Melt-Banana - Fetch

        暌違了六年，日本噪音搖滾樂隊Melt-Banana終於發行了這張新專輯《Fetch》，在耳膜經過幾次《Fetch》的震撼教育之後，會發現這 可是一張比今年一半以上歐美搖滾專輯還有趣的作品啊，不過現在樂隊成員只剩下主唱Yasuko Onuki和吉他手Ichirou Agata，缺少了鼓手及貝斯手也讓他們在製作這張專輯上下了不少苦功，所以整張專輯的鼓和貝斯都是由軟體所編製的，但你在聽這張專輯並不會感到那種軟體 編曲的生硬感，聽起來就像是真實且富變化性的高速機械式鼓擊以及貝斯韻律線。

       不同以往粗製的錄音風格，他們想讓《Fetch》聽起來高傳真 一點，所以每一道音軌都異常的清晰，在曲風上也變得流行一些，將節拍慢下一點變得可以讓人跳舞，像是〈Infection Defective〉就是他們以前沒嘗試過的曲式，這首除了前奏高頻的吉他噪音外，聽起來就如同一首歡樂的舞曲，搶耳的貝斯線與Agata變化多端的吉他 效果實在讓耳朵無法移開焦點。有時候你會覺得Agata的吉他效果聽起來實在是太變態了，因為他可以製造出電子聲效與噪音同時兼容並蓄的效果，相當令人佩 服，除了高頻的吉他外，Yasuko的聲音也是另一種高頻的攻勢，更是Melt-Banana充滿高能量的主要來源。

      聽到〈Zero+〉 時，突然變得詭異的寧靜，接著開始出現一群青蛙的叫聲，原來這是Agata在日本德島市的某個夜晚所錄製的聲音，他覺得那像是青蛙的歌聲，這部份算是專輯 中滿有趣的一個小插曲，又讓我想起Jim O'Rourke的青蛙專輯封面，其實他們也曾經在九零年代時幫Jim O'Rourke暖場過，原來大家對青蛙都有共同的愛。

       如果不嫌太吵，《Fetch》倒是能給人一種向前突破的力量 (不管前方有什麼)，至少對我來說是如此，即便是怎麼樣都聽不懂Yasuko到底在唱些什麼。整張專輯我最喜歡的歌其實是最後一首的〈Zero〉，但聽到 這首歌時並不覺得整張專輯已將到了尾聲，反而像是另一種開始，這首歌跟其他專輯裡的歌都不太一樣，Yasuko用了很特別的唱法，聽起來有點像是好幾種小 動物的叫聲，還滿可愛的。提到小動物，讓我想到他們在德國接受訪問時挑了一張好似小鹿斑比的原聲帶來聽，但沒仔細聽他們說了什麼，然後下一張挑的是 Kraftwerk的《Computer World》，這麼跳躍的選擇給了我一個有趣的關聯圖：小鹿斑比 -> Kraftwerk -> ? 這個 (?) 讓人好奇會是什麼呢，好像在做圖像聯想的智力測驗一般，而他們的音樂也給人-> ? (接下來會怎樣) 的感覺。

      最近發生的一件事跟香蕉也有關，逝世的Lou Reed曾經多次邀請他們作為暖場樂團，不知道他聽過這張專輯了沒，如果聽過，他會喜歡嗎？如果世界上還有Melt-Banana這樣的樂團，他應該可以放下心將世界交給這些噪音客了。

The Knife - Shaking the Habitual

　　瑞典雙人電子組合The Knife的《Shaking the Habitual》是一張充滿挑戰性的作品，不同於他們以往製作音樂形式，這張專輯背後有著相當完整的概念。專輯名稱Shaking the Habitual取自法國哲學家傅柯的名言，而專輯的概念也與傅柯的理論有所關連，由權力與知識的論述延伸，去探討權力與性別、階級、種族的關係，團員Olof Dreijer還特地在斯德哥爾摩大學修習性別的課程，對酷兒理論以及女性主義有深入的研讀，但要把理論套用在音樂上來表達並不是一件容易的事，如何來包裹概念是The Knife在製作《Shaking the Habitual》所要面對的課題。

　　The Knife兩姐弟出生於優渥的西方白種人家庭，先天就掌握比較多的資源，所以不管在製作音樂還是獲得知識方面都具有一定的優勢，因此，他們反思自己有更多的責任以政治的方式來批判和思考這個社會，即是透過音樂來獲得更多的注意。他們以自己的國家為出發點來觀察，認為瑞典的社會建構在君主立憲制和血親傳承的領導者下是相當瘋狂的，也提出在這樣的社會下所產生的種族歧視等問題。

　　但在《Shaking the Habitual》的歌詞上你很少會找到明顯的批判詞句，只留下一些讓聽者思考的線索，也將問題拋回來給聽者，簡單來說那些理論比較像是整張專輯概念的啟發，而不是去用理論去批判現世。這張專輯的音樂性有別於The Knife以往容易入耳的黑暗旋律，聽來更令人焦躁不安，甚至不讓你去享受那些過耳即忘的好聽旋律，運用扭曲的合成器聲效與傳統樂器來引起聽者的注意力，不少曲子甚至只剩環境音效，挑戰你耐心的臨界點，但這些實驗音的組成並不是全無意義，倒是想要將人拋到種種問題的狀態，刺激思考迴路。

