From A Pale Blue Rosary
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2013年5月2日 星期四

昏鴉 - 寓言式的深黑色風景

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  聽昏鴉的《寓言式的深黑色風景》會讓人陷入到一種似曾相似詭異的場景中,彷彿被日落後的台北所散發出的魅惑氣氛所包圍,最近已經很少能從台灣樂團中找到這樣的感覺。即使歌詞多少有點觸目驚心,但整張專輯的本質終究是傳達出一股異色的浪漫,不管音樂後不後龐克,加入傳統樂器的配置與詩歌的旋律給人一種時空錯置的幻覺,卻也在現代與古典間找到平衡,減弱了我們習以為常的洋味。

  從〈親愛的密室殺人事件〉開始就像是一則異色的寓言,關於無法抹滅的記憶、空間中所存有的氣味,猶如與幻影共存,俐落的鼓擊與電吉他強襲著耳膜。押著聲韻的歌詞為〈宇宙只有我和妳〉的旋律帶來跳躍感,風琴與急促的吉他刷奏訴說漫長的孤寂,以及等待被碰觸的渴望。

  〈午夜暗橋探戈探戈〉是相當有趣的一首曲子,舞曲的節拍打在風琴的彈奏上,猶如有人正跳著死亡的雙人舞,詭譎的呼喚開通了通往空蕩的街道。主唱的獨特腔調在〈我就是迷戀著妳即使妳以沈入湖底〉與〈打包我的心當午餐吧寶貝〉聽來更顯著,低沉又帶著念詩般的韻味。

  由貝斯為前底的〈打包我的心當午餐吧寶貝〉有著很特別的樂器鋪陳,交雜的電吉他聲響編得相當漂亮,中間穿插著小提琴明亮的輕撥聲,最後再以虛無的嘶喊畫下句點,雖然字裡行間臟器和骨灰,但超現實的文字無關乎是將掏心掏肺的奉獻化為一種激烈的形式。

  昏鴉的編曲創意在〈黑海之舞〉一展無遺,你會覺得他們編曲很不傳統,但富饒詩歌的韻味又將那傳統的旋律纏繞在自身,整首歌分成好幾個小段,器樂聲在空間中的此起彼落、忽快忽慢,讓人漂浮在黑暗潮汐的激浪與平靜之上。

  在經歷一陣暗潮洶湧後〈蹲北地底洞窟勘查實錄〉聽來意外的悠然自得,空氣突然輕盈了起來,感傷的情緒卻被隱藏在表面無事的假象底下。專輯同名曲〈寓言式的深黑色風景〉則描繪著主人對一隻貓離去的感觸,以及等待死亡後的再度相遇,尖銳的吉他聲響咆嘯畫過夜色天際,朝不知去向的貓兒前進。最後的短歌〈詩〉就像一段浪漫的邂逅,旋律聽來異常的溫暖。

  雖說《寓言式的深黑色風景》是昏鴉的首張專輯,但聽起來並不是一張新手之作,無論是樂器或是詞句都表現得相當成熟。你以為你聽到的只是一個樂團,不過感覺倒比較像是一個臥虎藏龍的藝術計劃,且看身懷絕技的他們在黑暗的城市中心玩著古今交融的浪漫詩歌。




 


2013年4月4日 星期四

Girls Names – The New Life

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  Girls Names的音樂給人的感覺帶有著灰色的情緒,像一座被陰雲籠罩的城市,隨著雨珠落下時的淅瀝嘩啦聲響陷入到一種無光的空寂,但從殘存在車窗上的水珠探看出去的城市還是保留了透亮的特質。

  這張《The New Life》最先會讓人聯想到八零年代的獨立音樂,不管是後龐克還是一些以Jangle(明亮)的吉他音色來譜曲的樂隊,甚至將它擺到英國Factory Record(工廠唱片)早期的發行品中也不會使人感覺突兀,你絕對想不到能把這些樂風玩的如此熟稔的Girls Names是來自美國東北邊的港口城市貝爾法斯特,不過他們並不是一支單純拷貝特定樂風的樂隊,他們更擅長將樂風融合在一塊,創造出新的聲景

  與上一張專輯《Dead To Me》相比,《The New Life》可以說是一步大躍進,拋除掉過去Indie-pop成份較多的部份,《The New Life》聽起來顯得聰明許多,無論是在編曲還是製作的每個環節都比上一專輯來得進步。樂隊的主要創作者Cathal Cully在譜寫這張專輯的期間,最常聽的是David Bowie的《Low》和A Certain Ratio早期的作品,這些聆聽經驗也多少影響了這張專輯更傾於後龐克音樂的走向。

  偏向後龐克的曲式讓每一項樂器都有相當好的延展空間,在專輯的製作上多少也聽得出來受到Factory Record名製作人Martin Hannett的影響,分明的鼓擊回響、明亮的吉他撥弦與間段性的刷奏、灰暗的合成器音色,穿梭左右聲道的效果,種種都使得他們的音樂聽起來相當具有立體感。

  整張專輯的節奏也是我相當喜歡的,在快與慢之中取到平衡點,融入了Krautrock那種平穩又有速度感的拍子,給人一種在音樂上頭穩穩滑行的感覺,Cathal Cully低沉的嗓音更讓曲子聽來些許漂浮。或許因為他曾待過一組Space rock樂隊的關係,《The New Life》比一般的後龐克音樂來得迷幻飄渺一些。

  〈Pittura Infamante〉前奏的Bass Line還真的挺像The Stone Roses的〈I Wanna Be Adored〉(上一張也有一首〈I Could Die〉的前奏超像The Libertines)不知是否有刻意致敬的意思。從〈Hypnotic Regression〉和同名曲〈The New Life〉看Girls Names的編曲就能知道他們聲音層次的豐富,殘響的吉他刷奏與明亮柔和的吉他音色相互輝映,時而只剩貝斯與鼓擊獨奏以及微妙的電子聲響襯味,樂器與樂器間的空間聽起來相當的寬敞。

  Cathal Cully說這張專輯取作《The New Life》是表達一種持續不斷改變的概念,在這一生中,你不需要一直去扮演某個角色或是一直做同一件事。在心底深處,你知道自己能夠改變,即便烏雲已壟罩了大半的人生,還得以不同的角度繼續追尋光亮。


2013年1月20日 星期日

Esben and the Witch - Wash The Sins Not Only The Face

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  《Wash The Sins Not Only The Face》作為英國布萊頓後龐克樂隊Esben and the Witch的第二張專輯,勢必會被拿來與首作《Violet Cries》比較。在新作中他們的確選擇走向與前作不一樣的方向,不管是氛圍的營造還是編曲都有些改變,但卻缺少了在前作中那股詭譎的磅礡氣勢,這張專輯回歸到更加平實的寫曲,也更容易讓聽者進入歌曲中的情境。

