Love Songs For The Chemical Generation

從Daniel Land & the Modern Painters的音樂中，實質感受到一種純然夢化的空間感，雖然他們來自英國最著名的搖滾都市曼徹斯特，但在音樂上卻拋除工業城市灰色的沉重感，進而體現出另一種微觀的城市景象，純屬於個人的浪漫情愫，宛如置身真實與夢境之間的模糊界線。

他們的音樂基本上深受Cocteau Twins、Slowdive等Dream-Pop、Shoegaze樂隊的影響，乍聽下猶如Cocteau Twins的男聲版，在樂器的表現手法上，使用三把吉他描繪出歌曲細緻的肌理，層次相當分明化，柔軟得宜的吉他音牆彷彿可以讓人躺入其中，再搭配上主唱Daniel Land細膩的聲音，或許用「美妙的旋律」來形容似乎還不足以表達歌曲所含有的美的本質。

Daniel Land同性戀的身分與專輯名稱，讓我聯想起現在這個世代的愛情像是一種化學混合物，其中所產生出一連串神秘奇異的效應，使我們的世界以另一種方式傳承愛情的本質。除了受到Dream-Pop、Shoegaze音樂的影響外，Daniel Land本人也相當喜愛欣賞畫作、電影、文學，像是Mark Rothko與Agnes Martin的繪畫作品、Derek Jarman的影像、Anthony Burgess、Milan Kundera 和 Edmund White等人的小說，或許這些藝術作品多少也間接影響到他在音樂上的創作。

《Love Songs For The Chemical Generation》這張專輯亦找來Ulrich Schnauss與Engineers的Mark Peters參與製作，整張作品雖然鮮少有電氣化的痕跡，但音樂的氛圍卻建立起一種立體的維度，聲響也相當的環境化。

〈Codeine〉與〈Benjamins Room〉漫不經心的吟唱方式，迷幻的曲調，使我想起一些早期The Verve的歌曲。而〈Glitterball〉我認為相當具有單曲的淺力，起先是貫串整首歌的吉他單音Riff，再來進入副歌的橋段，然後另一把吉他加入，彈奏夢幻的小調，相當美妙的編曲。

〈Run Silent Run Deep〉使我們在夢境中緩慢的跑向深遂的寂靜，我想，這首歌的旋律或許是整張專輯裡最美好、最深沉的，幾乎是一首無懈可擊的Dream-Pop歌曲。〈Smiling In Slow Motion〉、〈The Magic In My Head〉聽來像是Mojave 3早期的夢幻民謠，當然，我們知道Daniel Land肯定也是Neil Halstead的粉絲。

最後連貫的兩首〈Good Speed Good Fun〉、〈Lighting Out For The Territories〉，只能說替專輯畫下了悠美的句點，毫無後繼無力的跡象，曲調從Dream-Pop轉為Post-Rock收尾，在聽完整張專輯後，腦中只剩下簡潔沒有贅言的四個字「美妙極了！」。

Daniel Land & the Modern Painters的音樂景象包含各種美好的特質，我們聆聽，然後緩慢深入其紋理，沉沉的睡倒在那幅景象，斷絕現實的枷鎖，在自由的那邊等待未來的愛情到來。

Blue Day

在藍色的日子，我找到屬於妳夢境的入口，蜷著身子緩慢再緩慢的淺入，好似無限的將時間排除在外。空間拋除重力的，我身軀漂浮在妳夢的途徑，那裡有妳的記憶過往、妳所愛的人們、妳虛幻捏造卻又帶著真實意味的一切，畫面一幅接著一幅像被框在畫框內，一直列排開在眼前歪斜呈設，像是待在現代美術館觀看畫作般，畫框內的畫面是持續保有時間性的動作，彷彿真實人生的再次重播。

我瞧見自己與妳在某一個畫框內，像是過往的畫面又再一次的重演。我們共坐在一張木質長椅上，愉悅的談論自己對世界的看法、對公平正義的期待、對普世價值的不認同，在澄藍無垠的天際下，彷彿我們真的可以改變什麼、可以用雙手去掌握不可掌握之事。那時我們自以為用年輕就可以來抵抗歪斜的軸心，但當要抬頭面對時卻又畏懼退縮，依舊，談論那些只不過是一種共同的想像，二十年後的我不經這麼想。當然，那時更多的是我想要加深妳對我的印象，然後，更多的是想親吻妳。

瀏覽完所有妳夢的畫面，只有這一幅存有我的夢境還保留在妳腦內，其他都是他人的存在。妳對我的思念永久的停留於坐在長椅的那天，那些對話反覆的在妳夢中被歌詠，我年輕卻又落魄的身影被夢所重新放大，現在在這裡的我好似拿起舊照片仔細端倪，說著：「原來這是自己以前的樣子，跟現在幾乎判若兩人了」這般。妳夢境裡的我似乎理想化許多，有些臉上的細部感覺像是被精密修改過，或許連對話內容也被重修竄寫，但我又怎麼能知道呢，畢竟，夢所捏造出來的記憶的真實性是有待商榷的。

妳反覆的夢，反覆的重造著我，使我這個人趨近理想，只有這樣才能保留我最好的印象，活在妳唯一存有我的夢境裡。進入妳夢境的入口後，身體不斷的被藍色的孢子附著，怎麼樣都撫拭不掉，體重以非常緩慢的速度上升，由漂浮轉為緩緩下降，身體奏慢的淺入妳夢境的底部深處，那些妳夢的畫面漸漸離我遠去，最後，孢子輕輕的遮蓋了我的雙眼，眼前只剩下一片漆黑，我失去任何方向感，在妳的夢境裡迷失。

這時，我腦中不斷撥放著一首歌的旋律，歌詞一個字一個字清晰的在腦海浮現。它屬於這個藍色的日子，屬於在他人夢境中下沉的人。

I hear your voice
But it can't bring me back
I'm dreaming of all the things
I ever thought I had
I'm pushing down
I'm diving deep
Yeah slowdive to my dream
I'm feeling good, yeah
I'm feeling free

Slowdive, you can't touch me now

I close my eyes
And let the ground slip
From my mind
I'm falling now
I'm diving now
I'm gliding in the sky
Graceful birds will whisper
As I sadly pass them by
He's feeling good, yeah
He's feeling free

Slowdive, you can't touch me now

Yo La Tengo - Popular Songs

  We'll walk hand in hand

  Never as we planned

  And even those we never knew

  Fast they disappear from view

  Fading world without a price

  Right before our very eyes

  Melts before our very eyes

  Dies before our very eyes

Yo La Tengo這張《Popular Songs》的封面不經讓我想起小學時聽音樂的回憶，那時剛好是介於卡帶與CD唱片的交替期，因為家裡還沒有CD撥放器的緣故，每次有想聽的音樂必須得去買一捲捲的卡帶，當時聽的都是些台灣當紅的流行音樂，就算是十幾年後的現在，有些歌還是能朗朗上口，那些有點俗氣的情愛歌詞都是情竇初開時的慰藉，會喜歡上音樂，也是因為這樣，它們總是合時宜的與自己的心情相符。

回到Yo La Tengo的音樂上，專輯名稱《Popular Songs》不經讓人猜想他們這次是否要做一張充滿流行旋律的專輯，不過實際聆聽後卻不然，流行的元素雖有，但並不是那麼的顯要，應該說是相當放鬆的，相當Yo La Tengo式的，讓人一聽到就會說「啊，這是Yo La Tengo的音樂！」。雖然早幾個月前開始聆聽的時候覺得這張專輯平淡大於驚喜，不過最近重聽了幾遍又覺得相當不錯，或許是季節轉變的關係，隨著溫度緩降，《Popular Songs》很容易使自己在繁忙後讓心情沉澱下來。

〈Nothing To Hide〉不知怎麼讓我想起〈Sugarcube〉的氣味，這首歌算是專輯中節奏較輕快，帶有Ira Kaplan式Fuzz吉他聲響特點的搖擺歌曲，愉悅的，很輕易就讓人喜愛上。也有其他不少慢節奏的歌曲都相當好聽。〈By Two's〉、〈I'm On My Way〉、〈When It's Dark〉、〈All Your Secrets〉，尤其〈When It's Dark〉更是深得人心，聽著Georgia的歌聲，就算走入黑暗也不需害怕，總覺得她的歌聲像是白色蠟燭的小燭光，雖然微小但卻讓人在黑漆中看的見光明，有一種無名狀的小小溫暖。

〈Periodically Triple Or Double〉這首則帶點Free Jazz的味道，有點像上一張專輯中我也相當喜愛的〈Mr. Tough〉，風琴鍵音配上鮮明的貝斯韻律，不免想讓人跳起慵懶的舞步。如果想聽Georgia與Ira這對夫妻檔的甜蜜合唱，就絕對不能錯過〈If It's True〉，主副歌的旋律配上弦樂的底襯，相當Popular的好聽。

《Popular Songs》最後三首歌的曲調與前面絕然不同，都是長達十分鐘以上相當氛圍化的歌曲。讀著〈More Stars Than There Are In Heaven〉的歌詞，聆聽緩漂的樂句，世界彷彿在腦海展開，我們手牽手走過一切生與死之間的藩籬，看遍所有浮華和据窮的景色，吉他依舊嗡嗡在響，沒有結束似的直到終點，接著〈The Fireside〉到達終點後的寂靜荒涼，空氣頓時凝聚起來，傷感的氣氛圍著受凍的身軀，直到最後的〈And The Glitter Is Gone〉才把我們從中拉起。

他們專輯的最後一首歌總是那麼讓人沉醉，〈And The Glitter Is Gone〉彷彿與〈When It's Dark〉相互輝映，在一切的光亮離身遠去，獨自站在黑暗的寒風中，期待光亮再次照耀在此。扭曲的吉他聲，模糊的人聲，依舊是最後的依歸，我們沉醉在此，不再說一句值得世人讚揚的話語。在這裡的我們看起來都是渺小，模糊不清，且觸碰不到。

「很高興你喜歡Yo La Tengo的音樂，因為我也喜歡。」這句心底話是我一直想說的。

Yo La tengo - A Take Away Show - Part 1 from La Blogotheque on Vimeo.