　　從〈A Tooth For An Eye〉的詞句中可以猜測出在隱喻資本主義社會下的貧富不均以及在歷史上一直被忽略的故事，如同傅柯的知識考古學來挖掘那些被消聲的故事，最後唱到的” Bring the fuel to the fire”則在火上加油，如果這裡的火代表憤怒，那他們的憤怒欲將那些不公燃燒殆盡。〈Full of Fire〉延續了這火焰的盛炎，運用強烈的鼓機節拍，各種古怪的合成音效製作出一股病態的氛圍，Karin Dreijer黑暗低迴的女嗓音，在變調的音調中不斷變形，如同性向的游離，整首歌像是一個後現代的惡夢，看著這首歌的影像，將那些難解的議題不斷拋出來，唱著：”Sometimes I get problems that are hard to solve”，

　　〈Without You My Life Would Be Boring〉使用一些的傳統樂器的聲響，如鈴鼓、笛音，聽起來猶如一場儀式的進行曲，深信著我們可以改變常規。而〈Wrap Your Arms Around Me〉是一首氣勢相當盛大的曲子，真實的鼓擊在空曠中回響，電子音漫延如煙，翻越性別的藩籬，將愛欲的渴望化為音樂的形式。

　　我們甚至很難辨別〈Raging Lung〉中那個發出來的高頻樂聲，彷彿第一次聽到，也彷彿聽過但無法形容，雖然有主副歌的旋律，但樂器的配置還是非常不正常。〈Networking〉的聲音是相當訊號式的，一種資訊傳遞過程中所發出的雜音，詭異的鳴叫讓人感到焦躁不安，就像想起每天在網路上吸收了龐大的資訊卻什麼也沒有在腦中存留下來般的焦躁。〈Ready To Lose〉是他們對所擁有優勢的自省，這樣先天的優勢也帶來害怕受苦、害怕失去優勢的恐懼，也讓人聯想到右派為了維護血統純正而執行隱含種族歧視的政策。

　《Shaking the Habitual》中音樂與概念的結合是相當強烈的，他們從電子音樂中找到新的途徑來完成自己的獨特性達到音樂性的優越，但又從這種優越中再度釋放出評論的力量，這在現代音樂中實屬難能可貴。它讓我們再一次審視當前的問題，即使沒有解答，也值得讓人一再思索。

Scott Walker - Bish Bosch

　　Scott Walker早已經不是我們所認識的那位活躍於六零年代的英國歌手，從八零年代後他離開了流行音樂範疇走向前衛音樂的製作，有不少樂迷對此感到不解，甚至不再聆聽他現在的作品，但也有新樂迷願意跟隨著他的黑暗旋律走向尚未開拓的現代音樂世界，無論如何，他並不是一直走在時代後端的音樂家，而是站在時代的前端，等待後人追隨上他的腳步。

　　如果已經熟悉他前兩張作品《Tilt》和《The Drift》，你或許會馬上習慣《Bish Bosch》中聲音進行的方式，但如果你是初次聆聽Scott Walker的音樂，《Bish Bosch》可能不是一個最好的選擇，畢竟它古怪的旋律與怪異的聲響，會讓聽者在聆聽上有些挑戰性。這張專輯就如同前兩張作品的續作，一貫的黑暗、混亂、分裂，也可以說是他前衛作品系列中的第三部曲。

　　先撇開旋律不談，專輯中難解的歌名與歌詞，使得要進入《Bish Bosch》更加的困難，但對我來說這張專輯是比《The Drift》還來得易聽，至少在節奏的行進上還算得上是緊湊，製造聲音的方式也相當有趣，除了之前使用敲擊肉塊來當拍子外，你可以在〈Corps De Blah〉和〈Tar〉等曲子聽到他以兩把刀子互磨的方式來造音，把磨刀霍霍之音用在音樂上實在是古怪到了極點，讓人聽得不寒而慄。

　　我倒是比較喜愛〈Phrasing〉這首，至少裡頭使用較多的搖滾樂器來編曲，但還是聽來相當斷裂，一段電吉他，一段合成器，一段鈴響全都不連貫的串在一塊。更讓我驚豔的是年歲已六十九的Scott Walker，還能保有如此深厚的嗓音，有些人說他的音樂已完全失去旋律性，但他在這唱出的旋律彷彿是由它過往唱出的流行旋律所提煉出的，只是以一種變調、斷裂的方式來表現在他現在的音樂上。

　　長達21分鐘的〈SDSS14+13B (Zercon, A Flagpole Sitter)〉非常精彩，你很難去辨別自己聽到的是音樂還是其他的什麼，像是把流行(搖滾)音樂丟到果汁機裡打碎成純黑色汁液，再把它倒到杯中一飲而下，嘔心和美味全都在一念之間。單曲〈Epizootics!〉就像是Scott Walker的一場夏威夷惡夢，重覆著低沉的電噪聲、詭異的號角聲、簡潔的鼓擊，聲音如同疾病蔓延在耳蝸。〈The Day the "Conducator" Died (An Xmas Song)〉肯定是今年最怪異的聖誕歌，這次聖誕老人不再穿著紅衣，而是穿上黑色皮衣來獻上聖誕大禮。