  我還滿喜歡女主唱Rachel Davies的嗓音,厚實、深沉,沒有矯作的高亢,唱起深幽的旋律相當迷人,配起樂隊暗色調的音樂感實在合適不過,此專輯內大部分的詞句也是由她所填寫,主要受到超現實主義,Sylvia Plath、T.S. Eliot等作家的影響,也為他們的創作增添了文學的色彩。

  聽到首曲〈Iceland Spar〉穿插著壯大的電吉他音牆,還以為他們在這張專輯改走起Shoegaze樂風,但這樣的風格也僅此於這首,其他曲目大多還是以明亮的電吉他撥奏來做陪襯。如〈When That Head Splits〉和〈Shimmering〉就以厚重的氛圍感與電吉他撥奏為曲子的基底,配上Rachel幽魂般層疊飄忽的歌聲,讓人感覺錯置於三度空間內的光怪迷離。

  在前面幾首的恍惚飄渺後,單曲〈Deathwaltz〉才又拉回了些注意力,不管旋律與節奏都緊湊十分,一首披上華美外袍的死亡華爾滋,彷彿於街燈明滅的街道上跳著圓舞曲。電子節奏較重的〈Despair〉也相當獨特,毀滅重擊式的聲響劃過滯悶的空氣,對於絕望沒有一絲的憐憫。

  可能《Wash The Sins Not Only The Face》中不少曲子同質性太高的緣故,不免失去些聆聽的鑑別度,但還是有幾首突出的曲子讓人驚艷,就像終曲〈Smashed To Pieces In The Still Of〉又再度展現前作所溢發出來的氣勢,也由衷希望他們能延續自己的特點。即便面臨黑暗,Esben and the Witch將繼續在幽暗處繼續點燃他們的焰火。

2012年12月1日 星期六

Merchandise - Children Of Desire

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   或許有點難想像Merchandise的兩位主要團員Carson Cox和David Vassalotti早在這項音樂計劃之前就已經活躍於佛羅里達州坦帕的hardcore punk場景,當你聽到他們的單曲〈Time〉時,還會以為是某個初試啼聲的後龐克樂團,有著印象深刻的吉他Riff以及溫情動人的旋律,但後來接著聽專輯的其他曲子,才會發現他們的音樂其實與他們骨子裡野性的龐克根源脫不了關係。

  Merchandise將他們的所有作品放在網路上免費供人下載,當然他們的第三張專輯《Children Of Desire》也不例外,雖然這張專輯由紐約布魯克林的小廠牌Katorga Works發行,但專輯和音樂錄影帶全靠他們自己錄製,甚至連演出都由自己安排。在《Children Of Desire》開始受到注目後,便有不少廠牌來與他們接洽,有人問,難道你們不想加入大型的獨立廠牌嗎?主唱Carson Cox說道:現在大型的獨立廠牌就已經是主流了,反正我們什麼都可以自己來,加不加入好像無所謂。也就是這樣的獨立精神,讓Merchandise保留了最原始的粗曠興味。

  把所有Merchandise都聽過一遍後,你會發現《Children Of Desire》是他們最平易近人的作品,就像八零年代那些我們所愛的後龐克音樂一樣,充滿黑暗深邃的旋律。他們的家鄉的唱片行不多,但還是買得到卡帶版的Sisters of Mercy、Clan of Xymox 、Cocteau Twins的第一張專輯,這些音樂構成了Merchandise音樂的雛形,不過Carson Cox也提到Nina Simone 和Miles Davis這些傑出的爵士樂手對他們音樂的潛在影響。

  有些人根除了欲望獲得自由,有些人被欲望束縛無法超脫,《Children Of Desire》的主旨就是探討著欲望對人的影響。實體專輯付有一本小書,團員David Vassalotti將歌詞隱藏在書的內容當中,你必須透過故事才能窺探到他們的歌詞,實在是相當有趣的一個做法。

  這張專輯的長度雖然不長但卻令人聽得滿足。我很喜歡他們編的吉他Riff,從〈Time〉、〈Become What You Are〉再到〈In Nightmare Room〉都讓人感到航行在時間的長流上。長達十分鐘的〈Become What You Are〉分成兩部分,上半部為主旋律,下半部為Krautrock式的噪音演奏,鬼魂般的歌聲與鼓機、合成器、電吉他刷奏扭打在一塊,雜鬧的過癮。

  〈In Nightmare Room〉中黑暗壯闊的吉他音牆成功的將幽閉的空間感營造出來,似乎夠勁的後龐克音樂就該是如此。〈Satellite〉是專輯少有的鋼琴曲,讓恐懼的情緒回歸到平靜。做為專輯最後的曲子〈Roser Park〉把時間拉得很長,讓人在慵懶的合成器、噪音旋律中漂流,然後再接上〈Time〉中那段讓人印象深刻的Riff,為專輯闔上封頁。

  沒有宣傳、沒有大製作,《Children Of Desire》又再一次證明Merchandise走在獨立製作音樂這條路上是對的,他們玩音樂並不為了什麼,能支撐他們的一直是對音樂的那股熱情。



2012年9月15日 星期六

Cult of Youth - Love Will Prevail

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      Cult of Youth的《Love Will Prevail》是一張充滿黑暗、力量、溫柔的專輯,而能擁有這樣的特質無疑是來自於主唱Sean Ragon淬鍊多年的結果,早在Cult of Youth有現在的樂團樣貌前他已在家錄製無數的歌曲,後來又在紐約布魯克林開了間名叫Heaven Street唱片行,並在唱片行後頭建立自己的錄音室,這張《Love Will Prevail》便是在這間錄音室的錄製下所誕生,他在訪談中也提到不少錄製過程的艱辛。

  Sean Ragon年輕時受Neofolk曲風的影響至深,諸如Death in June、Current 93、Coil等都是他所喜愛的樂團,也因為這些影響,Cult of Youth的音樂除了以民謠為核心元素外,還多了些後工業、後龐克的味道。鼓手Glenn Maryansky也是團內的另一位要角,你可以聽見Cult of Youth的特點在於大量的木吉他刷奏與沉重鼓點的行進搭配,他的鼓擊讓每首曲子聽起來更加有力道,每一個小節都俐落有致,而女提琴手Christiana Key的琴弦拉奏則為曲子添加幽美深邃的華麗感。

 《Love Will Prevail》無論在製作或編曲的細膩度上都比前作來得出色不少。專輯的開場先獻上一曲沉重的〈Man and Man's Ruin〉,起先是小鼓再來加重節奏,急促的琴弦聲與長號吹奏鋪成整段旋律,相當有勁的開端。〈Golden Age〉輕快有力的鼓組與貝斯韻律成了主秀,Sean Ragon的嗓音在混厚與嘶吼中反覆著主副旋律,到了〈Prince of Peace〉又變得迷幻溫柔,彷彿在世界失控前,依然高舉著和平旗幟。