Yo La Tengo - A Take Away Show - Part 2 from La Blogotheque on Vimeo.

The Mary Onettes – Islands

The Mary Onettes一直是我近年來相當喜愛的新興樂團，他們的第一張同名專輯無庸置疑是一張懷舊八零、New Wave旋律的佳作，因此我對於他們後來的作品也寄予相當大的期待，直到今天新專輯《Islands》入手後，好好的翻開歌詞本聽完一遍，才知道The Mary Onettes的音樂這次並沒有讓我們失望。

主唱Philip Ekström說：「每一首歌在專輯都像是一座不同形貌的小島嶼，每一首歌可以像是一張有完整結構的專輯。」，這也是當初專輯取名《Islands》的構想。在《Islands》裡的每一首歌似乎都藏有Philip Ekström自己私人的情感，無論是描寫與女友關係的〈Cry For Love〉還是回憶女友離世母親的〈The Disappearance Of My Youth〉那種濃厚的情感在旋律與歌詞的字裡行間都表露無疑，每一首歌曲都是自己記憶的依歸，也是一種島嶼形式的紀念。

他們在錄製這張專輯期間也發生了些意外，裝有The Mary Onettes所有歌曲錄音檔案的硬碟在Philip Ekström的車內被竊取，雖然他家中的電腦還保有拷貝的檔案，但因為電源的問題，硬碟也壞軌了，在雙重的不幸下，他們只好重新錄製新專輯，有些不同版本的歌曲也就這樣遺失了，真的相當可惜，辛好，他們最後還是排除萬難將這張《Islands》完成於世。

早先聆聽單曲〈Dare〉時，就窺探到了新專輯的樣貌，不同於上一張同名專輯的歌曲，他們加入了許多管弦樂、合成器鍵盤的橋段，使得歌曲的氣勢更加磅礡、優雅且不流俗，主唱Philip Ekström譜寫流暢旋律的功力依舊未減，在《Islands》中沒有一首歌曲是不悅耳動聽的，整體氛圍算是上一張專輯的完美延伸。

讀著〈God Knows I Had Plans〉的歌詞，還可以找到Depeche Mode兩首金曲的歌名，〈A Question Of Time〉以及〈Behind The Wheel〉，不知是刻意的歌迷密碼還是巧合，居然連歌詞都如此新浪潮。而〈Symmetry〉和〈Century〉則相當的The Cure，主唱Philip Ekström的歌聲就像溫和不陰鬱的Robert Smith般，唱著逝去時代的歌謠，悼念不復以往的青春年代，讓人陷入回憶的冰河時期。

〈Whatever Saves Me〉或許是專輯中最動人的一首，歌詞唱著「無論什麼能拯救我，也終將能拯救你。」，可能我們都在等待一種對等的救贖，必須揮別過去的枷鎖，無論時代的洪流加諸在我們身上如何艱難，還是要突破一切繼續堅定的走下去。

如果今年只能推薦唯一張專輯，我想我會豪不猶豫的推薦這張The Mary Onettes的Islands。除了音樂好聽的本質外，如此推薦的原因也在於「有些情感是我們永遠不能忘記的。」，聆聽這樣豐沛情感的音樂使我們更加忠實的面對自己。

                  
The Mary Onettes 'Puzzles' from Labrador Records on Vimeo.

The Flaming Lips – Embryonic

每次聆聽The Flaming Lips的音樂都像是經歷一場奇幻異趣的旅程。他們音樂中那些怪趣愉悅、科幻異想、對生命的關懷、豁達的生死觀都著實的振奮每一個聆聽者的心，無論是前期美式迷幻搖滾的作品還是後來旋律化的太空實驗搖滾之作都讓人視之為近代另類搖滾的經典。而對我來說，《The Soft Bulletin》和《Yoshimi Battles The Pink Robots》或許是我青少年時期至為重要的兩張專輯，它們陪伴我渡過一段經歷轉折的奇特時光，也在情緒陷入低潮時，適時的拯救我這個躲在陰暗處的破敗靈魂。時間來到現在，聽著新專輯《Embryonic》，好像又陷入某種空間扭曲的時光旅程。

今年第一次聽到他們的新單曲〈Convinced Of The Hex〉便覺得相當怪異，編曲的形式並不像先前的作品，也沒有特別讓人印象深刻的旋律，取而代之的是一種Kraut-Rock式自由即興的表現，尖銳的十二弦電吉他聲響散落四處，加上Wayne Coyne時而低沉時而呼喊的唱法，有一種低傳真與高傳真互相衝突的感覺，雖然一時無法適應，但聽來相當具有新鮮感，似乎也預告了新專輯將會帶給樂迷有所不同的體驗。

後來果然不出所料，《Embryonic》是一張相當奇異，長達七十多分鐘的專輯。Wayne Coyne說這是參考The Beatles的《White Album》以及Led Zeppelin的《Physical Graffiti》的概念之作，原本以為這樣的長度會以雙CD的形式發行，但買來才發現全都壓縮在一張光碟，雖然少了雙CD的意義，但倒也少了換CD上的麻煩，讓十八首歌不停歇的接續。

在第一首〈Convinced Of The Hex〉後的〈The Sparrow Looks Up At The Machine〉似乎延續著Yoshimi Battles The Pink Robots中的母題，自然與科技的抗衡，含有一種急欲掙脫冰冷機械的恐懼感，分裂的吉他聲響搭合厚重的Bass Line，由此也可聽見Bass手Michael Ivins沉穩的韻律在這張專輯佔於相當重要的位子。

〈Evil〉與〈IF〉這兩首意義上是相互呼應的，〈Evil〉是對於人的邪惡根性所帶來巨大傷害有所無法理解，而〈IF〉則是肯定人性邪惡的本質，但人們也可以選擇他們的所作所為來向善，感覺是以人類以外的視點來觀看人類，相當有意思。〈See The Leaves〉則用觀看草葉的死亡闡述生死輪迴的無常，一開使炸裂低傳真式的鼓聲讓人陷入一種焦躁的思緒裡頭，然後再緩慢無聲的釋放掉所有情緒，讓腦中留下一片淨白。

〈Powerless〉和〈The Ego's Last Stand〉的Bass Line都單穩的令人印象深刻，加上不規則的吉他聲響營造出一股奇異的氛圍，〈The Ego's Last Stand〉後段更是展現出The Flaming Lips從未有的迷幻式狂放。

《Embryonic》也找來其他人客串獻聲，像是Karen O在〈I Can Be A Frog〉中模仿各種動物的叫聲、MGMT客串於〈Worm Mountain〉這首炸裂鼓擊滿點，各式聲響齊出的歌曲、還有一位德國數學家Thorsten Wörmann也貢獻了〈Gemini Syringes〉〈Virgo Self-Esteem Broadcast〉這兩首，不得不說真的相當熱鬧且詭異。

即使到了最後一首〈Watching The Planets〉依然強而有力，強勁的鼓聲好似把腦中的恐懼震出九霄雲外，聽到Wayne Coyne與Karen O的胡亂吼叫就好像在執行某種驅魔儀式般，振奮著疲軟無力的精神。

至今還無法確切形容《Embryonic》帶給我的感覺，這不是一張用「好聽」兩個字就能下定論的專輯。因為過於龐大、跳躍、奇異、充滿能量，像在一場大型派對中神魂顛倒，但這樣本格硬派的實驗迷幻搖滾肯定讓老樂迷大呼過癮。The Flaming Lips這次似乎不肯逗留在太空的無重力空間，反倒是超出了宇宙外，回到更難以莫測的人心本質上。

信 #2

無論未來的我會變的如何，我希望能永遠記住自己現在的姿態，還有最初堅持的信念。數年後，在這些東西受到現實腐蝕之後，自己或許無法清晰記得現在自己的模樣，連面對鏡子也無法看到同樣是我的過去形貌，但如果，那時的我還能再一次看到這封信，我想，記憶會以它自有的回歸性使我憶起現在的信念，不過前提是，這封信它是被必須保留到自己的後青春期之後，否則，我將迷失在未來不確定性的層層迷霧，未來的我將淪為現在的我所無法認同的樣子。