   《Bish Bosch》不會是一張好聽的專輯，它比較像是Scott Walker用各種聲音在探索現代音樂的深度，聆聽者聽的到多深它就有多深，然而在這一道深不見底的黑溝中，你始終無法精確測量出黑暗的向度。

Flying Lotus - Until the Quiet Comes

　　每當聽Flying Lotus的專輯時，總是會令人感到驚奇，驚奇於他獨特的音樂性，彷彿你是第一次聽到這樣的音樂，很難用字詞去定義他所創建出來的電子音樂世界，而這世界融入許多複雜的概念，每一種概念都有衝突或相合之處，他並不在聲音上做任何的妥協，他只表達他所想要表達的，並嘗試所有聲音的可能。

　　來自洛杉磯化名為Flying Lotus的Steven Ellison已經在《Los Angeles》、《Cosmogramma》等專輯中證明他對電子音樂的敏銳度與才華，無論是Jazz、Hip-Hop、IDM等各種音樂元素，他都能予以完美的融合，付給全新的節拍與生命。《Until the Quiet Comes》做為Flying Lotus的第四張專輯，他必須找到新的突破點。他並不想延續舊作的創作模式，於是更加專注在音樂理論上，學習鋼琴和弦以及編曲，並且融入非洲音樂和夢境的概念，讓所有樂曲多了一層超現實的色彩。

　　對我來說《Until the Quiet Comes》比起他的舊作還來得易聽，除了有不少客座的獻聲讓曲子旋律性變得豐富外，這張專輯聽起來相當貼近於人的淺意識，它不像《Cosmogramma》來得錯綜複雜、天馬行空，反倒是讓人可以細細品味他所製作出來的拍子，甚至是溫厚的貝斯聲線，專輯內不少曲子的貝斯聲線都給人猶如沉坐浮雲之感。

　　曲子〈Putty Boy Strut〉配合上Cyriak Harris的音樂影像，實在令人印象深刻，彷彿聽過一次那樣有趣的旋律就永久紀錄在腦中，有著機器動作般的節奏與聲韻，最後再加上一段弦樂，毫無突兀之感。〈See Thru To U〉運用小鼓、腳踏拔營造出一個不間斷的空間感，包覆著靈魂女歌手Erykah Badu的嗓音，接續著的〈Until The Quiet Comes〉則使用拍手響為主節拍連貫起和Thundercat 合作的〈DMT Song〉，慵懶的夢囈旋律在跳躍的貝斯旋律下結束，歌詞講述著不願從夢中醒來，就在這時〈The Nightcaller〉又讓你掉入另一層由4/4拍節奏所組成的夢境。

　　由Thom Yorke獻唱的〈Electric Candyman〉讓幻夢的旋律與非洲鼓節拍結合，Thom Yorke的聲音有如被蒙上一層薄霧，在當下所有聲響彷彿讓空氣變得凝滯。而〈Hunger〉則是與Niki Randa、Jonny Greenwood合作，頗具有Trip-Hop的味道，後段絕妙的混入了Jonny Greenwood在挪威森林中製作的配樂〈Don't Read Things That Have Not Had the Baptism of Time〉，讓曲子多了些飄渺虛無的靈氣。

　　《Until the Quiet Comes》帶來的感覺不光只有驚奇，更迷人的地方是那股可以供聽者可以沉入的氛圍。如果要選出幾張最近似於夢境的音樂，這張專輯絕對是選項之一。直到寧靜來臨，沉睡在無聲的那片海上，由現實離開，在無邊的夢境漫游。

Deerhoof – Breakup Song

　　要如何作出永不妥協的音樂呢？實驗流行樂隊Deerhoof一直走在這條理念的路上，在他們的曲子上很少能找到所謂的架構與規則。剛開始聆聽時，你很難預期下一秒鐘出現在你耳朵前的會是什麼樣的聲音，但也因為如此，你可以在他們的音樂中找到很多的驚奇與樂趣，而且絕對不會艱澀難懂。如果真要說Deerhoof的音樂有什麼潛在的規則話，那也就是四位團員以腦內創意所碰撞出的方式吧，這也不是用「酷」這個有點距離感的形容詞能夠來形容的，簡單來說就是好聽又有趣。

　　往回看，《Breakup Song》已經是他們的第十二張專輯，當然，這張還是奇怪的不減過往聆聽上的趣味。把《Breakup Song》想像是一綑捲起好的地毯，找塊寬廣的地板，展開那張地毯，你會看到毯上五顏六色的奇異圖騰與不規則的對稱線條，有點眩目，不過坐在上面毛茸茸的卻很舒服。女主唱兼貝斯手的Satomi Matsuzaki同樣以童稚唱著日式口音的英文，隨性的哼唱著旋律，有時候則是以一些連串的發聲詞來當作旋律，悅耳又可愛，但這樣的可愛配上鼓手Greg Saunier與兩位吉他手John Dieterich和 Ed Rodriguez張牙舞爪的即興鼓擊與噪音，居然也不顯得任何違和。

　　〈There's That Grin〉的合成聲效相當有電玩感，中後段的雙吉他變奏，左右聲道此起彼落，就像遇到遊戲中的大魔王一樣，角色的技能鍵先預備好，準備迎戰。Satomi在〈Bad Kids to the Front〉的歌詞唱著：「你不會知道，我在裡頭唱的是什麼歌。」她讓一首歌不再只是一首歌，反而像是一個藏著秘密的黑色小盒子，正等待被找到打開的方法。