 〈Garden of Delights〉的黑暗氣氛讓我想起一些Death in June的曲子,沉重的鼓點、紛亂的電氣音效、Sean Ragon由憤恨的高吼突如轉為正常的唱法,完美的接續下一首〈A New Way〉,貝斯低音、琴鍵聲、長號、木吉他刷奏、電吉他噪音頓時都湊在一塊,Sean Ragon改用激昂的嗓音將旋律點帶至最高,氣勢十足。

  我相當喜愛〈New Old Ways〉中重度分明的鼓點與旋律鋪陳,中段的吉他旋律像極了Joy Division,後段電吉他延遲聲效與長號的融合異常迷幻,如同黑潮來襲一般,氛圍感濃厚,這樣的編曲方式超出常理卻很有意思。節奏緊實的〈The Gateway〉又再度開啟黑色的另一章節,Sean Ragon唱著幽幻迷離的旋律卻又不忘著紛怒意識的陳述。

  《Love Will Prevail》徹底展現出Sean Ragon譜寫黑色曲調的功力以及製作的成熟,而在專輯的背後則是那股堅持到底的獨立製作精神,相信他們的聲勢在未來將會越來愈壯大。青春的邪典崇拜,愛終將戰勝一切。


2011年8月15日 星期一

馬克白 - HANDS

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還記得初次瞧見馬克白演出,他們在試音時彈奏了Joy Division / New Order的名曲〈Ceremony〉,當前奏一出,馬上就強烈吸引到我的注意,這首歌對無數喜愛後龐克的青年們而言就像是一個獨特的印記,他們彷彿在說:「如果你喜歡這首歌,那你或許會喜歡我們的音樂。」不出所料,當吉他、貝斯、鼓猛烈齊發,復古鍵盤聲響一出,馬克白的音樂果真擁有這首曲子所傳承下來的血脈。

好聽的後龐克音樂,在各樂器的表現上都必須層次分明,旋律含括些黑暗的意念,但在編曲上也容易落入型式的窠臼,不過馬克白在專輯《Hands》中所展現出來的思維卻相當不俗。他們的編曲偏向於千禧年後後龐克復興時的新一代樂隊們,如同近年The Horrors和Editors將八零年代的合成器旋律融入後龐克的曲式裡,甚至在他們反覆的吉他刷扣和速度感的鼓點中,也可以讓你感受到Dance-Punk那般的跳舞節奏。

序曲〈All In〉由緩慢的吉他旋律開始,在逐漸加快樂器節奏,給人十足的聽覺暖身。〈Shadow Killer〉裡激昂的電吉他刷奏與合成器的旋律完美的契合在一起,著實聽來刺激。〈Ant Glasses〉與〈Louis Ninetten〉的合成器音色聽來十分具有電玩感,在那層層灰暗的吶喊旋律下,還藏著些許的趣味。

以〈Love〉這首演奏曲為分界,專輯才正要開始進入高潮,尤是倒數三首更是令人聽的過癮。〈Spin〉的Bass Line绝對是整首歌的亮點。〈New Universe Order〉中扭曲的合成器鳴響與綿密的鼓點連成一氣,不斷變換的樂器橋段將情緒繃上到最緊。他們的壓軸曲目〈Red Light City〉擺在專輯最後勢必讓人感到意猶未盡;看著入夜城市的閃爍霓虹燈,不可抑制的黑暗情緒才正要開始蔓延。

《Hands》的音樂類型在台灣的獨立搖滾樂壇中绝對是少見,即使吸取西方養分,他們也把玩的相當不錯;當你聽完馬克白的音樂後,不經意會發現,台北與曼徹斯特間的距離似乎比想像中來的靠近。


2011年2月2日 星期三

Esben and the Witch - Violet Cries

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Esben and the Witch雖取名自丹麥的一則童話故事,不過他們的音樂卻遠超出一則童話故事所能給予的想像空間。Esben and the Witch在創作上運用了許多極微的概念和一些實驗性的氛圍,他們自稱受到Scott Walker的《the Drift》、HEALTH的 《Get Colour》以及Joy Division的《Closer》這三張專輯的影響,所以你可以感受音樂中除了絕暗無光的鬼魅氣氛,還不時融入些電子元素與電吉他音牆。

主唱Rachel Davies的黑暗聲嗓仿如後龐克樂隊Siouxsie and the Banshees的Siouxsie Sioux,即使在高音部也能保持著深厚的穿透力,將內心深處的恐懼重現在腦門,但那樣的聲音並不是為了使你懼怕恐懼,而是為了使你擁有對恐懼的抗體,對抗恐懼。

他們的第一張專輯《Violet Cries》於今年在獨立名廠Matador下發行,算是2011年初相當有力的新聲音。近年來總是抱怨新團的表現不佳,但我覺得《Violet Cries》擁有一些與眾不同的質量,他們能將一些老舊的聲響以巧妙的手法表現出另一種現代感,如同The XX的同名專輯那般,單純、迷人。當我們懷疑未來的音樂走向是否會越來越複雜時,他們的音樂卻帶領我們走向一些更簡單的概念,將各種音樂類型的元素小巧融合;簡單一點的說法就是:「往回看,再重組」。

《Violet Cries》的開場曲〈Argyria〉以鋪陳的手法緩慢引入各種聲響,由吉他的單音與單點的鼓擊轉而為反覆的電吉他音牆與零碎的電子聲響,然後搭著Rachel的灰暗嗓音行進到單曲〈Marching Song〉,〈Marching Song〉描寫著軍隊高唱行軍曲直至戰亡的景象,壯大的氛圍及單音吉他貫串整首曲子,大鼓與銅鑼的敲擊將氣勢提到最高,然後如同〈Argyria〉結尾最後由電子聲響淡出,這樣的手法也成為他們編曲中常見的方式。

〈Light Streams〉受到發明家特斯拉的啟發,曲子如同他發明的電子儀器所放射出的電流光線,帶著美妙的亮度卻擁有無比殺傷力,這首歌讓我想起Bark Psychosis的後搖滾編曲,脫離傳統的主副歌架構,將聲音減到最小化再將聲音填滿。

〈Hexagons IV〉是專輯裡我最喜歡的一首,這首曲子的主歌與副歌旋律有一種不相稱的違和感,但整體聽起來卻具有相當的美感,副歌的旋律異常的美妙,彷彿將你的魂魄安置在一個黑暗密閉的小房間,與世隔絕。

〈Chorea〉的Chorea是一種舞蹈病症,這首歌或許是專輯裡聽來最有壓迫感的一首,我們就像是舞蹈症病患,無法控制自己的身體,只能將自己扭曲的不成人形,聽完後一種毛骨悚然的感覺從背脊而上。