當然，為何得堅持現在的信念，往後的信念改變並不見得不好，可能還會使自己趨近所謂成熟穩定的人格，但也就因為如此，這才是我想質疑的地方，或許我並不想脫離某種孩童式頑固的純真，使眼前的一切對我來說都是有趣，空氣四處充滿新鮮感。希望偶有些刺激驚險的狗屁事發生，能讓我產生一股逃跑的動力向前奔跑到無限的遠方，不是那種懦弱無力的逃避，而是用雙腳強而有力的逃跑方式，將所有一切狠狠甩在後頭的奔跑，就算精疲力盡也無所謂，因為我知道，每一次的奔跑都是一次完美的重生。在電影裡，我尤其喜歡逃跑的畫面，那是帶著對現實的嘲笑一個絕佳細膩的呈現方式。

今年夏天，我挾著青春的尾巴在自己的城市步行與奔跑，雖然無法像朋友們能到異國尋找自我認同完成理想，但至少我也能在自己所生活的地方尋找一種認知，不用旅行到他方也能達到旅行的意義。後來發現，其實自己沒有想像中了解自己生長的地方，城市被建築分割成無數的區塊進而形成道路，也不都是精準的縱列分割，蜿蜒是一種必然。偶爾，我會在這個最熟悉又不最不熟悉的迷宮，迷上幾個小時的路，手上沒有地圖，沒有手機的定位系統，能找到回家的路靠得都是方向感，嗯，提到〈方向感〉，我還是會想起這首歌的旋律，而這又是另一個通往回憶的故事。

走過許多菜市場、骯髒的無人巷道、河堤邊、高架橋、公園、學校，看見許多陌生的臉孔，在路旁販菜的阿婆、工廠或車廠的少年仔、賣好吃蔥燒餅的阿姨等無數的小販，他們辛勤工作的模樣總讓自己覺得渺小，也就因為勤奮努力才有所謂生命的光輝吧。如果現在的人說努力不會成功，那也太小看生命的光輝，那種閃耀的光芒是成功永遠無法匹配的上的。為了加速理想的達成而犧牲掉本性，我寧願當一個踏實前往理想的人，就算路途崎嶇艱難，就算無法實現，我也要永遠在旅途上享受每一刻，每一刻都是真誠，且紮實的。

張懸的〈城市〉是一首很真實且真誠的歌，也是那時我時常撥放的。歌詞在詩意中寫實，與自己那時的心情相符，我開始體認自己是如何冷漠，鲜少對身旁周遭人關懷，關在孤寂的牢籠，種種個性上的原罪。人們在城市相遇後分離，分離後相遇，我們再度愛上另一個人，又各自在城市的街道流浪，雖然是獨自個體卻活在彼此其中。這首歌有很多我喜歡的比喻方式。

此刻不寫音樂，只寫自己，藉由這樣讓腦袋重整，然後不停的思考。有時候你必須摧毀自己所建立的虛擬形象，讓自己呈現真實的面貌，我想，談論自己是最好的方式。

雖然名為信，實質上看來卻像雜記。不管如何，活著，有些感覺是當下不想遺忘而必須紀錄的。結尾就用開頭的那句話，「無論未來的我會變的如何，我希望能永遠記住自己現在的姿態，還有最初堅持的信念。」。

Crayon Fields - All The Pleasures Of The World

Crayon Fields是來自澳洲墨爾本的Indie-Pop樂團。新專輯〈All The Pleasures Of The World〉延續零六年所發行的〈Animal Bells〉，流暢動人的旋律依舊不減。他們將六零年代的流行樂旋律重新精美包裝，多了幾分優雅莊重的氣質，細緻的譜曲使得優美的旋律甜而不膩，彿然也繼 承了英國本地良好的Indie-Pop傳統，如果沒有事先知道他們的身世背景，還真會以為他們是在地的英國樂隊。

初次聆聽單曲 〈Voice Of Paradise〉馬上就被層層薄美的旋律給吸引住，琴鍵製造出朦朧的氣息搭合時而加入的提琴橋段，呈現出一種夢囈的氛圍，偶然的木琴敲奏點綴出一種親巧 愛憐的美好，然後蘊藏其中的單音吉他聲響給予曲子完美的結尾，在短短兩分鐘中內，聽到的是一種作曲者受到她人美好聲音影響進而內化而出的愛戀歌曲。其實從 這首〈Voice Of Paradise〉也能窺探出〈All The Pleasures Of The World〉整張專輯的音樂調性，這麼近似著美好夢境的愉悅質地。

〈Timeless〉由提琴音開場，以吉他的撥弦為基調，合聲齊唱的副 歌，猶如享受時光消逝的美妙。〈Take Me Where The Light Isn't Cruel〉則是讓我想起The Smiths的〈There Is A Light That Never Goes Out〉，倒不是音樂曲調上的相似，而是一種同樣的浪漫情懷，還有一些歌詞關鍵字上的關聯。

Crayon Fields的音樂適合在秋陽微暖的午後聆聽，再淺嚐著一杯熱咖啡，讓心情緩慢放鬆，在音樂的本質上找到些遺失已久的慰藉，然後發現，我們的耳朵永遠不缺美好的曲調。優美的旋律永遠是心靈最好的養分。

在這裡可以觀看他們在Metro Theatre整場的現場演出。

Crayon Fields - Voice Of Paradise from Geoff O'Connor on Vimeo.

Crayon Fields - 'Mirror Ball' from Geoff O'Connor on Vimeo.

Carsick Cars - You Can Listen , You Can Talk

第一次認識Carsick Cars是在聽見〈中南海〉的時候，那樣只有三句歌詞的簡單旋律一直在腦中徘徊不去，彷彿只要聽個三次，你就能毫不害羞的在街上朗朗上口：「中南海、中南海，抽煙只抽中南海」，再加上電吉他的Feedback聲響更是擊中下懷，有那麼一點承襲著Sonic Youth的音樂風格，卻還留有一點粗糙的未成熟感，在第一張同名專輯聽的到許多即興的興味在裡頭，有時讓人抹不著頭緒，有時也讓人感到新鮮，因為越聽越喜歡，就託朋友網購了CD，後來也在音樂航空站親眼看到了他們現場的演出，想起來，Carsick Cars似乎就這麼打開我對對岸新一代搖滾樂隊的眼界。

今年六月他們出了新專輯《You Can Listen,You Can Talk》，倡導著自由的專輯名稱，也引導出整張專輯所要呈現的主題。封面兩顆大眼睛直直瞪著你，突然想起小說1984裡老大哥的監視，而中間下方的叉叉則像徵著嘴巴的禁閉，有這麼「你正被監視，你無法享受言論自由。」的感覺。一直認為他們歌詞的重要性並不比音樂來得少，在他們批判性的歌詞當中，沒有長篇大論、沒有賣弄詞彙、沒有文藝腔調，這樣的淺顯易懂讓我所體認到的是一種單純的力量鑲嵌在音樂裡頭。

《You Can Listen,You Can Talk》在詞的寫作上雖然聽來比以往含蓄，但卻也更專注在環境與生活的觀察，暗藏的批判性依然未減。在製作人Wharton Tiers(曾幫Sonic Youth、Dinosaur Jr錄音，也是No Wave樂隊Theoretical Girls的鼓手)的加持下，音樂編曲上聽來也成熟許多，Wharton Tiers甚至會親自充當另一位樂手手，在〈一天的盡頭〉幫他們加入另一把吉他的聲音和在〈Invisible Love〉彈鋼琴，使得他們的音樂更加有層次感。

〈他們的一員〉用一貫質疑的精神，在他們使你盲目之前，先撕下謊言者的面具，並在旁告訴你，不要輕易相信他們所說的。〈Invisible Love〉則是表露出Carsick Cars以往所未呈現的情感，相當內斂的，訴說愛的無堅不摧。

經常在對岸電影或社會新聞上所看到的，許多人抱懷希望離鄉背井來到城市，不料卻是另一場夢想的破滅，更多的壓榨、更多的欺瞞，壓的讓人喘不過氣，〈可憐的人〉似乎就在敘述這樣的場景：「他說他也曾經擁有夢，可是他們全都被，這城市淹沒。」，簡單的一段話，如此令人心碎。〈一天的盡頭〉也延續了對城市的批判，暗指焦慮的人心被忙碌的生活所麻痺沒有出口，存在感的喪失成了現代人的一種無名病症。

同名曲〈You Can Listen , You Can Talk〉，無疑是對權力壓迫的強力控訴，文化上的不自由、言論的不自由等，使人如在金屬的牢籠中。張守望反覆的唱著 「You Can Listen , You Can Talk」彷彿激起了人們心中逐漸喪失的反叛因子。

還有不少的英文歌曲讓我一再的想起The Velvet Underground與Sonic Youth的聲音，相似的吉他噪音一直與腦中的記憶重疊，雖然Carsick Cars受到紐約地下音樂這麼大的影響，但絕然不同的是，Carsick Cars音樂所包含的地域性是其他外地樂團所無法取代的，那是永遠站在人民這旁的聲音，也是這時代當下最寶貴的社會紀錄。