　　《Breakup Song》有些地方雖然使用到很重的合成器效果，但並不完全依賴在上面，三件式樂器依舊是曲子的主軸，像〈Zero Seconds Pause〉和〈To Fly or Not to Fly〉中流暢的變奏，讓人完全無法預期旋律的行蹤，這也是他們和大多樂團不同的地方，他們絕對不會以同樣的手法來玩一首歌。
　　
　　〈The Trouble with Candyhands〉實在太可愛了，強烈的節奏與頓點，順耳的流行旋律，無疑是完美的Deerhoof式舞曲。專輯最過癮的還是〈We Do Parties〉的雙人電吉他亂鬥，該怎麼說，如果你對最近的吉他音樂感到無聊的話，這首絕對是一錠解藥，粗裂感的破音與極富節奏感的刷奏，嗯，很帥。

        瑪莉歐的燒鬍鬚舞曲〈Mario's Flaming Whiskers III〉有很棒的電子節奏，機械式聲效，又一次讓人重回過關斬將的電玩樂趣。

        長度只有三十分鐘的《Breakup Song》聽來非常的精煉，好像把整個宇宙都給濃縮起來了，現代的、古代的、新的、舊的、雜七雜八的，什麼都在，聽完才發現這些音樂到底跟專輯名稱「分手歌」有什麼關係，好像也沒什麼關係。有次，有人問鼓手Greg要怎麼解釋你們的音樂，他說：「他們的音樂就已經在解釋他們的音樂了。」

Radiohead – The King of Limbs

Radiohead的第八張錄音室專輯《The King of Limbs》取名自英國威爾特郡一座森林裡的千年橡樹，這顆橡樹距離他們錄製上一張專輯《In Rainbow》的錄音室相當靠近，然而這已生存在地球上千年的生命也使他們得到了些創作上的靈感，由這個角度以及歌詞內容的玄妙難解來看，《The King of Limbs》的主題似乎是關於自然力的存在與生命的輪迴，當然，也可能只是我單純的臆想。

起初在聽《The King of Limbs》時，總感覺在音樂性上並沒有特別的突出，讓人想起先前的電氣化作品《Kid A》或是主唱Thom Yorke的個人專輯《The Eraser》，團員在各個樂器的表現上也沒有明顯的亮點，不過在重聽過數十遍並讀過歌詞後，《The King of Limbs》又給了我另一種全新的感覺。如果說這張專輯是一桶水，你不能很快的將它喝完，只短暫的感受水溜過喉間的滑順，而是要將頭浸到水裡，慢慢的感受水的清涼與柔潤，但也要小心不要沉溺過度而缺氧。

比起《Kid A》冷冽的機械感以及大量銅管樂器的運用，《The King of Limbs》在樂器的音色上其實聽起來溫暖許多，幾乎是延續《In Rainbow》給人的感覺，只不過在鼓機的節奏與電子碎拍上相較比真實樂器偏重許多。在《The King of Limbs》裡鮮少聽見大量的電吉他刷扣，反而貝斯的韻律比吉他來得搶耳許多，讓整張專輯的聲音呈現出一種律動的樣貌，這不見得是一個壞的嘗試。

第一首〈Bloom〉在歌詞上給人一股在海底重生的感覺，海洋畢竟為生命之母，生命由此處所誕生，萬物一睜開眼便開始他們各自的生命之旅；歌曲的電子節奏擁有一種潛水吐氧的氣泡感，貝斯的律動猶如海底的水母擺動而上。

〈Morning Mr Magpie〉反覆的電子碎拍與細微的吉他聲響相稱，在間奏時的貝斯聽來絕妙的厚實沉穩。歌詞寫道：鵲賊偷走了你所有的記憶、你的魔力、你的旋律。你可以猜測Mr Magpie與村上春樹的《鵲賊篇》會不會有什麼奇妙的關聯。

〈Little By Little〉的主副歌旋律相較於其他歌曲來得明顯，透明感的電吉他單音貫串整首歌曲；仔細聆聽後，才發現當中還堆疊了不少奇妙的音效，變化多端而不突兀，層次相當鮮明。〈Feral〉像是專輯的分段點，只留有Thom扭曲的歌聲在碎拍中不斷游移，片段的字句讓人摸不著頭緒。

主打單曲〈Lotus Flower〉在聲效的變換與細節上也是相當詭妙的，再搭上Thom Yorke嗓音迷人的旋律線，彷彿使人能游離到另一處空間。在遠處的拍手聲與人聲，忽遠忽近的鼓聲與細瑣的電子聲響，都使得歌曲的空間感變得強烈。當Thom Yorke最後唱到：＂Listen to your heart＂時，想像如果世界如同蓮花周遭的淤泥如此混亂不堪，我們還是要聆聽自己的心跳聲，隨著自己心跳的節奏而舞動。

〈Codex〉以鋼琴譜曲，可以說是專輯裡最慢板的曲子，整首歌就像一片澄清的湖泊，你可以在湖面清楚看見自己的樣貌，看見原來那個單純快樂的自己。而〈Give Up The Ghost〉延續上首歌的慢板調子，褪去大部分的聲效，留下一把木吉他的刷奏，淡雅而平靜。

