Jesu - Every Day I Get Closer to the Light From Which I Came

       Jesu的專輯封面總是呈現出一種灰色朦朧的調性，這張《Every Day I Get Closer to the Light From Which I Came》也不例外，灰階色彩的花瓶、雕像，欲透露出音樂的調性卻又不讓人猜透。

       要聊Jesu的這張專輯之前就不得不先小小介紹一下這個音樂計畫的背後主腦Justin Broadrick，他出生於英國的伯明翰，受到嬉皮父母的影響，從小就有很好的音樂品味，也時常流連在英國鄉間的景象，這樣的景象與畫面的色彩時常在 Jesu的音樂中表現出來，年輕時期所聽的龐克與重金屬音樂成為他玩音樂的養份，短暫待過輾核樂隊Napalm Death，以及組成Godflesh玩起工業金屬，接著還有電子音樂、氛圍、噪音等音樂類型的個人計畫，雖然Justin Broadrick擁有這麼硬底的背景，但他在兩千年後所組成的Jesu在音樂上相較起來就平易近人許多，甚至比其他個人計畫擁有更豐富的情感，以重金屬 音色的吉他音牆為主，長篇慢節奏的編曲手法讓樂評人們對Jesu的音樂套上「後金屬」這樣的名詞，但Justin Broadrick本人對這樣的稱呼並不以為然，他寧願稱自己為後龐克或是龐克，拋開這些音樂名詞的遊戲，Jesu音樂中朦朧的音牆意外的也吸引到一些原 先就喜歡Shoegaze樂迷，至少對我來說就是如此。

        Justin Broadrick的年齡雖然已經超過四十，但他還是開玩笑的稱自己才二十九歲，如果不先認識他，或許Jesu的音樂對我來說聽起來的確像是一個憂鬱少年 所作出的音樂。最近作為人父的他，對孩子降臨在他身旁受到很大的啟發和力量，在這樣的靈感下《Every Day I Get Closer to the Light From Which I Came》中的音樂聽起來給人一種溫暖的感覺，像是觸碰著被披上一層灰色的朦朧罩紗的肌膚，可以感受到些許的溫度，當然Justin Broadrick的天性難移，在一些小地方還是暴露出他過去作為金屬樂手的身份，聽〈The Great Leveller〉這首長達十七分鐘的曲子時，先是以為是一首可以預料到情節的後搖滾歌曲，但在中段就突然來一段金屬刷扣蹭蹭好幾聲，也不管別人會不會覺 得突兀，但對我來說這是Jesu音樂有趣的地方，因為他在曲風的守備範圍上保留了一定的彈性。

      他在專輯中唱著淺顯的歌詞，但卻營造出一些衝 擊的意象，像是〈Comforter〉唱著：「你希望他們消失在此，被送去地獄，永不復返嗎？你希望天空被開啟，降下無止盡的雨將他們沖走嗎？」聽起來是 一種將恨意化為意念的描述，而同名曲〈Every Day I Get Closer to the Light From Which I Came〉則是一種對生命起源的追尋，假如孩子的出生象徵父親的死亡，他彷彿再一次透過音樂看到了生命光源的起點。

      雖然〈Grey Is the Colour〉這首器樂曲並沒有專輯其他歌曲來得動聽，但歌名呼應了先前所提到這張專輯封面的灰色調，要是個人的顏色喜好也代表著一個人的信仰，那 Justin Broadrick對灰色的信仰就在這首歌有所表明了。《Every Day I Get Closer to the Light From Which I Came》提醒著人們，他們每過一天都距離那塊無名之地又更近了一步。

Gliss - Langsom Dans

　　美國洛杉磯三人樂隊Gliss今次的專輯《Langsom Dans》有別於上一張《Devotion Implosion》中以電吉他為主的噪音、車庫搖滾，嘗試了氛圍較凝重的電子元素，音樂的色調瞬時由豔陽的光亮轉為夜色的暗沉，從過往頗受好評的曲風破繭而出，這樣大膽的轉變也挺讓人為之驚豔。

　　丹麥語的專輯名稱Langsom Dans英文翻作Slow Dance，意指此專輯所能帶給人的那種慢舞感，有些曲子或許會令人聯想到Depeche Mode在《Ultra》中黑暗慢板的曲調，又帶著一點Trip-Hop的迷駭，但不完全偏於冷調的合成器音色，歌曲主要還是以俐落的主副歌旋律為上，例如聆聽〈A To B〉這首曲子時，你立刻就會被強勁的電子節奏帶入到旋律裡，丹麥籍女主唱Victoria Cecilia與男主唱Martin Klingman相互搭唱，充滿迷離破碎的情感。

　　由電子碎拍為底奏的〈Into The Water〉在編曲上做了很好的調配，搭配起貝斯的低音與迴響的鼓擊，冷曠的空間感立刻呈現在耳前，猶如潛入深海中所感受到的冰絕，實質是一首痛心的離去宣言。〈Weight Of Love〉聽起來並沒有其他曲目來得出色，但以女聲為要的旋律還是流行好聽的，如果能在中感覺到一絲愛的重量，這首歌也算是達到了目的。

　　飄渺的合成器聲響壟罩著〈Hunting〉，迴響貝斯震著耳膜，簡單的主副歌旋律在雲霧上翻來覆去，有點迷人，但又像置身霧氣，伸手卻抓不到什麼深刻的東西。〈Waves〉的旋律也許是專輯中最動人的，帶點苦澀的微笑，卻又含淚在眼。喜歡上一張專輯的樂迷在聽到〈The Sea Tonight〉後，心裡會想：終於來了首吉他為主的曲子，馬上一掃前面陰霾，讓愉悅的光亮短暫照向此處。