A Place to Bury Strangers - Exploding Head

A Place to Bury Strangers前年發行的同名專輯，相信驚艷了不少Shoegaze、噪音搖滾樂迷，他們將極具刺激性的工業化聲響、強悍的吉他噪音牆、金屬音樂高速的節奏感、後龐克低吟的旋律性，甚至是電子節拍全都融合在一體，這樣具有前瞻性的混和無疑讓人感到耳目一新。然而，若要追溯A Place to Bury Strangers為何會有這樣的樣貌，我們必須要提起樂隊的主腦Oliver Ackermann。

Oliver Ackermann原本是美國九零年代中期在弗雷德里克斯堡的Shoegaze樂隊Skywave的一員，在零三年後，他獨自離開樂隊來到布魯克林，創立了手工效果器廠牌Death By Audio，然後組成A Place to Bury Strangers。而Skywave也從此一分為二，其餘兩位團員Paul Baker與 John Fedowitz另起爐灶組成Ceremony。

A Place to Bury Strangers的音樂其實還是保留著Skywave的血液，Skywave雖然深受英倫早期Shoegaze樂隊的影響卻發展出另一種絕然不同的聲音模式，噪音的粒子更為粗糙，彷彿由The Velvet Underground演化，留有一點紐約骯髒的地底氣息，時而炸裂的高音頻率近乎超出人耳所能接受的範圍，如果你喜歡A Place to Bury Strangers相信也可以在Skywave的最後一張專輯《Synthstatic》找到一些聆聽的趣味。

在A Place to Bury Strangers音樂中所聽到絕讚的吉他Tone調，其實都來自於Oliver Ackermann自己創立的效果器廠牌Death By Audio，或許是大學念工業設計系的緣故，他自己繪製設計圖，手工製造效果器，創造出各式各樣的破音效果，無論是訊號回授的使用，還是噪音聲響的控制都受到不少樂團的青睞，像是Nine Inch Nails,、Wilco、U2、甚至是Shoegaze始祖My Bloody Valentine也是使用者之一，當然，用在自己的樂團更是突顯出與眾不同的獨特性。

回到新專輯的正題，《Exploding Head》除了〈In Your Heart〉與〈Exploding Head〉這兩首還留有電子碎拍外，整體減少了上一張專輯的電氣化，曲式更加的後龐克，更加致力於吉他噪音的堆疊，聆聽《Exploding Head》宛如感受兩塊金屬快速強力撞擊，在腦中摩擦出無以名狀的花火。

〈Deadbeat〉的噪音如同狂潮侵蝕著心裡的堅石，相當具有毀滅性，副歌的橋段Oliver Ackermann低吟的嗓音突然提高聲調開始呼喊，Bass Line尤其讓人印象深刻。〈Ego Death〉工業化的鼓擊配上不斷上升的高頻噪音，末段的聲響聽來像是警報器的嗚鳴，挑戰耳神經的能耐。

而〈Smile When You Smile〉的鼓擊節奏讓我想起My Bloody Valentine的名曲〈You Made Me Realize〉，仔細對照後相似度十分的高，在此不得不提到上一專輯〈Missing You〉的吉他Riff與Slowdive一首未在專輯發表的曲目〈Joy〉也是十分的相似，這或許也算是一種另類的致敬方式吧。

最後的〈I Lived My Life to Stand in the Shadow of Your Heart〉相當深得我心，除了易記的旋律性外，它也表達出A Place to Bury Strangers的黑暗意念，末段不斷變化的噪音橋段更是一絕，此時，你覺得音響好像欲被炸開，只留下嗡嗡不絕的白色噪音回盪在名為孤寂的房間內。

A Place to Bury Strangers的音樂始終在耳中破壞掉了什麼，卻也彌補了心裡不得外顯的激進與狂噪。

A PLACE TO BURY STRANGER - I've Lived My Life to Stand in the Shadow of Your Heart from △▼△▼△ on Vimeo.

Day Is Done

When the day is done
Down to earth then sinks the sun
Along with everything that was lost and won


站在頂樓，他親眼看著一天是怎麼樣結束的。午夜接近時，週遭變得比原本的夜色更加暗沉許多，空氣凝著一股不帶好意的涼意，往高樓下望，城市比想像中來得燈火通明。即使今日即將結束，城市依舊沒有被限制在結束的規則裡，繼續以另一種與日不同的時間方式平行前進。深夜無形發展出善與惡的邊形，利益核心內的罪惡開始被繁衍，腐敗緩慢蠧食人心，但另一方面卻是完美的浪漫、睡眠的善向、人們性與愛的交織和分離。

今天，他知道自己並不屬於善惡二元的任何一方，而是以一個旁觀者的身分處在灰色地帶，不跟朋友廝混、不和女友做愛、不做任何事、不成為任何人、不成為他自 己，像是一個無處可歸的幽靈遠望著人類，感嘆著已失去的慾望。他總是渴望不被人們歸類，成為不是一個那麼好的人，也不是那麼壞的一個人，每一天，就這樣走在路邊抽著煙，站在頂樓抽著煙，偶爾往天空瞭望，尋找一種前往藍色的方式。

「日子還是一樣，今天也是一樣，明天依舊，有沒有人會珍惜一天的結束呢？有沒有人知道一天結束時的樣子呢？」他心裡想。想起，一年的最後一天才是多數人們 會記得日子結束的樣子，歡呼、吆喝、煙火齊放，巨型電視牆倒數著數字，那些集體的記憶在腦中撥放著自己歲數的次數，而今天，似乎什麼都沒有發生，忙碌且疲 憊的人們近乎沒有知覺的橫跨過午夜。期待明天會更好的正確意識，遺忘掉今日與明日的界線，一切就這樣使得時間過去，然後消逝。他心裡覺得有那麼一些悲泊。

隔天，我和他在文學院的走廊上聊著，最後，他這麼對我說：「在一天結束的瞬間，所有事物都老了一點，一點點的，那些事物也終將面臨結束的宿命，包括生命。」，說完便拿起木吉他彈了一首曲子，指法是我所沒見過的，他指間流利的在琴弦間來回彈撥，清脆有力的琴音卻帶著憂鬱斑駁的色彩，很深沉的。我想，二十一 歲的我一輩子也忘不了這樣令人醉心的旋律。

五年後，他離開了人世。他在離世前寄了一封信給我，信裡只有一張用油墨寫上吉他指法的紙張，我好奇的照著上面的指法彈奏，五年前的記憶頓時湧上心頭，跟那 時聽到的曲子是一樣的旋律，不過這首曲子並沒有被取名，也沒有填詞，我想起那時他講述對日子結束的感受，笨拙的替這首曲子填上詞，並把歌名取作〈Day Is Done〉。

Memory Tapes – Seek Magic

Memory Tapes是來自紐澤西的Dayve Hawk個人的電子音樂計畫，他將先前的Project分別是Weird Tapes與Memory Cassette做了曲風折衷的合併，各取其中精華而成Memory Tapes。Dayve Hawk從九歲就開始學習打鼓，十四歲開始錄製音樂，對音樂的啟蒙可以說相當的早，後來也組成了New Wave、Post-Punk樂隊Hail Social，還曾被Cocteau Twins受邀合作，幫許多樂隊製作混音，諸如Yeah Yeah Yeahs、Peter Bjorn and John等。

《Seek Magic》這張專輯的先行單曲〈Bicycle〉其實就相當的引人注目，除了舞曲節拍、夢囈的女聲，曲子後頭New Order式電子吉他獨奏，那種剔透的tone調，彷彿是每個人共同的記憶，猶如回憶的老舊音帶在腦中倒帶至80年代，再一次的撥放。

〈Green Knight〉也是相當好聽的一首單曲，Bass Line與鼓的節拍平緩的展開，夢境的環境音效包覆女聲，旋律的情感帶點雨後愁思相當到味，聽完很難不留下深刻的印象。

Memory Tapes的音樂聽來像是Dream-Pop和Electronic、Dance Music的聯姻，也有人就此形容為Dreamwave這樣的新興名詞。Dayve Hawk曾說他小時候常常處在一種夢遊的狀態，不斷的繞著圈子走，想像這個世界是如何運轉的，直到幾個小時被人叫醒才恢復神智，對於他個人奇妙的特質，也不難想音樂聽來是如此令人想在白日夢遊。

第七首〈Plain Material〉的編曲我相當喜歡，一開始先是有點低傳真質感的電吉他刷奏，朦朧的男聲，然後加入電子節拍、可愛的女聲、粗噪粒子的合聲，每一個音軌層層的疊上來，整首歌像是在歌誦一則還未醒來的美夢，最後Outtro又回到第一軌的電吉他淡出，實在美好的一首歌。

CD2的Bonus Track是長達20分鐘無人聲的〈Treeship〉。斷碎的拍子，一些環境音效的段落，感覺像是在美術館撥放的實驗短片，有點飄邈無際。時而晶瑩，時而沉重，宛如剪下不同音帶再重新接合，最後製成如同Memory Tapes這樣的名稱，一捲回憶的錄音帶，那不只是一次片段的回憶，而是有生以來整體的回憶。