Rachel的嗓音在〈Eumenides〉表現得時而分裂時而唯美,將異色的美感展露無遺,後段的舞曲節拍更是令人感到驚奇,在深邃的幽幻之音外留有現代的墮壞感。

我想,Esben and the Witch最迷人的地方就在於那種無形的神祕感以及對黑暗的想像力。或許你一開始會沒辦法接受《Violet Cries》那種誨澀的沉重感,但這張專輯的確會越聽越使人入迷,就如同燈關上的瞬間還無法在黑暗中擁有辨識力,但只要一習慣黑暗後,你便能在黑色的一切中找到你所想要的東西。



2010年11月24日 星期三

透明雜誌 - 我們的靈魂樂

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昏暗的地下場景,又將白色煙霧吸入肺葉,有點缺氧、暈眩。刺耳的電吉他聲激烈的在耳旁炸響,高速的鼓擊下我們又跟熟悉的陌生人衝撞在一塊。是在跳舞,還是一種對生命態度的不確定,我始終不知道,但透明雜誌的下一首歌或許能告訴你一些你從未確定的事。

當龐克搖滾落入到這個量產複製的年代,我開始對那些重覆的激昂與熱血感到無感,不過聽完《我們的靈魂樂》後,裡頭的激昂似乎能在心裡掀起一些漣漪,甚至如同專輯名稱,音樂裡的確存在著直率的靈魂,尤其他們中文詞的創作更能將你拉進到曲子的靈魂深處,沒有一點隔閡的距離。

〈性的地獄〉是我第一次聽就很喜歡的曲子,起先是Bass Line與第一把吉他交互應合再疊入另一把吉他,而後彷如將Television於〈Marquee Moon〉裡經典的吉他Riff引渡到歌曲的血液裡,生理與心裡的衝動化為劇烈的吉他噪音,懇率的跟你說著:「歡迎來到性的地獄」。

聽〈時速160公里的吉他、貝斯和鼓〉就好像回到去練團室的熱血心情,鼓與吉他的聲音總是離心臟那麼近,快速的刷奏吉他就像在公路上以160公里的速度騁持,鼓棒下的每一個鼓點都像是連續投出一顆顆時速160公里的直球。

她獨自坐在教室內,發著呆,她獨自走在路上,唱著自己的歌。《九月教室》鮮明的描繪著這樣的景象,可能讓人想起某個一直存在於記憶角落的人,也可能會想起你自己,總是一個人,一個人唱著自己的歌。曲末以淡出的方式結尾,把整首歌的情緒得宜的控著在落寞的邊緣。

〈凌晨晚餐〉起頭由薄微的吉他彈奏轉為厚重的吉他刷奏,猶如在半夜由淺眠轉為清醒,思緒隨著夜晚的黑暗而明亮,而他又再一次看見,清晨那一片淺薄的藍色。

如果你曾在那,〈師大公園地下司令〉會讓你想起那些地方,我們在師大公園旁的書店,我們在師大公園喝酒,我們在師大公園….,時間這樣過去,人們來了又離去,不經禁想起朋友們是不是都還過得好。〈Illmaga〉以即興的方式嘻哈了一段,於曲後再補上破音吉他與龐克呼喊,相當絕妙的混合。

〈少女〉請了班班來獻唱,我很喜歡這首歌的旋律,或許是專輯中旋律最好的一首。少女準備離開這世界,歌詞寫到:「回想起來每一個人的臉,不知道你們之中有誰也會想念。」她想起每一個人的臉龐,然後發現自己的身體慢慢變得透明,最後消失在人群中。扭曲的電吉他聲下,寂寞的故事變得真實如夢。

專輯中穿插了不少一分至兩分鐘的龐克短曲,諸如〈Anorak〉、〈Soul Blast〉、〈有時候真想往你臉上灌一拳〉等,尤其聽〈有時候真想往你臉上灌一拳〉更是一種靜態的宣洩,當你覺得這一切都很無聊、很煩悶、很狗屁的時候。

《我們的靈魂樂》裡不少曲子的編曲都相當的與眾有別,兩把吉他的對談方式尤其精妙,從中的確可以聽到一些格式外的創意,不過最讓人讚賞的還是那一種對音樂的衝動以及無以畏懼的能量。

他背著他的Rickenbacker電吉他,彈奏噪音,不用拐彎抹角的詞彙、字句,唱著自己的歌,唱著自己和他們的歌。

2010年4月1日 星期四

The Wake - Here Comes Everybody

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"And although the feelings changed
 The words still sound the same"

The Wake在1982年成軍於蘇格蘭的格拉斯哥,取名自James Joyce的小說《Finnegans Wake》。他們在八零年代中期的作品《Here Comes Everybody》是我非常喜愛的一張專輯。這張專輯陪我走過一段短暫的故事,而當故事結束時,有好一段時間不敢撥放這張專輯的任何一首歌,只因為害怕想起些什麼,使自己又陷入無法自拔的深淵。旋律總是附著在記憶的內裡,無論如何使盡力氣洗刷,始終還是會殘留著朦朧模糊的影像;當旋律進行,回憶的影像也跟著行進,此時,空氣是哀愁。

《Here Comes Everybody》延續著後龐克低鬱黯然的美學,使之轉化為更加奐美的音符。第一首的〈O Pamela〉就令我十分喜愛,每次總是要聆聽上十幾次才會滿足。白色薄霧感的合成器聲響加上仿古質感的吉他聲線,不得不說實在是相當美妙;主唱Caesar的吟唱方式像是男孩對一位女孩所述說的話語,他用愁傷的筆調在信紙上寫出字句,希望喚起些情愛的漣漪,但始終不得而終,不過在他心中依然確信,女孩是世界的唯一。

〈O Pamela〉也提挈出整張專輯的調性,必須說,這張專輯可以不聽完,但這首歌絕對不能錯過。Nouvelle Vague後來在《Bande A Part》中也翻唱過這首〈O Pamela〉,不過又是另外一種全然不同的風味,他們直接將這首歌美好的旋律性表現出來,讓人感受到舒適無壓的香頌情調。

相當喜歡〈Send Them Away〉單純厚實的Bass Line韻律,搭在合成器所產生的白色薄霧上,更能突顯出一種霧氣的流動感。〈Sail Through〉的節奏略為跳動,鼓點敲在不斷重複的琴件音符配上間奏流暢的吉他單音,Caesar夢囈般的低吟,宛如遊歷夢境的虛實之中。

〈World of Her Own〉在合成器聲響的變化上更為繽紛,配上女合聲,說著女孩將會一個人離去的故事,她會找到屬於自己的世界,因為她相信,愛情不是絕對不會是唯一的解答。〈All I Asked You to Do〉表達的是愛慕之情,歌詞不斷的唱著” All I asked you to do was to dance with me.”,字句表達的是過去式,但是我們無法從中看到任何回答,如同面對沒有回音的愛情窘境。