最後的〈Separator〉把鮮明的鼓擊錄製在前頭，再融入微妙的電吉他單音與電子氛圍，簡約但美好。歌詞寫道”And if you think this is over , Then you're wrong”不禁讓人猜測《The King of Limbs》是否還會有續集，

《The King of Limbs》與他們先前的專輯相比或許是平淡許多，但也不單純的只是全然以軟體和取樣機來譜曲的那類電腦音樂。Radiohead將所有真實樂器的表現都化繁為簡，有點偏向極微主義的概念，聽來與先前的作品其實有些不一樣的興味。

他們或許不可能超越他們過往的自己，但他們的確是在往前走，照著他們自己的方向走去。

Esben and the Witch - Violet Cries

Esben and the Witch雖取名自丹麥的一則童話故事，不過他們的音樂卻遠超出一則童話故事所能給予的想像空間。Esben and the Witch在創作上運用了許多極微的概念和一些實驗性的氛圍，他們自稱受到Scott Walker的《the Drift》、HEALTH的 《Get Colour》以及Joy Division的《Closer》這三張專輯的影響，所以你可以感受音樂中除了絕暗無光的鬼魅氣氛，還不時融入些電子元素與電吉他音牆。

主唱Rachel Davies的黑暗聲嗓仿如後龐克樂隊Siouxsie and the Banshees的Siouxsie Sioux，即使在高音部也能保持著深厚的穿透力，將內心深處的恐懼重現在腦門，但那樣的聲音並不是為了使你懼怕恐懼，而是為了使你擁有對恐懼的抗體，對抗恐懼。

他們的第一張專輯《Violet Cries》於今年在獨立名廠Matador下發行，算是2011年初相當有力的新聲音。近年來總是抱怨新團的表現不佳，但我覺得《Violet Cries》擁有一些與眾不同的質量，他們能將一些老舊的聲響以巧妙的手法表現出另一種現代感，如同The XX的同名專輯那般，單純、迷人。當我們懷疑未來的音樂走向是否會越來越複雜時，他們的音樂卻帶領我們走向一些更簡單的概念，將各種音樂類型的元素小巧融合；簡單一點的說法就是：「往回看，再重組」。

《Violet Cries》的開場曲〈Argyria〉以鋪陳的手法緩慢引入各種聲響，由吉他的單音與單點的鼓擊轉而為反覆的電吉他音牆與零碎的電子聲響，然後搭著Rachel的灰暗嗓音行進到單曲〈Marching Song〉，〈Marching Song〉描寫著軍隊高唱行軍曲直至戰亡的景象，壯大的氛圍及單音吉他貫串整首曲子，大鼓與銅鑼的敲擊將氣勢提到最高，然後如同〈Argyria〉結尾最後由電子聲響淡出，這樣的手法也成為他們編曲中常見的方式。

〈Light Streams〉受到發明家特斯拉的啟發，曲子如同他發明的電子儀器所放射出的電流光線，帶著美妙的亮度卻擁有無比殺傷力，這首歌讓我想起Bark Psychosis的後搖滾編曲，脫離傳統的主副歌架構，將聲音減到最小化再將聲音填滿。

〈Hexagons IV〉是專輯裡我最喜歡的一首，這首曲子的主歌與副歌旋律有一種不相稱的違和感，但整體聽起來卻具有相當的美感，副歌的旋律異常的美妙，彷彿將你的魂魄安置在一個黑暗密閉的小房間，與世隔絕。

〈Chorea〉的Chorea是一種舞蹈病症，這首歌或許是專輯裡聽來最有壓迫感的一首，我們就像是舞蹈症病患，無法控制自己的身體，只能將自己扭曲的不成人形，聽完後一種毛骨悚然的感覺從背脊而上。

Rachel的嗓音在〈Eumenides〉表現得時而分裂時而唯美，將異色的美感展露無遺，後段的舞曲節拍更是令人感到驚奇，在深邃的幽幻之音外留有現代的墮壞感。

我想，Esben and the Witch最迷人的地方就在於那種無形的神祕感以及對黑暗的想像力。或許你一開始會沒辦法接受《Violet Cries》那種誨澀的沉重感，但這張專輯的確會越聽越使人入迷，就如同燈關上的瞬間還無法在黑暗中擁有辨識力，但只要一習慣黑暗後，你便能在黑色的一切中找到你所想要的東西。

30 Century Man

最近總是不斷聽著Scott Walker的音樂，由早期的室內流行樂一直聽到近期較偏向於前衛音樂的作品，聆聽的過程彷彿經歷一場時光倒回與前轉的錯置巡禮。我相當喜歡六零年代末期所發行的《Scott》到《Scott 4》這四張經典專輯，這四張專輯幾乎可以說是一氣喝成的同質性作品，但每一張作品又含有不一樣的情緒以及風情在裡面；在那樣的時代，Scott Walker的出現無疑將室內流行樂的曲式推向前所未有的高度。

深受比利時歌手Jacques Brel的影響，Scott Walker早期的歌唱方式蘊有一種豪放的浪漫情懷，他的嗓音時而深沉、時而高昂，音韻婉轉流順，欲然能將人吸入到他嗓音所產生出來的漩渦當中，那樣的漩渦充滿著洛杉磯到倫敦的街頭景色，一幅幅愛人相聚相離的黑白定像，以及夏季至冬季由窗櫺外看出的時代光影。