可以在他的官方Blog下載到一些他以前所發行的EP和Remix。

秋橋

窗外的風透進來，微涼的，難道我們不知道，秋天正以它的形式透過每個人的身後。



想領略秋風的心作祟，一個人走上往高架橋的階梯，無數的酒瓶碎片散落在一層層的梯面，一輛廢棄的摩托車靠在一旁，失去它原有的形體，裸露出機件的多色線條，像一個洩了氣的劇作家扛著悲劇的重量呆坐著，暗聲哭泣。橋上，車輛飛快的從眼前消逝，每一個人在速度中專注前方的視線，而我，是被模糊的色塊，不被任何人所看清。遠方是另一座橋，堅毅不搖的聳立在他處。我望著兩座被河水分區的城市，正以橋的方式，無聲的溝通著。

回家看了李歐‧卡霍的《新橋戀人》。他橫倒在黑夜的路中被車輾傷了腿，偶然的，她途經記憶起他的樣貌，繪畫成圖。在髒壞的新橋上，兩個人再度相遇，他迷戀上為她描繪的她，孤獨中，彼此尋找一種愛情的可能，成了一對在巴黎街頭的頹喪戀人，而新橋則是他們裝載新興愛情的居所空間。

他們在橋上，哼著歌、隨著煙火聲在橋邊跳著誇耀的舞步、對空胡亂鳴槍、跳入橋下的河水，狂放的愛情本質在其中表露無疑。

他從嘴中吐出的火焰，猶如愛情的炙熱，近乎要灼傷她殘疾的眼。但，即使她殘盲，他還是會堅決的成為她的依靠、成為她在這世界的嚮導。他寧願失去所有，也不願意失去她。這樣一無所有的愛情狀態，呈現出另一種極為異質美麗的面向。

電影最後，他抱著她落入冬季的河水，以為是殉情式的結局，但看著兩人游出水面搭上渡船，畫面短暫停留在他們竊喜的臉上，隱喻著兩人愛情的接續，看的心裡有著某種被圓滿的幸福感。

Juliette Binoche也就是這部《新橋戀人》的女主角，她所飾演過的電影，無論是奇士勞斯基的《藍色情挑》，還是路易．馬盧的《烈火情人》等，好像沒有一部不喜歡的。總覺得，她詮釋角色的方式，始終有一種致命的魅力

。

電影結束，我放著Damien Rice的專輯O，音樂好像與心情莫名的契合。關於愛情的音樂，或許聽了很多，但這時候，可能沒有其他比這張專輯更適合了。此時，我正吸入秋季合宜不黏膩的空氣，想著另一段在橋上的故事。

Mount Eerie - Wind's Poem

Mount Eerie是Phil Elverum繼The Microphones後的另一項音樂計畫。我一直認為Phil Elverum有著多重的身分，他可以是個實驗不倦的低傳真民謠歌手、捕捉美好影像的浪遊者、也可以是善於寫意自然景象的詩人。在他的音樂中找到的是一種最原始的成分，猶如人與自然之間的情感亦或兩者之間的對抗，停留在他眼前的群山巒谷都成了一段詞，而吹拂而過的風則演化成他音樂中小至低吟大至喧囂的旋律。

近年，Phil Elverum受到一些黑金屬音樂的影響(諸如Burzum、Xasthur)，嘗試想創作一些更沉重更吵雜的歌曲，於是這樣的元素進而促成《Wind's Poem》這張專輯的音樂概念，但我想《Wind's Poem》並不是一張完全的黑金屬音樂，而是藉由噪音與黑暗來完整表達出「風」這個自然狀態的意念，從第一首〈Wind's Dark Poem〉就能聽出重型的音牆如狂潮來襲，宛如颶風襲捲而過，但去除了黯黑的那層噪音外皮，我們聽到的依然還是Phil Elverum一貫低鬱寡歡的民謠唱作方式。

聽著〈Through The Trees〉就像受到神秘事物的吸引而穿越古老的黑色森林，Drone的聲響貫串整首長達十一分鐘的歌曲，營造出黑暗詭譎的霧氣氛圍。在沉靜的〈My Heart Is Not At Peace〉後〈The Hidden Stone〉又是一陣裂鼓闢天的巨響。不得不說《Wind's Poem》相當著重在環境的聲響上，在幾首沉靜的歌曲後面接續吵雜的歌曲，徹底將對「風」時而微弱時而劇烈的感受表現在音樂上。

相當喜歡〈Between Two Mysteries〉與〈Stone's Ode〉這兩首民謠小調，低緩訴說這些什麼，又不得從中而解，平實不華的旋律縈繞耳際，亙古的，我們搭上小舟漂流河川跟隨著旅人哼唱。而〈Lost Wisdom pt. 2〉藉由激烈鼓擊所表露出的沉痛，不斷在黑夜的盡頭潰擊在心上，如同一個人站在孤寂的荒郊外沒有歸處。

當他解讀風的狂語與低語，轉述後，我們聆聽到的則是一種自然狀態與生俱來的憤怒和和諧，一股永不肯妥協的力量。我想，《Wind's Poem》或許是Phil Elverum繼The Microphones的《The Glow Pt. 2》後最好也是最具概念的作品。

Velvet

後來，我只能在夢裡才能見上妳一面，但也只是夢裡的偶然，無論在睡前如何的思念妳，夢也不會虛化的建構出妳的意像，因為夢是另一種現實，時間與命運依舊仿造現實世界的樣子在其中運行，不過夢著實的拋除與現實世界的關聯，所有在夢境中人與人的關係都是趨向自己的意識而後再造，也因如此，我才能在沒有過去記憶的包袱下和妳說上一句話；能再觸碰到妳那件藍色的絲絨外套。

手輕柔撫過絲絨綿密的質感，猶如妳白皙的肌膚，我說：「妳是我遇過最好的女孩。」，妳看著我微微的笑了。心裡懊悔著，我從沒在現實和她說過這句話，在夢中，即使那個她不會是她，或許補償心態作祟，或許於事無補，我還是希望她能知道這句話是真實的。　

妳是我腦中無法排解的毒藥，我過著不能不想起妳的日子，種種的回憶使我意志消沉，讓我急於毀滅自己的存在。我的愛情到妳身上就是終點，而後對愛的感覺就像是被掩埋、被焚燒，消失無蹤，如此致命，如此悲劇。

我的手臂被妳抓緊，妳說妳害怕醒來後就要分開。如果可以，我也不想就此清醒，回到現實過著苦痛的生活，但我們怎麼能與身體的規律性作對抗；又怎麼能與現實的皈依性作對抗。所有的夢都會結束、所有美好的一切終究消逝、所有愛情都將趨往分離，最後這是我們共同的體認。

妳曾說妳再也不相信愛情，我反駁，那這個世界又有什麼值得相信的嗎。但在妳離開後，我漸漸能理解妳對愛情的不信任，因為我也對愛情開始感到茫然。這一生，愛情的故事，來了又去，對情慾的渴望被埋蓋在夢中最深層的無人地帶。在一切結束之後，我終會想起妳與妳藍色的絲絨外套。

The Big Pink - Velvet from rob hawkins on Vimeo.

Seen it in my head, burning my heart
Seen it in my past, back in my home
Doesn't make sense, see her again
I don't, know
I felt it for some time, ever not at all
Poison in my head, gun love hurts
I'm not looking for love, but it's hard to resist
I don't recall, me and mistakes

She's the only one, that's the best I've had
I found her in a dream, looking for me
This heart's on fire, I'll bring myself
Up to the force, down again

These arms are mine
Don't matter who they hold
So should i maybe, Just leave love alone
You call out my name, for the love you need
Which you won't find in me

These arms are mine
Don't matter who they hold
You're made for me, and i'll leave love alone
you call out my name for the love you need
Which you won't find in me

Seen it in my head, burning my heart
I found her in a dream, looking for me
Doesn't make sense, see her again
I don't, know

I can see the end, of what I've become
A tale of a love, come and gone
But now my love, no promises
I won't go, falling in love

jj - jj n° 2

我們迷戀著夏季的沙灘，於潮汐的來回間愉悅跨步，隨著心跳的韻律慢舞，拍打光耀如亮片般的海水。在瑞典新興Indie-Pop團體jj的音樂中聽見一種獨特的仲夏海風氛圍，他們的第一張專輯《jj n° 2》在The Tough Alliance所創立的瑞典獨立電子音樂廠牌Sincerely Yours下發行，個人很喜歡的Air France也同屬在這廠牌旗下。

《jj n° 2》結合了Balearic beat、Indie – Pop輕鬆悅耳的旋律、電子音效呈現出一首首動聽的流行曲，只要聽過一次就能輕易入耳，讓人一聽再聽，彷如對藥物著迷般的上癮。第一首〈Things Will Never Be The Same Again〉電子弦樂的開場加上輕柔的女聲吟唱相信當下就吸引不少人的耳朵。聽著〈From Africa to Málaga〉像是要展開一次艷陽下的航行，不管世間所有事物都會凋零的可能性，活在陽光當下才是唯一的真理。