同名歌曲〈Here Comes Everybody〉則是整張專輯的另一個重點,雖然沒想像〈O Pamela〉有那麼好的旋律性,但卻蘊含著深層的情感思緒,編曲也與其他歌曲有所不同,優雅、低沉、灰色調、不急也不緩,仿如一本經典小說的格律,讀完令人反覆咀嚼,回味無窮。

至今,還找不到一張能與《Here Comes Everybody》相仿的專輯,即使有,也抹滅不了它在我心中的地位。此刻,我獨自沉浸在《Here Comes Everybody》的美好,將故事緊鎖在其中直至一切枯老。


2010年3月2日 星期二

Veil Veil Vanish - Change In The Neon Light

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Veil Veil Vanish的音樂充滿著黑色的符碼,使得後龐克音樂回歸到最初黑暗的本質,但又在黑暗的虛無中開啟霓虹燈的開關,閃燿著與眾不同的特質。

《Change In The Neon Light》是Veil Veil Vanish從2006年成軍以來的第一張專輯;初試啼聲後便受到各方媒體好評,甚至有媒體說像是The Cure找來Neil Halstead和 Kevin Shields擔任吉他手,或許實際上沒有字面形容的那麼誇張,還是得靠自己的耳朵去證實是否真是如此。聆聽完整張專輯時,便覺得主唱Keven Tecon的嗓音有著與The Cure主唱Robert Smith相同的質地,低沉外還帶了點憤吼的意味,這樣的相似的確會不經讓人懷疑Robert Smith是否與新一群人馬重組樂隊,將以往的樂風脫胎換骨一番。

Veil Veil Vanish除了擁有黑色的後龐克血液,還融入少許Shoegaze的吉他表現方式、以鍵盤Synth的效果伴佐,在旋律與氛圍的表現上也相當不俗。

〈Anthem For A Doomed Youth〉由鼓擊引進粗厚雜質感的Bass Line相當使人耳目一新,吉他刷扣中所含有的挑釁成分聽來莫名爽快。〈Exile City〉的緊湊節奏彷彿可以使人縱身跳入黑暗的舞池中,讓焦慮雜亂的情緒得以紓解,解放僵直已久的身軀。

在〈Modern Lust〉中所使用的Synth效果相比於其他歌曲來得重,搭上鼓點的節奏後,可以稱的上是獻給摩登少年們的黑暗氛圍化跳舞歌曲。〈This Is Violet〉聽來有點像是馴化後的A Place To Bury Strangers,不知是否在一起巡迴的過程中偷偷向他們學了幾招,接續不斷的電吉他Riff層層交疊在一起,聽來十分過癮。

最後以〈The Wilderness〉作為結尾;節奏變得異常緩和,電子節拍與真鼓交雜在一起,扭曲的聲響掩埋掉激怒的情緒,聲音結束時,像是關上霓虹燈的開關後,徒留下一片死寂的黑暗。

如果今年還沒聽到好的後龐克作品,待在城市夜晚的苦悶愁思依舊,聽聽Veil Veil Vanish的《Change In The Neon Light》來激勵一下自己將會是不錯的選擇。

         

2009年11月10日 星期二

The Mary Onettes – Islands

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The Mary Onettes一直是我近年來相當喜愛的新興樂團,他們的第一張同名專輯無庸置疑是一張懷舊八零、New Wave旋律的佳作,因此我對於他們後來的作品也寄予相當大的期待,直到今天新專輯《Islands》入手後,好好的翻開歌詞本聽完一遍,才知道The Mary Onettes的音樂這次並沒有讓我們失望。

主唱Philip Ekström說:「每一首歌在專輯都像是一座不同形貌的小島嶼,每一首歌可以像是一張有完整結構的專輯。」,這也是當初專輯取名《Islands》的構想。在《Islands》裡的每一首歌似乎都藏有Philip Ekström自己私人的情感,無論是描寫與女友關係的〈Cry For Love〉還是回憶女友離世母親的〈The Disappearance Of My Youth〉那種濃厚的情感在旋律與歌詞的字裡行間都表露無疑,每一首歌曲都是自己記憶的依歸,也是一種島嶼形式的紀念。

他們在錄製這張專輯期間也發生了些意外,裝有The Mary Onettes所有歌曲錄音檔案的硬碟在Philip Ekström的車內被竊取,雖然他家中的電腦還保有拷貝的檔案,但因為電源的問題,硬碟也壞軌了,在雙重的不幸下,他們只好重新錄製新專輯,有些不同版本的歌曲也就這樣遺失了,真的相當可惜,辛好,他們最後還是排除萬難將這張《Islands》完成於世。

早先聆聽單曲〈Dare〉時,就窺探到了新專輯的樣貌,不同於上一張同名專輯的歌曲,他們加入了許多管弦樂、合成器鍵盤的橋段,使得歌曲的氣勢更加磅礡、優雅且不流俗,主唱Philip Ekström譜寫流暢旋律的功力依舊未減,在《Islands》中沒有一首歌曲是不悅耳動聽的,整體氛圍算是上一張專輯的完美延伸。

讀著〈God Knows I Had Plans〉的歌詞,還可以找到Depeche Mode兩首金曲的歌名,〈A Question Of Time〉以及〈Behind The Wheel〉,不知是刻意的歌迷密碼還是巧合,居然連歌詞都如此新浪潮。而〈Symmetry〉和〈Century〉則相當的The Cure,主唱Philip Ekström的歌聲就像溫和不陰鬱的Robert Smith般,唱著逝去時代的歌謠,悼念不復以往的青春年代,讓人陷入回憶的冰河時期。

〈Whatever Saves Me〉或許是專輯中最動人的一首,歌詞唱著「無論什麼能拯救我,也終將能拯救你。」,可能我們都在等待一種對等的救贖,必須揮別過去的枷鎖,無論時代的洪流加諸在我們身上如何艱難,還是要突破一切繼續堅定的走下去。

如果今年只能推薦唯一張專輯,我想我會豪不猶豫的推薦這張The Mary Onettes的Islands。除了音樂好聽的本質外,如此推薦的原因也在於「有些情感是我們永遠不能忘記的。」,聆聽這樣豐沛情感的音樂使我們更加忠實的面對自己。






                  
The Mary Onettes 'Puzzles' from Labrador Records on Vimeo.