如果要從這四張專輯挑出我最喜愛的一張，那必定是《Scott 3》，《Scott 3》雖然沒有前幾張專輯如此恢弘的室內樂編曲，但減少樂器的相互交疊也使人將注意力轉回到他的歌聲與編曲的細節上，許多樂器加入的方式以及編奏都是十分微妙的，氣氛的營造也能輕易的將聽者引入到另一處美妙的情境。整張專輯滿溢不少鬱悶寡歡的曲調，從〈It's Raining Today〉開始，秋季的街角開始下起細雨，他抽著菸，透過煙霧的白濛看著愛人的臉龐，如此陷入了思緒的無限蔓延。

〈30 Century Man〉是《Scott 3》中的第八首歌，亦是Scott Walker在06年上映的紀錄片的名稱。這首歌與其他同專輯的歌曲幾乎是不同調性，沒有任何室內樂器的輔助，純粹只有一把木吉他彈奏，由三個和絃所譜寫出來的一首一分半的曲子。歌詞寫道：「看那侏儒與巨人，你想成為哪一個？如果你都不想成為兩者，就把自己冷凍起來像個三十世紀的人吧。」如同他自己，或許那些名氣的起起落落都已不再重要，他將自己拋向三十世紀外，也將他的音樂拋向時代的前端，Scott Walker從來不在同一個定點停滯不前。

由1984所發行的《Climate of Hunter》開始，Scott Walker嘗試了許多當代搖滾音樂的風格，亦將古典樂以及室內樂的結構轉變得更為實驗化，你可以感受到一股迷離的氛圍在其中。此外，他的嗓音也變得渾圓低沉，仿如將黑暗含糊在喉中，歌唱出一種詭譎的音韻，然而，這些轉變也象徵著向以往的樂迷揮手告別。

相隔11年後的《Tilt》，Scott Walker又走向了更深的黑暗處，在黑暗的深處破繭重生，他將實驗聲響的運用發揮得淋漓盡致，你可以聽見所有歌曲的旋律性都呈現發散的狀態，簡言之，這並不是一張容易找到聆聽方向的專輯。但正當你覺得他已經玩遍所有路數後，加入4AD廠牌後所發行的《The Drift》中，他又做了各種不同的聲響嘗試，包括將敲打豬肉的聲響做為歌曲的節拍。當中所有歌曲的氛圍包括歌聲都聽來都像走進了一處幽暗的密林，在深夜聆聽時甚至會讓人不寒而慄，一陣的低吟，又一陣巨響傾到在耳前，你無法預料聲音將會由何處來又從何處去。總體說，《The Drift》實質是一場現代音樂的融合異變。

從第一張專輯《Scott》聽到《The Drift》，Scott Walker的音樂使人猶如置身於各種不同的時光場景中，豪邁、光明、鬱悶、陰暗，流行音樂到音樂解構，在此，你無法預知他(甚至是未來)的音樂又會往何處走去。他曾是歌謠時代的巨人，但他從不眷戀每雙眼中的迷戀，人們隨著他的音樂，回到過去又走向未來。Scott Walker，這位來自三十世紀的音樂紳士。

Candy Claws - Hidden Lands

在聽到Candy Claws之前，我從未知道Dream-Pop音樂可以與自然有所密切的繫結。Candy Claws來自美國科羅拉多州的科林斯堡，這個常被讚譽為生活品質優異的城市。科林斯堡周遭環圍著山麓以及河川，壯闊的天然美景隨時能在眼前舒展開來，而源自於此的Candy Claws猶然吸收這塊大地的各種美好特質，將它轉化為如夢似幻的優美旋律。

他們的第二張專輯《Hidden Lands》延續上一張《In the Dream of the Sea Life》的創作方式，以一本書籍為主要概念來譜寫詞曲。因此，他們這次選用了《The Secret Life of the Forest》這本科學叢書來作為創作靈感的泉源，書中描寫了遠古時期至現代的植物演進，以及有關於森林起源的種種一切。

Candy Claws的創作核心來自Ryan和Kay這對情侶檔，在Candy Claws的音樂中你可以時常聽見他們兩的聲音呢喃在一塊，仿如在同一條聲線上能夠同時具有雌雄的兩種音色，夢囈似的共鳴。他們的樂曲不同於傳統的夢幻民謠樂隊，反而像是由Animal Collective所傳承下來的嫡系，使用大量的合成器營造出樂曲的空間感，唱著零碎的旋律，再添加不少傳統式的敲擊樂器聲響，但整體感覺卻絲毫沒有冷酷的電子感，反而讓聽覺置身於一處奇幻的幽山壁林。

聆聽〈Sunbeam Show〉的感覺就如同萬物的初始，一道曙光照射在空無一物的泥土地上，各式植物的芽頭才正要開始冒出，開始它橫越千年的旅程。溫暖的合成器音色包覆了〈Warm Forest Floor〉的根脈，群林的景象緩慢的圍繞在身邊，動物無聲無息的藏匿起來，但你依舊嗅得到它們瞬變的氣息。

〈The Breathing Fire〉則是相當可愛的用了氣泡式的鍵盤聲響，副歌的旋律如同一首雋永的童謠，帶領大人們進入兒時的夢鄉，在一片無邊境的草原無拘無束的自由奔跑。〈Silent Time Of Earth〉莫過於是專輯裡旋律最優美的一首，即使是模糊不清的詞曲，意境的形朔依然使人感到身處萬林般的寂靜，這一刻，地球上所有的聲音猶然在自己的內心消聲靜止。