〈Ecstasy〉取樣饒舌歌手Lil Wayne的歌曲〈Lollipop〉，在歌詞中清楚描繪出服用藥物的情境，迷離神游的歌聲與聲效，讓人深陷幻境其中無法自拔。〈Are You Still in Vallda?〉與〈My Love〉則是一段夏日戀情的組曲，在透明輕盈的電子節拍中，體會愛情的甜蜜與微酸，也教人想起Beach House的音樂，而〈Intermezzo〉這一段演奏曲，其中取樣的笑聲、吉他、節奏、鼓拍、可以窺探出他們音樂架構的原始面貌。

〈My Hopes and Dreams〉或許是整張專輯最失意的歌曲，在木吉他的刷奏下講述一個人在街上找不到別人分享他的希望以及夢想的故事。到了最後一首〈Me & Dean〉他們褪去所有的電子節拍，純粹使用原音的木吉他譜曲，吟唱一樣美好的旋律向每個朋友道別。

《jj n° 2》整張專輯總長度雖然不到三十分鐘，但整體性卻相當飽滿，沒有一首歌不動聽，配合著夏季的環境聆聽更加應景。如果這個夏天還找不到符合心情的悅耳旋律，聆聽來自瑞典的jj肯定是最佳首選。

In the Course of Time

騎著車往北方，我不知道要到哪裡去，也不會有人知道。淡藍的天際是眼前不變的景象，將油門把轉到底，風與自己產生的摩擦漸漸加大，呼嘯著，好似有聲音在我耳邊說著「往那裡去，往這裡去。」。

「你在尋找什麼?」，我不停的問自己，彷彿我遺失不少重要且非物質的東西。譬如：遺失一些對愛的知覺、遺失一種面對人的表達能力、遺失對自己所犯過錯的省思、遺失一次童年在北海岸的記憶等，多到難以數記。在人生結束之前，我永遠無法完整列出一份遺失清單，遺失的太多，這一輩子就成為一個追尋者，不斷嘗試著把失去的東西找回來。有時候會想，我們失去越多，是不是對悲痛的感覺也就由敏銳轉而釋然呢，最後放棄了追尋，因為體認到那些東西會從身邊消失無蹤，或許也是一種命運的必然性。

車速越快，就越會去思考一些與摸不著現實邊際的事，也會突然想起一首歌的旋律然後很自然的哼出來。可能是New Order的60 Miles an Hour，亦有可能是Yo La Tengo版的Speeding Motorcycle，哼著哼著，心情也就跟著愉悅起來。到頭來會覺得，用思考走出腦中的迷宮後好像也無濟於事，因為腦內革命離外在行為的實現還有一段距離，而這段距離往往比想像中的還要遙遠。　

沉溺在速度中，時間彷彿沒有前進，沒有後退，直到速度停止的那一秒，時間跨越了進程，直接抵達現在的時間點。我想起溫德斯的電影《Kings of the Road》，原片名是《Im Lauf der Zeit》翻作時間的進程(In the course of Time) 。一個開車衝進河床企圖自殺的男人偶然遇到一個電影院維修師，他們在東西德的邊界處浪跡各個電影院。一開始兩個人的語言是斷裂的，句句對白不對稱的出現，唯有的關聯是兩人內心同屬的寂寞，直到在一所學校維修設備時意外合作演出一段默劇，這樣的默契才使得兩個人的關係趨於密切。由陌生人的關係轉化為朋友，我一直認為是人與人之間最難能可貴也是最奇妙的事。在溫德斯的鏡頭下，看的到一種以人為主體來紀錄時間行進所帶來的關係，以及一種對生命的真誠。

整部電影隨著時間的推移，人們起先相遇然後分離，遺失過去而後追尋對愛的渴望，片中灰階的影像在腦中展開，途經道路的線條蜿蜒著思緒，配樂情感無限離愁。在影像中，我找到屬於自己的關聯，想起與朋友在公路旅行時所途經的景色，陽光透過繁葉零星不斷的在身上灑落光的碎片，夏風吹拂雙頰涼透心裡，最後我們抵達終點，然後離別，我明白，那其實不是感傷，而是比感傷還要再深一層的情感。








Speeding motorcycle
wont you change me
in a world of funny changes
speeding motorcycle
wont you change me

speeding motorcycle
of my heart
speeding motorcycle
always changing me
speeding motorcycle
dont you drive wrecklessly
speeding motorcycle
of my heart

many girls have taken you out for a ride, hurt you deep inside but you never slowed down

speeding motorcycle
of my heart
speeding motorcycle
lets be smart
because we dont want a wreck
we can do alot of tricks
we dont have to break our legs
to get our kicks
speeding motorcycle
the road is ours
speeding motorcycle
lets speed some more

because we dont need reason and we dont need logic because we got feelin' and were damn proud of it

speeding motorcycle
theres nothing you can do
speeding motorcycle
i love you
speeding motorcycle
lets just go
speeding motorcycle
lets go, lets go, lets go

The Radio Dept. Live @ Music Terminals

我們無法保留聲音的進行，能留有的只有自己對聲音的回憶。

第一次聽見Radio Dept.是在高中即將結束的日子，那段時間一直享受著《Lesser Matters》這張專輯中白色霧氣化的氛圍，舒適無重力的音場，輕柔的若似可觸及雲層的紋理，一瞬間，尤能呼吸到北國潔淨冷冽的空氣。或許他們音樂的美好也不需要過多的形容詞去闡述，因為自己的耳朵始終才是真實感受的依據。

四年後的今天，也沒有想到可以在這裡親耳聆聽他們的現場。一位也相當喜愛他們的朋友(我都稱她是Radio Dept.的頭號粉絲)很用心的作了一張長形的海報，上面寫著”Keen ♥n the Radio Dept.”取材自歌曲〈Keen on Boys〉，真的超級超用心。8/1時一夥人起個大早就浩浩蕩蕩開著車去機場迎接他們，等了一段時間，他們出境後也很親切的幫大家簽名合照，不過看的出他們似乎有些疲憊。

隔天下午到達Music Terminals現場就直接在第一舞台等候他們的演出。他們出場後可能有點不太習慣這麼炙熱的烈陽照射在身上，多少顯得有些不自在(認為他們表演最好的時間點是在黃昏)，音控似乎也有點問題，不過演出時他們還是相當專注在演奏上。鍵盤、兩把吉他、鼓機，這三樣簡單的編製開始重組我們記憶中的聲音。朋友說音場不是說很好，每樣樂器的聲音都摻糊在一起，但我自己卻不在意那麼多了，後來想想，他們的音樂就是要有點失焦糊霧的質感才好聽啊，雖然這樣講會讓人感到牽強。

聽到熟悉的鼓機節奏，便知道是我最喜愛的一首B-Side歌曲〈Pulling Our Weight〉，這時望著澄藍的天空，一切都失去重力，心也跟著漂浮起來。或許他們的現場沒有真實鼓擊的生命力道，但我一向認為鼓機節奏是Indie–Pop音樂中不可或缺的元素，有些機械呆版，傻裡傻氣，卻也是這種節奏可愛的地方。

沉浸在音樂中，時間總是不經意的悄悄溜走，最後一首是Pet Grief專輯裡唯一能讓我重複播放一整天的〈The Worst Taste In Music〉，這首歌摻雜了些個人的情緒，除去哀愁之外是另一股感動暫留心底，想著，美好的聲音在耳際結束後，又有什麼是永續存在於自己當中的。回憶之外，好像也沒有什麼能夠掌握的了。

一路上，我們聽著《Lesser Matters》哼著每一首旋律。街燈一桿又一桿迅速移動，失去距離，景象定格成幻燈片，抽換著。我永遠不想忘記現在這個時刻，心裡這麼說。

The Exploding Boy – Afterglow

The Exploding Boy發跡於瑞典的斯德哥爾摩，取名自The Cure在《The Head on the Door》時期的B-Side歌曲，明顯可見他們對The Cure音樂的喜愛，也多次在表演場合翻唱不少The Cure的經典歌曲朝這班傳奇樂隊致敬，由此輕易明瞭，The Exploding Boy的音樂風格受到七零年代後期Post -Punk以及八零年代New Wave極大的影響，聽來也叫人想起在後龐克復興風潮中大放異彩的Interpol。

團員Johan和Stefan 促成了The Exploding Boy雙主唱的編制，使得歌曲更富有相輔相成的變化性。《Afterglow》 與07年發行的同名專輯相較起來成熟許多，無論在旋律性或是歌曲的辨識度上都有很大幅度的進步。在〈40 Days〉中我們聽見的是Johan較為低沉抑鬱的嗓音，彷若跟隨著Joy Division黑暗的步伐，緊湊的節奏牢牢揪著心不放，後龐克式的電吉他大塊刷奏令人爽快，而〈London〉則輪到嗓音較為高亢的Stefan來詮釋，由低音的韻律開場，引出合成器鍵盤、電吉他、木吉他，逐一堆疊出層次，算得上在後龐克樂隊中少見的編曲方式。

〈Heart Of Glass〉悄悄仿造起New Order的合成器聲響與鼓機節奏，成為專輯中少數的電氣搖滾佳作。〈See You〉則是以木吉他為主旋律的慢板歌曲，配上鍵盤合成聲的弦樂質感，多少有些慘情的味道。〈What You Want To〉延續著〈See You〉的慢板曲調，反覆吟唱副歌黯淡的旋律線，這兩首慢歌也成為專輯的中繼點。

單點的鼓擊與低緩的吉他單音拖曳出〈Let The Right One In〉中深絕的吶喊，使得壓抑已久的情緒得以釋放，曲末由琴聲所化下的句點，頗留有深長的餘韻。最後一首無人聲的〈Explodera Mig〉，好似一種無聲的嘆息，寂寥如獨自一人在黑暗行走。

與英美的後龐克復興相比，瑞典的後龐克樂隊有著絕然不同的氣質，在音樂性上彷彿更加精緻、多元，旋律的悅耳程度也相當的高，聽著The Exploding Boy或許我們可以試著期待瑞典下一波後龐克復興的開始。

The Exploding Boy - 40 Days from Ultra Chrome on Vimeo.