2009年8月6日 星期四

The Exploding Boy – Afterglow

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The Exploding Boy發跡於瑞典的斯德哥爾摩,取名自The Cure在《The Head on the Door》時期的B-Side歌曲,明顯可見他們對The Cure音樂的喜愛,也多次在表演場合翻唱不少The Cure的經典歌曲朝這班傳奇樂隊致敬,由此輕易明瞭,The Exploding Boy的音樂風格受到七零年代後期Post -Punk以及八零年代New Wave極大的影響,聽來也叫人想起在後龐克復興風潮中大放異彩的Interpol。

團員Johan和Stefan 促成了The Exploding Boy雙主唱的編制,使得歌曲更富有相輔相成的變化性。《Afterglow》 與07年發行的同名專輯相較起來成熟許多,無論在旋律性或是歌曲的辨識度上都有很大幅度的進步。在〈40 Days〉中我們聽見的是Johan較為低沉抑鬱的嗓音,彷若跟隨著Joy Division黑暗的步伐,緊湊的節奏牢牢揪著心不放,後龐克式的電吉他大塊刷奏令人爽快,而〈London〉則輪到嗓音較為高亢的Stefan來詮釋,由低音的韻律開場,引出合成器鍵盤、電吉他、木吉他,逐一堆疊出層次,算得上在後龐克樂隊中少見的編曲方式。

〈Heart Of Glass〉悄悄仿造起New Order的合成器聲響與鼓機節奏,成為專輯中少數的電氣搖滾佳作。〈See You〉則是以木吉他為主旋律的慢板歌曲,配上鍵盤合成聲的弦樂質感,多少有些慘情的味道。〈What You Want To〉延續著〈See You〉的慢板曲調,反覆吟唱副歌黯淡的旋律線,這兩首慢歌也成為專輯的中繼點。

單點的鼓擊與低緩的吉他單音拖曳出〈Let The Right One In〉中深絕的吶喊,使得壓抑已久的情緒得以釋放,曲末由琴聲所化下的句點,頗留有深長的餘韻。最後一首無人聲的〈Explodera Mig〉,好似一種無聲的嘆息,寂寥如獨自一人在黑暗行走。

與英美的後龐克復興相比,瑞典的後龐克樂隊有著絕然不同的氣質,在音樂性上彷彿更加精緻、多元,旋律的悅耳程度也相當的高,聽著The Exploding Boy或許我們可以試著期待瑞典下一波後龐克復興的開始。



The Exploding Boy - 40 Days from Ultra Chrome on Vimeo.



2009年6月3日 星期三

The Mary Onettes

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抬頭望著灰濛纏雨的天色,又一次想起集八零年代美好旋律於一身的瑞典樂隊The Mary Onettes,他們兩年前發行的同名專輯從不曾在我耳際間斷,不管承襲多少前人所遺留下的韻律與風格,主唱兼作曲的Philip Ekströms始終能譜寫出那一塊色調的好歌。


從最早在Sony/BMG發行的EP《Make Me Last》就能聆聽出他們深受不少八零年代英國後龐克及新浪潮樂團的影響,甚至神似Jesus and Mary Chain在Darkland時期的創作風格,可惜這張EP的發行並沒有引起太多人的注意,也因此失去Sony/BMG的唱片合約,在失望沮喪之餘,他們決定打造自己的錄音室創立廠牌來發行專輯,但一張寄去獨立廠牌Labrador的一張Demo卻改變了這些原有既定的計畫。Labrador讓The Mary Onettes第一次感覺到有人能理解他們的音樂創作,在06年加入Labrador旗下後,他們隨即發行了EP《Lost》。



EP《Lost》包含四首曲目,歌曲《Lost》簡實沉穩的鼓擊韻律接續著New Order式的鍵盤合成器聲效,營造出一股特有的灰色質感,猶如置身北歐林叢的霧氣當中。《Explosions》由明亮具辨識度的吉他撥弦搭配著大鼓與鑼鈸的節奏揭開序幕,Philip Ekströms傳唱著內心鬱悶不得以表露的情感,但總有一刻那些情感將會隨著心臟跳動的停止而爆發。《What's So Strange?》則是婉約的民謠曲調,單純的木吉他刷奏,宛如在繁星的夜空下吟唱搖籃曲,《R.U.N.》紮實的Bass Line貫串整首曲子,以略帶空間感的吉他聲響為輔佐,彈奏出一段段悅耳的旋律線。



而在下一張EP《Void》,他們以更多元的方式呈現樂曲,除了快板節奏的歌曲《Void》不得錯過的是沒有收錄在同名專輯的《Everyday and Today》和《Translate》。在《Everyday and Today》我們可以聽出Philip Ekströms的嗓音有種古老渾厚的質感,在吟唱激昂處仍保有傷感愁悶的情緒,而《Translate》的緩慢憂傷則讓人想起Joy Division的誨暗旋律,鼓擊與吉他的獨樹一幟表露出一種空曠無人的寂寥。




07年發行的同名專輯沿續著上兩張EP的曲調,在聽完專輯後,不得不佩服Philip Ekströms的寫歌能力,整張專輯十首歌曲沒有一首是濫竽充數,整體歌曲的悅耳度與流暢性更是好的不像話,聆聽過程猶如進入一種復古的朝拜儀式,沒有任何編曲上的破格,但卻無法抹滅首首皆是動聽曲調的事實,每當聽起《Slow》心中的情緒總是糾結在一起,緩慢跳動的心跳開始失速,彷彿是拋棄自身歷史的過往,但又無法坦然釋懷。除了琴鍵合成器所製造出的聲效氛圍,他們也擅長在合聲的運用,使得聲音的表現更為層次立體化。




今年發行的新EP《Dare》,我們可以聽見他們將弦樂運用在歌曲《Dare》中,這不嘗是個新的嘗試。The Mary Onettes無疑是我近年來最喜歡的新進樂團,對於The Mary Onettes的未來總有很多的期待,我相信他們不僅僅是仿照以及懷舊過往的複製品,更是從中重生的嶄新靈魂。或許數年後,《Still》的旋律我依舊仍會哼唱在嘴邊。

The Mary Onettes~Lost from LaundroMatinee on Vimeo.



The Mary Onettes~Henry from LaundroMatinee on Vimeo.



The Mary Onettes~The Void from LaundroMatinee on Vimeo.