《Hidden Lands》使我們遠離都市過度的喧鬧、擁擠，提醒著你陽光透過葉脈照射在肌膚上的觸感，以及大自然種種美好的一切。有些音樂始終含有帶人去旅行的特質，只要透過聽覺，我們彷彿能感覺到眼前所看不到的景象，感覺，如此有距離卻又如此靠近。

World's End Girlfriend – Seven Idiots

World's End Girlfriend主腦Katsuhiko Maeda於今年七月創立了新的音樂廠牌Virgin Babylon Records，而他們的新作《Seven Idiots》也初次在這新廠牌下發行。

不同於以往的創作方式，《Seven Idiots》整張專輯的編曲形式相當特別，Katsuhiko Maeda先以流行樂Verse-Chorus-Bridge的編曲模式完成每一首歌，再將人聲從中去除，摧毀、重建歌曲的結構，以樂器的聲響填補人聲的空缺；聽似有點混亂，令人摸不著頭緒，但以此方法重新把玩流行音樂的結構，確實富帶挑戰及實驗性，聽得出他們欲想跳脫出自己過往的窠臼。

開場曲〈The Divine Comedy Reverse〉磅礡的弦樂橋段，其實就是單曲〈Les Enfants du Paradis〉當中的一段樂句之一；初次聽到〈Les Enfants du Paradis〉時著實的有被裡頭的拼貼玩法給驚豔到，他們不再用後搖滾似的鋪陳方式來創作，轉而將歌曲整體的節奏編的緊湊；聽的過程中，你可能會直覺預測到下一段旋律會是什麼，但下一段旋律絕對不會是你所預期的那般，這種對歌曲旋律預測的直覺就像是聽了大量制式流行歌曲所訓練出來的反應，而World's End Girlfriend完全把每個人對流行樂的此種想像拆解掉，但並不是胡亂拼湊，聽起來還額外富有律動的生命力，如同MV中的女孩能跟著歌曲的各種節奏聲響下意識的跳出自己的舞步，這般毀滅與美麗。

〈TEEN AGE ZIGGY〉和〈DECALOGUE minus 8〉的聲音拼貼實在是怪奇有趣，電吉他的刷奏搭上厚重的電子鼓，以及一些天外飛來的聲響，就好像在待在遊樂場內聽著每一台大型電玩發出各自的聲效，陷入一種繽紛世界的混亂，在上千種聲音所構築起來的迷宮中遊蕩嘻玩。

格外迷人的還有〈ULYSSES GAZER〉，這首歌讓人知道World's End Girlfriend也能出乎意料的搖滾，起先是電吉他與低傳真鼓擊的搭配再加入激昂的小提琴旋律，一小段失序、跳針後，又跳接到另一個部分，最後則是意外的畫上句點。

看到〈Helter Skelter Cha-Cha-Cha〉的歌名，很直覺的就會讓人聯想到是否與The Beatles的〈Helter Skelter〉有所關連，或許是由〈Helter Skelter〉擷取某些元素再重新編湊而成，在金屬tone調的吉他刷奏與Bass Line上可能會找到些線索。

〈Bohemian Purgatory〉分為三部曲，這三部曲中加入了不少鋼琴與薩克斯風的橋段，聽來時而靜謐、時而扭曲，弦樂與貝斯的韻律搭合起來異常的美妙，使得聆聽者在爵士、古典、電子三種樂風中不斷交替徘徊。

當中最焦慮的曲子莫過於是〈The Offering Inferno〉，它傳達了地獄般的情境，扭曲的電子聲效糾結成壯大的噪音，像是每天成千上萬的電子訊號在網路上奔竄；如果將人類每天所接受到的電子訊息，集結濃縮後再撥放出來，大概就聽起來像這樣吧。

最後的〈Unfinished Finale Shed〉又回歸到World's End Girlfriend過往所帶給我們的感覺，恬靜、舒適，如同躺在葉舟上順著河水流下，緩慢遠離焦躁紛雜的聲音破塊，歸向自然的無名之地。

流行音樂在被實驗性的拆解、重組過後是否仍留有流行音樂的本質，《Seven Idiots》將這個問題拋出來，本身也是這個問題的答案，正如他們所說：＂It's an irregular pop album＂，在那種不規則中，我們聽到的是Katsuhiko Maeda對音樂空間幻夢似的想像力。而這次，World's End Girlfriend必然是創造出了另一種跳脫流行音樂的流行樂。

Tunng - ...And Then We Saw Land

Tunng從第一張專輯《Mother's Daughter and Other Songs》開始就被媒體及樂評稱作Folktronica這個新興樂風的代表，Folktronica顧名思義就是Folk +Electronica，一種民謠音樂與電子音樂的混種結合。

同期被稱作Folktronica的還有For Tet、Caribou、Bibio等，而Tunng的音樂一直是比較偏向以民謠為基底來做延伸，佐以少許的Glitch聲效、環境取樣拼貼、合成器鍵盤、微小碎拍，由第一張專輯便可以看出他們對音樂創作具有一定的實驗態度。