Sun Kil Moon – April

Red House Painters解散後，主唱Mark Kozelek偕同鼓手Anthony Koutsos與另兩名新成員Tim Mooney和Geoff Stanfield一同組成Sun Kil Moon。Sun Kil Moon以Mark Kozelek為主要創作核心，也可稱上Mark Kozelek個人的一項音樂計畫，延續著Red House Painters些許緩慢哀愁的調性，以民謠為基調譜出長篇幅的歌曲。

08年發行的April為他們的第三張專輯。初次聆聽時著實的就被第一首《Lost Verses》給吸引住，有那麼一段時間就只重複聽著這首，並把其餘的曲目先擱在一旁。《Lost Verses》有著一種恬淡的力量，你可以說聽起來像是一陣四月的涼風吹拂在臉頰那樣的清爽舒適。

在歌詞的書寫上，Mark Kozelek以鬼魂為視點來俯瞰世間景物，他留戀著在世所愛的人及老友，想與他們對話，但又找不到確切能夠溝通的方法，即使距離只有一步之遙，他們還是無法感受到他身為鬼魂的存在，最後只能寫下這些詞句，迷失在天際與海潮之間，歌曲末段突來的電吉他變奏，灰階般的聲響，彷彿是個永不結束的句點，《Lost Verses》有著那麼一點悲淒，卻也表露出情感的真摯。

整張專輯聽來緩慢鬱懷，包裹著詩的韻律，Mark Kozelek低緩的聲線使得歌曲聽來如同吟詠詩詞一般，我們搭配著歌詞聆聽便能發現一種獨特的詩體結構在耳朵展開，專輯中所描述的景色、故事、人物大多殘留傷感，在聽完第八首的《Tonight The Sky》後，心想，這或許是April這張專輯最動人的一首歌，不同於其他歌曲的黯然低迴，《Tonight The Sky》更多是外放出的情緒，副歌結束後，電吉他不斷蜿蜒的顫卻聲響，爾後一段凌亂的吉他單音又回歸主旋律，令人感到絕妙。長達十分鐘的歌曲聽來卻毫不冗長，因為你早已浸入平淡旋律其中，遺忘時間的存在。

有時候會想，自己為什麼會喜歡上這樣的音樂，可能是音樂本身與我內心有相似的東西，以致於互相契合，在Sun Kil Moon音樂中所找到的孤寂情感，好似在我內心不斷被無限放大，最後，那些負面情緒甚至大的讓我看不清自己的存在。



Sun Kil Moon – Lost Verses

I came out from under her warm sheets
Into the brisk late October
If only for one last hope
I wanted my time with you to be over

I m staring up into the sky
While all the raining is pouring down
I m reaching out for your help
But evil beings hold me backwards

All shapes and shadows move in and out
And hover round my bed
Voices arrive and disappear
I want to talk to them

Darkness disintegrates
I m rising; I m rising toward a light
A light leading over hills and meadows

I ve risen up from the dead
With the burning leaves of autumn
If only for one last chance
That all of whom have been defeated
To put on my father s wool coat
To smell my mother s fragrances and perfumes
To find my young brothers and sisters
To never leave or let them go

Houses adorned so beautifully
The Marin headlands song
Lost verses well up my eyes and ears
The lone mandolin strums
On Tamalpais warm spring
The many places we
Lay down in sleepy hidden shadows

I see you well and clear
Deep in the moonlight dear
Your radiant august eyes
They are the suns that rise
They are the light that blinds
They end these lost verses

I came up from under the ocean
Evaporated sea salt water
A mist above the skyline
I haunt the streets of San Francisco
Watch over loved ones and old friends
I see them trough their living room windows
Shaken by fear and worries
I want them to know how I love them so
Foghorns would sound in waking
Is it my voice you hear?
Footsteps are moving across the floor
And you know I m here
The afternoon carries up from the hills and you are well and near
To fall into the light I follow

I feel oh so near
When morning doves appear
And ghosts of April ring
Echo the refrain
Soon finding a place
In these lost verses

They fill the foggy day
They hide the hills away
That steal our time
They are the picturesque night
The casting city lights
On the bay flowing into the ocean glowing



Sun Kil Moon –Tonight the Sky

Her head lay back in blankets soft white down
Her hair warm Autumn colours, floating
Our days were classroom poems, true young love
some nights we roar like lions, some we coo like doves

I left her long ago one summer, chasing dreams
I hummed good sweet explosions? sweet nothings
I broke her heart not knowing she'd return
And graven scars deep in me, forever

I hear my sleeping sister
In the early morning hours
I hear her though it's silent
Standing over me now

Tonight the skies
Will open for you
Mountains and big clouds
Divide us in two

She fell into his arms, his sweet strong kiss
she made her perfect gardens in this?
World that turned its back, shook things round
In time it took our loving sister down

I met my fallen Angel one last time
I promised always through me she would shine
I held her hands, I sunk into her heart
Til powers unrelenting, pulled us apart

I saw my sleeping sister
Rising toward a light
A mist above the skyline
On that neverending night

Tonight bright stars
Are shining for you
Oceans and full moons
Deep midnight blue

I woke up every morning
Not believing her to be gone
Outside the doves and sparrows
Carried on

Building now so sweetly
settled into spring
Outside the kids in their yards
Laughing ?

I loved you like no other
Your eyes I can't erase
Your voice it wakes me always
Pouring down from space

Like warm sun rays
You're turning into
wind sails on cool bays
I'm watching for you

Tonight the skies
Are open for you
Mountains and big clouds
Dividing in two

停車 – 入夜後，城市的無法預期

在車水馬龍的現代都會叢林中，我們總缺少不了交通工具的運載，對於自己開車的人來說，「停車」一直是一個令駕駛人困擾的問題。開車除了要思考路線的行進外，有沒有能將車停放的空間，或是如何來停放，這都得考驗駕駛的洞察力與耐心，但如果缺少運氣，找不著車位，情急下就會抱著姑且暫停的心態，產生出並排停車的情況。而被並排停車這樣的窘況也成了《停車》這部片構想的出發點，導演鍾孟宏以停車為事件開端觸發出各種城市底下不為人知的生活故事。

母親節這天，故事主角陳莫原本只是想買個蛋糕回去給妻子小鎂，不料卻在老舊的房棟前遇到並排停車而進出不得，這時候我們可以觀察到一個很奇妙的情況，一個軀體不受束縛的人，居然被自己所擁有的財產(車)給困在一個街道的空間當中，這象徵著一個中產階級往往被自己的財產給束縛住，這種不得自由的情況雖然自身很難察覺，但卻常常出現在我們的生活中。

陳莫當務之急必須找出並排停車的人，卻意外遇到爺爺、奶奶與妮妮這個小女孩，奶奶誤認陳莫為已被槍決的兒子小馬便邀他一同吃飯，陳莫在聽到這一家背後的故事後，心有不忍就充當起小馬的身分，但這樣的憐憫卻也招致後來事件的發生。他的運氣總是那麼差的，並排的車換了又換，在他回到車旁的時間點都不剛好是並排車要離開的時間點。一個平常守規矩，安穩過日子的中產年輕人就這樣在路旁悄悄進入夜裡危險的城市生活，開始遇到他平常絕不會碰到的各種隱藏在社會角落的人物，缺了一隻手的理髮師父、皮條客、大陸來的賣淫女子、黑道老大、欠債的香港裁縫師、想開噴射機的計程車司機等。

導演鍾孟宏以「停車」為原點製造出連續不斷的事件巧合，將這些原本不相識的陌生人們串一起，以編劇的鋪陳看來可以說是相當流暢，彷彿這一切都像真實所存在的機緣一般發生。當中也以現在與過去的時間交替，片段說出每一個人物背後的故事。片中除了黑色調以及影子的影像運用外，也參雜許多黑色電影的元素。黑色幽默的譏諷無一不在劇中出現，像是坐到蛋糕、掉到馬桶的魚頭等情節無一不讓人暗自發笑。