2008年11月24日 星期一

Crystal Stilts - Alight Of Night

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來自美國布魯克林的Crystal Stilts有著英國七、八零年代的復古靈魂。當你可以想像家中喇叭的左聲道撥出來是Joy Division的黑暗旋律,而右聲道則撥放著Jesus and Marry Chain的噪音聲線,兩種聲音同時交錯後所延伸的產物似乎就像Crystal Stilts的音樂一般。

主唱Brad Hargett的低沉嗓音令人不難聯想到逝世的Ian Curtis,或是Interpol的Paul Banks,音樂上依舊帶著那種暗沉陰鬱的情懷以及後龐克的鼓擊節奏,粗糙的吉他粒子佈滿歌曲四處,使得Crystal Stilts的每一首曲子聽來都有陳舊荒廢的氣味,猶如得到Jesus and Marry Chain早期在Psychocandy時期的真傳,但又不至於像Reid兄弟如此的狂放不羈,讓反饋如流水般不停的製造出噪音旋律,或是像The Raveonettes優異的將噪音轉換為一種悅耳的糖分。種種比較看來Crystal Stilts在編曲這方面顯得保守許多。

他們在今年共發行兩張專輯,除了最新的Alight Of Night,還有一張Demo味道濃厚的同名專輯,但同名專輯曲目似乎只多了Alight Of Night三首歌,其中一首旋律清淡的Crippled Croon還滿值得一聽,與同名專輯相較,Alight Of Night聽來更為完整。

如果要說他們在前人影子外獨有的特色的話,Crystal Stilts還多了些與眾不同的俗點,像是Graveyard Orbit這首歌的吉他旋律像在昏暗的酒廳漫著舞步,還有Shattered Shine天外飛來一筆的口哨聲,而Bright Night迅速沉穩的吉他Riff也讓人聽的爽快。

但整張專輯聽到最後,The City In The Sea和Prismatic Room這兩首歌還讓人想起了Velvet Underground,只能說Crystal Stilts真的是一組由各種不同復古靈魂重組而成,面對這種樂團,樂迷們總是能夠玩起前人影子猜猜樂的遊戲,除了多了幾分樂趣,也順便懷舊以往的美好。

Shattered Shine - Crystal Stilts

Prismatic Room - Crystal Stilts

The City In The Sea - Crystal Stilts

2008年7月2日 星期三

Joy Division – Warsaw

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對Joy Division來說,Warsaw是一張令人不甚滿意的專輯,卻也是他們第一張的錄音室作品,在團員們對製作的失望下,專輯就在當時胎死腹中,一直到 94年才被重新出版販售,但不可否認的是,這的確是一個偉大樂隊的開端,從Warsaw裡所聽到的都是最不加修飾的龐克之聲,那些具有速度感,以及壓迫感 的能量都在Ian Curtis初澀的嗓音下所爆發。

那時Ian Curtis聲音的辨識度還不及在Unknown Pleasure中如此突出,他就只是個剛組樂隊的龐克小子。或許他們不太喜歡被稱作龐克,但他們的骨子卻流著龐克的血液,對於後世所稱謂的後龐克,就像 是定義一種時代的流變,或多或少也有從無政府主義走向自我內心相互抵抗的意味,在音樂的風格也趨向將節奏放慢,加上低沉的嗓音與誨暗的歌詞字句,而Joy Division就在這個時代的轉捩點上找到屬於自己的方向加上Ian Curtis的個人氣息,成為這樣獨一無二的樂團。 

Transmission、 Interzone、Shadowplay,這三首歌奠定了Joy Division後來風格上的基礎,也都有收錄到他們的第一張專輯Unknown Pleasure當中,跟Unknown Pleasure的版本相較Warsaw裡的版本聽起就像是Demo的作品,如此粗製且不完全,在編曲上甚至有所不同。

Transmission 在Warsaw裡的版本有著詭異的混音音效,聽起來像是電流聲在空氣中四處流竄的,算是專輯中相當異迴的作品。而Interzone則保留了龐克的氣息, 在Unknown Pleasure的版本成了唯一一首Ian Curtis與Peter Hook合唱的作品。Shadowplay算是Joy Division最具氣勢的歌曲,Ian Curtis眼中城市的黑暗景象全都描寫在當中,Bernard吉他的Riff與Peter的Bass Line加上Stephen由弱漸強的鼓聲讓一切都到了位,Shadowplay可以說是Joy Division早期最優異的作品。

Warsaw中的最後一首歌As You Said,可以聽到他們所受極微主義的影響,像是Kraut-Rock的始祖Neu!等前輩的實驗之聲,後來的他們並沒有完全走上這條路,但在某些編曲上面,多少也能聽的出來他們受其影響深遠。

Joy Division - As You Said

2007年9月11日 星期二

About Post Punk - Joy Division

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We'll share a drink and step outside
An angry voice and one who cried
We'll give you everything and more
The strain's too much, can't take much more
I've walked on water, run through fire
Can't seem to feel it anymore



從Sex Pistol第一次登上舞台演出,並發行第一張專輯”Never Mind the
Bollocks Here's the Sex Pistols”
後,1976~1980年間無數英國青年紛紛搭
載上這龐克熱潮的順風車組起樂團,那些將龐克音樂演變成極富自我風格
的樂種我們稱之為後龐克,後龐克在音樂性上不同於龐克的大鳴大放,反
而內斂且低調,也可以說從原先龐克三個和絃的模式走向更精緻化,甚至
衍發出哥德樂風,相較於龐克無政府主義的訴求,後龐克較多於對自己感
情與內心的省思,其中著名的樂隊諸如Joy Division、The Cure、The Fall、
Echo & The Bunnymen、Gang Of Four、Siouxsie and the Banshees、The Wire、
Public Image Ltd.、Talking Heads、Television。

70年代末期到80年代初期的後龐克樂風影響了後來的New Wave、Alternative Rock
、Brit –Pop, Grunge,一直到近幾年出現的後龐克復興,一堆樂團如雨
後春筍般不停冒出,或許你會罵他們沒有新意,老調重彈,但有些樂團
也在後龐克的影子上玩出自己的風格,縱觀後龐克運動雖只有短短幾年,
卻開啟了另類搖滾樂的大門,多少人物,多少故事,多少反叛者的內心衝
突,即使是30年後,他們的音樂始終無法被時代推陳出新的產物給泯滅。

 英國傳奇後龐克樂隊Joy Division

 兩名二十歲英國青年分別是Bernard Sumner與Peter Hook在1976年一場性
手槍的演唱會後興起組團的念頭,剛好在徵求主唱的同時巧遇同在現場的
Ian Curtis,隨後便邀他擔當主唱位置,一開始的團名取叫Warsaw(華沙)取自
David Bowie的歌曲Warszawa ,找來與Ian Curtis同校的鼓手Stephen Morris後,
他們將團名更改為Joy Division(歡樂分隊)取自於二次大戰中德國納粹的慰安
婦營隊,在得到創立Factory Records 廠牌的製作人Tony Wilson賞識下,他們
發行了第一張專輯Unknown Pleasure,歌曲誨暗異迴的風格也奠定後來人們對
Joy Division的印象,每一首歌詞都出自主唱Ian Curtis之手,專輯裡頭所蘊藏
的黑暗詞彙加上他低沉渾厚的嗓音下,無不讓人感受到恐懼的壓迫感,緩慢
的節拍,加入效果器與合成器的使用,Peter Hook特殊的貝斯線鋪成與Bernard Sumner
的吉他交互搭配,Stephen Morris不時還融入電子鼓聲效使Joy Division擁有
令人印象深刻的低迴旋律。