Tunng的前三張專輯都維持著一貫的水準，而在新專輯《...And Then We Saw Land》卻可以聽的出來他們在編曲上開始有些微妙的轉變，他們開始銳減掉些許的實驗性格，專注在寫歌本身上，使得歌曲的旋律更加悅耳動聽。

單曲〈Hustle〉輕鬆愉悅的曲調便能成功的擄惑樂迷的耳朵，歌詞對應著專輯名稱，像是講述著一群人們駛船出航遠方，看著眼前出現新大陸或歸鄉的那種興奮之感，流暢的木吉他撥奏與鈴鼓拍擊貫串整首曲子，唱出在海上喧囂著急欲奔向的自由。

除了悅耳的旋律，歌曲的節奏也變得緊實不少，例如〈It Breaks〉的跳躍接續的鼓擊。〈Don't Look Down Or Back〉前奏雖然是單純的木吉他民謠曲調，而在進入副歌時卻突然一躍而起，鼓擊與電吉他共馳，這首歌可以算的上是Tunng前所未有的搖滾姿態。

不同於前幾首歌的輕悅，〈With Whiskey〉的曲調顯得哀愁如冬，好似一人邊彈奏木吉他邊啜飲威士忌，當香淳濃烈的口感在口中散開，旋律也隨之變得強烈濃郁。無人聲的〈By Dusk They Were In The City〉聽來像是他們早期的實驗作品，Folktronica的形式無形的被賦予在其中，後段電吉他的獨奏更是替曲子添加了些獨特的興味。

即使到了專輯的尾聲依舊好聽，〈Santiago〉那個怪奇的聲效實在過於可愛，誰說哼哼唱唱的小品曲調不能在腦中留下深刻的印象。最後的〈Weekend Away〉聽似平淡無奇，但當唱到＂Let it be beautiful , When we sing the last song.＂時卻莫名的感動，如果整張專輯是一齣歌舞劇，這首歌就像是謝幕曲，向觀眾致上深深的敬意，如此美妙的結尾。

《...And Then We Saw Land》雖然不是什麼驚天動地的實驗之作，但相當適合在春冬交替之際聆聽。如果喜歡聽些新的民謠曲調，Tunng的音樂始終能帶給你些什麼不一樣的東西，那怕只是忙碌生活中一段短暫悠閒的美好下午時光。

Kashiwa Daisuke - April.#02

April.#02這首長達27分鐘的實驗作品來自2006年Kashiwa Daisuke的第一張專輯《April.#02》。第一次聽見April.#02時，當下的感受相當強烈，甚至把整首歌當作是一整張完整的專輯來聆聽。

它的概念是如此零碎又如此完整，彷彿在線性的時間軸發展出非線性的波軌，從開頭的鳥鳴聲推敲出清晨的時間點，轉瞬，各種小區塊性的意志開始拼湊，像是闔眼後被解構的黑暗圖像，抽離與被抽離之間，我們似乎沒有選擇的餘地，於是就這樣進入毀壞的裝置空間，電視的訊號源失去，白色噪音響起，像是一個將你從睡夢中抽起的鬧鐘巨響，轟然，斷絕夢的聯繫，真實接軌，生命運轉，呼吸有了起伏。

編號#02的卡帶撥放，倒轉，停止，前轉，聲音時間加速，非正常出一種脫離認知的摩擦聲響，人說話的聲音被消磨如此，化成細粉，散落在四月的空氣成為他人呼吸的粒子，吸入，吐出，再由另一個人吸入，無法消解的聲音粉沫在人與人之間傳遞，建立起間接關係的關係，不是親人，朋友，也不是陌生人，是聲音的牽繫。

以為是高達的電影，人物說話著的行為卻與影像聲音毫無同步，那該相信行為的真實，還是相信聲音的真實呢。一切有意義的地方就在於它沒有意義，但我們還是在追尋一種可以比擬的理解。如果瑣散，只要相信耳朵重組聲音的能力，便能找回失去的音層;如果毀壞，只要相信眼睛重組影像的能力，便能使得畫面組合再生。

琴鍵程式化的音符輸出，重複堆疊起旋律牆隙。扭曲異化的節拍飛梭，時間吃下延遲性藥物，短暫細小的停頓滯留，藥效一過，回復正常秒針行進。還是，這個時間的鐘沒有時針與分針，如同柏格曼的電影「野草莓」中老人所做的夢，對於一個長時間存在於時間的人來說，時間雖然存在，但已經無法再體會時間的流逝，一種被無力侵襲的感受，感知匱乏。

有時，猶如在遙遠星系中騎著孩提時代的三輪車，踩著腳踏板，輪軸轉動，位置卻依舊停留在那處，一個人被置棄在群星亮爍之中，以為是孤單。那個我不敢說出口的惡夢情節，在鏡子後的世界，沙漠城鎮中的小劇場，上演。

April.#02先由鬆散無章法的聲效組合鋪陳，緩慢凝聚成電子節拍與弦樂混奏的緊湊旋律，再來一陣悄然靜默，讓繁星式的音效點綴，轉換為以琴鍵為主奏的橋段，節奏加快，電子碎拍與琴聲搭合，強調瞬間頓點，沉靜，然後結束。音樂上雖不斷讓人聯想到World's End Girlfriend，但Kashiwa Daisuke的作品更加瑣散的不完整性更成就其獨道魅力。