故事回到陳莫與小鎂這對夫妻身上。他們一直想要有個孩子，但不孕的情況一直無法獲得解決，兩方的不滿情緒在醫師陳述必須接受人工受孕的事實下終於爆發。除了講述不孕夫婦的憂慮外也體現出城市人們一種焦慮不堪的狀況，但很剛好的因為「停車」所產生的機緣，陳莫遇到了沒有父母的妮妮，在奶奶的托付下，陳莫意外的有了一個陌生的孩子，這也是導演在黑色調的劇情外所添加的溫暖。

最後，小馬給妮妮的那封信，是我覺得整部片最令人省思的部分，信中寫道「人生有許多轉角，是我們無法所預期的。」、「未來妳會碰到很多很多挫折，也許妳會哭，但是記得最後，妳還是要不停的往前走。」就像陳莫遇到一連串倒楣的事，就像我們現實生活所要面對無法預期的未來那樣，無論如何艱難困苦，我們都得往前走不是嗎。

接近片尾的配樂相當點題的用了Smog的I Was a Stranger，我們就這樣融入《停車》在黑夜道路流動的影像情境中。入夜後，開著車在承德路上，街燈點點流逝，我們看著那些陌生人的臉孔，猜想他們背後的故事。

無愛

愛的感知由心輕緩卸下
人們群體
將朝靜止的時間流逝消散

望著
一片過於吵雜的黑暗
一片少於幽靜的光亮
無限斑駁的色域
慾念與愛重疊一體
渴望分離

我們不再為愛
傷害彼此內心隨即崩解的脆弱
形式上，另一種
生命無法負載的超荷

我們不再用身體
填補彼此百般寂寥的空洞
形式上，另一種
歡愉須臾之後的敗滅

即便
微小如粒子般的愛的慾念
也使得記憶瀕臨毀壞的終點
如同底片曝光瞬間
回憶
致命消除在極度明亮的色彩維度當中

Journal For Plague Lovers

當眼前的一切皆屬虛無，我們生存的核心價值到底是什麼。生活像是被禁錮在橫躺的8，在無限的輪迴中迷失自我，社會像是一根銅鏽鐵針，扎在手掌心上，使得雙手鮮血淋漓，猶如犯罪者，一開始的痛覺是巨大，爾後是麻痺。我看著令人恨之入骨的景象，卻失去發出抗議聲音的權利，沉默，成為一種難以剝離自身的罪惡。

無政府主義者朝我臉上一記右勾拳，又一記左勾拳，牙齒脫落，臉上浮腫瘀血，照著鏡子，五官彷彿遭受洗牌移位一般，我已無法辨識我究竟是誰，有那麼一瞬間，我開始懷疑我就是那個揮拳的無政府者主義者。你問我有沒有聽過Sex Pistols，我說：「那是什麼」，你說：「他們的音樂是一種思想止痛劑。」，「思想止痛劑？哦不，請給我真正的解藥。」，「你知道嗎，痛苦已經全面侵蝕到我思想的脊髓裡，你能體會那種形而上的痛嗎，你能嗎？」

請將罪惡從我身上洗淨，你說能還我一個純淨的軀殼，但我要的是純淨的靈魂，我必須停止禱告、停止祈禱、停止信仰，反對你。我不相信你口中的是非，因為你的世界是顛倒。我不聽你口中的慰藉，因為你善於訴說無聲的謊言。如果有一天我沉浸於死亡，你還會給我寬恕嗎，你還會保有一點仁慈嗎。

她是有著白色羽翼的天使，你沒有能對她行使暴力的權利，她的神聖將會使你無地自容，請終結你的惡行，終結你的暴力，在道德沉淪之前，你還尚有一絲被救贖的希望，如果你的信仰不是一則謊言。上天給我的食物，我無法嚥下任何一口，因為我早已失去飢餓的感知，消瘦過後，感覺每一個步伐都能輕盈踏上雲端，無重力、無束縛，像是在嘲笑地心引力的發現一般。

當那扇門關起時，自私的你可知道我的孤獨正緩慢吞噬著宇宙。我記憶中的黑暗角落，暗藏著你擁抱過後的背叛情節，那些歷歷在目虛偽、偽善的畫面，令人作噁。這不該是什麼是錯的，而是什麼是對的，在生命和陽光的浮耀下請給我一個不容置疑的真理，在所有虛無一切的黑暗背後請給我確切的真理。

我的朋友，我知道你心中還留有愛，只不過，你身上所背負著的一切使你過於疲憊。你累了，我知道你準備離我們而去，去哪裡，我只知道不會是天堂與地獄的任何一處。該說晚安，該說再見，或許你現在已找到屬於自己的真理，在那個虛無不存在的世界，而我們將會永遠想念你。



※此篇文章獻給Richey James

Felt - The Stagnant Pool

我們的愛情如同窪地的一攤死水，無法流動他處，任由死亡的攪動滋生其中。


往攪動化作的漩渦內部望去，我的臉快速在水面曲扭不成形，一圈又一層的旋轉，哪裡是起點，哪裡又是終點，已無法分辨兩者的順序性。我想起，為何生命的新生會是起點，死亡的到來就會是終點呢，難到生命光譜停止運轉後就不能算是一個新的開始嗎，象徵著再一次的重生這般。

聽著Felt的The Stagnant Pool，我把Lawrence低韻的歌聲開場段落當作是整首歌的前奏，兩分鐘後開始長達六分鐘的吉他演奏才是整首歌的核心部分。一首歌的前奏往往都是純樂器的鋪陳，但The Stagnant Pool在編曲上的順序比重恰巧是顛倒過來，當然也有不少歌曲的編曲形式如同此首，不過The Stagnant Pool所散發出的黯迴氣味卻格外叫人著迷。

每一個吉他單音聽來如有某種光暈般的古老色彩，鬱沉的藍、崩壞的黑、誨澀的灰不斷在音高的跌宕之間產生變換，彷若一種新古典形式的演譯手法。和絃輕柔的被分散、重組、交疊，猶如愛情毀壞時被拆解崩析的異質浪漫。

當不聆聽時，依舊能在思緒百般繁亂之際想起The Stagnant Pool的氣味，聆聽時，便開始專注淺嚐其中深長的韻律。音樂與我的關聯、愛情與我的關聯、死亡與我的關聯，開始交雜在一起，產生一種交集，我無法形容那是什麼樣的交集，至少，它們已與我現在的生活脫離不了關係。

Felt - The Stagnant Pool

The stagnant pool,
Like a drowned coffin,
Still as a deceased heart,

Haunting the ghost of the noble crusader,
Who recalls pellucid ice clutching the aching twigs,
Never melting,
Never a drop to disturb stagnation.

Oh they say I'll never win
You'll always get beat
And like a drop of blood from the Devil's tap
I'm dragging the crusader behind

Slips purposely down the black hole back to hell
Steps purposely down the black hole back to hell

The Stagnant Pool - Felt

Deastro – Moondagger

小時後的我們總有很多天馬行空的奇想藏住在腦中，不管是受到玩具、卡通、漫畫、電動的影響，當中的角色一直是我們幻想要成為的樣子。那段孩提時代的日子現在回想起來雖然短暫，但不可否認在這些幻想國度中我們所尋找到的快樂是純真且真實的。

Deastro的音樂就像是一個巨大的七彩玩具箱，每當一打開，裡面各式各樣玩具形式的創意就會不斷蹦跳出來，令人想起兒時那個充滿奇異幻想的自己。主腦Randolph Chabot自幼年時期就開始創作音樂，在十七歲時就已經譜寫百首的歌曲。08年發行的第一張專輯《Keeper's》展現出他在創作Synth-Pop歌曲的才華，而09年的《Moondagger》更是讓人聽的大呼過癮，完整的樂團編製，細膩不失力道的編曲使得整張專輯毫無悶點，不同於一般電子音樂一再重複的瞌睡節奏與疲乏的旋律性，《Moondagger》中真實樂器與電子合成聲響的結合不但悅耳且讓人聽的歡愉起舞。

《Moondagger》的專輯概念源自於Randolph Chabot的夢中情境，關於在一個星球的國度、一個王子、一個黑暗界的邪惡之王，他們都在尋找Moondagger這強大無比的能量，而這樣科幻小說的情節也引導出Deastro的音樂走向。從第一首《Biophelia》開始我們就像搭上太空山的雲霄飛車，冒險穿越過隕石星塵，進行一段時空之旅。相當喜歡《Toxic Crusaders》、《Greens, Grays, And Nordics》、《Moondagger》這三首的旋律轉折，每一段電子節奏的拼貼都反映出Randolph Chabot在編曲上的創意及巧思。

如果想創作出Deastro般的音樂，想必得抱持著某一種程度的童心。在現年二十二歲的Randolph Chabot身上，我們看到的是一種童心未泯的狀態，只要嘗試觸碰鍵盤上的每一個音，只要腦中有一段揮之不去的旋律，只要將夢中情境轉化成歌詞，再加上一點點的好奇心，動聽的歌曲就會源源不絕的誕生。

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