 專輯當中一曲”She`s Lost Control”是主唱Ian Curtis看到一位癲癇症患
者發作情形所做的描寫,其實也暗喻罹患癲癇症不時失去控制的自己在舞
台上特異的舞步,Ian Curtis在表演途中時常發生抽搐的情況使表演中斷導
致民眾暴動,加上為了負擔家中一妻一兒與外遇戀情的壓力下,他日漸消沉
,只能藉由歌詞與歌唱來表達他自身所擁有的痛苦,那是一種無人可接觸的
黑暗,一直到最後他似乎也無心於樂團上。1980年在他們即將前往美國的前
幾天,Ian Curtis聽著Iggy Pop的專輯The Idiot,在自家上吊結束了自己23歲的
年輕生命,樂團的第二張專輯Closer也在他死後發行,而Closer也成為Joy Division
的經典專輯,挾帶著Ian Curtis死亡的沉重氣息,他們早已跳脫龐克樂固有的
枷鎖成為自我風格強烈
的樂隊。

 Love Will Tear Us Apart是Joy Division最出名的單曲,也是Ian Curtis墓碑上所
刻印的字串,我們不斷從歌詞中體會他所描寫人性疏離與悲哀孤寂,那些他所
經歷過的種種,都在人們腦裡留下深刻的痕跡,縱使在三十年後,依舊會有新
一代的青年聆聽他們,靈魂縱然消逝而旋律卻不曾間斷,我們始終無法忘記
Ian Curtis這位永遠的黑暗搖滾英雄。

 歷史上Joy Division只維持了三年的時間,但對後世的影響卻遠遠超過人們
的想像,Ian Curtis離開後,剩下的團員組成80年代新浪潮最重要的樂團New Order
,一個不同於Joy Division的黑暗時代,接下來的故事又是另一個搖滾樂史上的傳奇。

 Joy  Division - New Dawn Fades

※此系列文章刊載於台北科技大學搖滾音樂研究社第三期


About Post Punk - The Cure

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Slowly fading blue
The eastern hollows catch
The dying sun
Night time follows
Silent and black
Mirror pool mirrors
The lonely place
Where I meet you


鬼魅般的後龐克樂隊The Cure

 很少人不對The Cure主唱Robert Smith的造型感到印象深刻,澎亂的頭髮
加上鮮紅的嘴唇,鬼魅般的濃妝,儘管不少人稱他們為Gothic Rock(哥德搖滾)
,不過Robert本人似乎不太喜歡這個稱號,The Cure成軍於英國的Crawley,
在1979年發行了他們第一張後龐克氣味濃厚的專輯Three Imaginary Boys,那時
也常與另一組後龐克樂隊Siouxsie and the Banshees合作,他們的第二張單曲
”Boys Don't Cry”廣獲大眾喜愛,輕鬆的曲調加上可愛的歌詞,就如同1992年
的”Friday I`m In Love”成為家喻戶曉的歌曲,幾乎大多數的人都是聽過
”Friday I`m In Love”才開始認識The Cure,但Robert Smith曾在一次訪談中提
到這首歌並不能完全代表The Cure。

 他們從1980年到1987年間所發行的專輯,大多都嵌含沉重的黑暗氣息,
探討生命死亡的昏暗歌詞,一直到1989年所發行的Disintegration,這張音樂性
完整的經典專輯,所營造的特異氛圍使你彷彿進入古早世紀的莊嚴殿堂,富饒
意味的吉他旋律,打造出Pictures Of You、Love Song、Lullaby這些優異的單曲,
Robert Smith的嗓音雖稱不上優美,但卻常常使人掉入他聲音些許迷幻的漩渦,
時而憤怒、時而深情、時而逗趣。

 從70年代後期一直到現今經過無數成員的替換,The Cure仍在舞台上演出,
同屬那個時期的樂團許多早已凋零解散,只剩下The Cure屹立在後龐克的舞台上
,Robert Smith年老未衰只是有點發胖,那永久不變的裝扮,伴隨星期五午後
Friday I`m In Love的歡愉樂聲躺入我們記憶深處。

The Cure - Fire in Cairo

About Post Punk - Gang Of Four

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The past lives on in your front room
The poor still weak the rich still rule
History lives in the books at home
The books at home


Punk加Funk等於四人幫Gang Of Four

 你可能聽過現在最紅的Franz Ferdinand或是Bloc Party等後龐克復興樂團,
那千萬不要遺忘Gang Of Four,他們才是真正跳舞龐克的老大,取名自對岸
四人幫的Gang Of Four不乏擁有左派思想受社會主義、馬克思主義的薰陶,
在後龐克這個時間點上,他們絕對是獨樹一幟的樂隊,揉合龐克音樂以及
放克的強烈韻律節奏,產生一種會讓人想到舞池跳無的新種龐克樂,也就
是後來的人們俗稱的Disco-Punk。

 1979年發行的第一張專輯Entertainment!,去除那些後龐克們原有的黑暗,
帶來前所未有的新鮮感,整張專輯愉悅程度叫人興奮,電吉他的刷扣聲跳躍
在活潑的貝斯彈奏上,身體彷彿可以跟著規律的鼓擊聲一同律動,主唱Andy Gill
的歌唱方式讓人感覺不像是傳統的歌唱,反而接近於唸唱,也不時穿著西裝
在舞台上猛跳舞步,對於在同期的樂團上,他們的旋律性卻相當高,專輯當
中歌曲Return The Gift、Damaged Goods就是如此,在歌詞上沒有一般龐克的
憤怒,卻也在暗地的批判著社會以及政治,Entertainment!絕對是一張後龐克
時期的重要專輯。

 如果把他們拿來現今聆聽,不會有所謂時間上的隔閡,2005年發行了
Return The Gift這張經典曲目數位混音重發,向那些偷學不少東西的後輩們
證明誰才是老大。

Gang Of Four - Damaged Goods

後龐克專輯推薦
Joy Division – Unknow Pleasure
Joy Division – Closer
Echo & The Bunnymen - Ocean Rain
The Cure – Disintegration
The Cure - Kiss Me Kiss Me Kiss Me
The Cure - Pornography
Gang Of Four - Entertainment!
The Wire - Pink Flag
Siouxsie and the Banshees –
Kaleidoscope
Public Image Ltd. – Metal Box
Talking Heads - Talking Heads 77
Television - Marquee Moon
Young Marble Giants - Colossal Youth

後龐克復興專輯推薦
The Strokes - Is This It ?
Franz Ferdinand - Franz Ferdinand
Bloc Party – Silent Alarm
Interpol – Turn On The Bright Light
The Libertines - The Libertines
Arctic Monkeys - Whatever People Say I Am, That's What I'm Not

相關書籍
Rip It Up and Start Again: Post Punk 1978-1984