　　最近頗流行以Heaven為歌名，Gliss當然也不落人後的來了首〈In Heaven〉，不過取名為Heaven的曲子聽起來似乎都不太愉悅，究竟置身天堂是好是壞，終究不會有真正的解答。

　　喜歡上一張專輯的樂迷或許會對《Langsom Dans》感到失望，畢竟這不是一張充斥噪音吉他的專輯，但對於他們的新嘗試我還是抱持著肯定的態度，至少你在當中不會找到難以入耳的曲子，這也證明了他們譜寫旋律的功力在換過曲式後依舊不褪。

My Bloody Valentine - EP's 1988-1991

        My Bloody Valentine日前發行了重新混音的兩張專輯以及一張EP和稀有曲目的選輯，身為樂迷的我當然二話不說馬上從唱片行購入這三張專輯，其中最吸引人的莫過於是這張《EP's 1988-1991》，裡面除了收入《You Made Me Realise》、《Feed Me with Your Kiss》、《Glider》、《Tremolo》這四張EP外，還外加了三首他們從未發行的曲目。

　　對之前沒有機會收集到這四張EP的樂迷來說，《EP's 1988-1991》的確是一張超值的選擇，畢竟他們EP的音樂質量我覺得並不遜色於專輯。如果要問我最喜歡哪些My Bloody Valentine的曲子，單曲〈You Made Me Realise〉一定是首選之一，Fuzz的電吉他聲響、詭異的和弦行進、強勁的節奏，噪音的層次鋪疊、Kevin Shields和Bilinda Butcher的合唱，整首曲子潛藏著一股病態的焦躁不安，聆聽者如同被一道銳利的眼神緊緊盯住，你完全無法逃脫出它的視線之外。這首歌在他們的現場也被當作壓軸曲，不同於原曲的是後頭還接續加入了一段近二十分鐘的無序噪音，一百三十分貝的聲音暴力美學，不戴耳塞便難逃耳鳴的威脅。由現場的重用度來說，〈You Made Me Realise〉對他們來說絕對是一首相當重要的單曲。

　　《Glider》EP裡的〈Don't Ask Why〉算是他們少數清晰的慢歌，旋律也不晦澀的悅耳，鈴鼓的節奏穿越整首曲子，曲末顫抖的電吉他噪音意外的有畫龍點睛的效果。由Bilinda Butcher主唱的〈Off Your Face〉，旋律更是幻美到不行，歌詞一樣描繪著情愛關係裡的苦痛與浪漫，最後，人聲呢喃與電吉他聲效一同扭曲在音軌的空間裡，讓人好似躺在柔軟的床墊上，深深入睡。

　　《Tremolo》是我覺得他們最性感的一張EP。運用電吉他噪音和人聲去表現出一種奇異的美感一直是他們在音樂創作中不變的課題，而《Tremolo》裡的曲子則將這樣子的美感展露無遺。〈Swallow〉以人聲為旋律的要角，吉他迴圈式的刷奏為襯底，夢境般的詭譎聲效時而成為主旋律。〈Honey Power〉則使用大量的電吉他顫音音牆為間奏，彷彿騁馳在一條條通往銀河的軌道上。慢板曲調的〈Moon Song〉以相當模糊的方式來處理聲音，徹底將那種在白色迷霧中所體會到的美感以聲音的形式展現出來。

　　三首未發行的曲子中，雖然都很喜歡，但硬要挑一首最愛的出來，那應該是《Good for You》，很Indie-Pop的曲調，但又將一些失序的噪音效果有點突兀的添在裡面，相當具有青澀的趣味感。

　　距離二十多年的重逢，《EP's 1988-1991》這張選輯的發行無疑是給樂迷最好的禮物。將CD放入撥放器，即使只有短短三年的時間，這次，終於沒有任何他們的聲音是被我們所遺漏掉的了。

Lotus Plaza - Spooky Action at a Distance

　　

　　還記得去年在Deerhunter演唱會上，我聽著吉他手Lockett Pundt在舞台上唱著新歌〈Desire Lines〉，那曲子不同於他們其它的歌曲，充滿著他自己的個人風格：奇幻與內斂，叫台下的聽眾沉醉在那片紫色的聽覺光景中。仔細聽過他所寫作的歌曲，即知道他從不使用絢麗的吉他技巧，而是讓吉他的聲線以魔幻的方式呈現出來。

　　因為Lockett Pundt從小對天文物理學有濃厚興趣的緣故，化名為Lotus Plaza的他便把＂Spooky Action at a Distance＂這理論取做新專輯名稱，這理論譯為「量子糾纏」，意指兩顆相反方向移動但速率相同的電子，無論多遙遠的距離，仍保有關聯性，如果其中一顆電子發生變化，另一顆電子的狀態也會產生變化。或許Lockett想用這理論來表達人與人之間的關連，類似心電感應，當一個人遭到痛楚，心繫的另一人即能馬上感受到同樣的狀況，超越所有時間、距離的牽絆。

　　Lockett將這理論化為音樂氛圍，他所編排的鼓機節奏與吉他聲線彷彿能帶你穿梭宇宙天際，遊歷星群，在各個不同的時光隧道來往自如，當中使用大量殘響、延遲效果的電吉他聲效，則扭曲了時間的正常行進，將所有正常的事物非正常化。

　〈Strangers〉和〈Out Of Touch〉兩首曲子都是以先編好鼓在加入吉他的方式來編曲，他以特殊的吉他調弦法注入曲子的靈魂中，表現出與眾不同的音場，〈Strangers〉聽來相當Jangle，明亮的吉他單音迴旋不斷，〈Out Of Touch〉則是大量運用殘響，搭上Lockett有點Lo-Fi的嗓音，慵懶的滑行在虛實之間。

　　在〈Monoliths〉中Lockett以天文物理的角度來觀看這世界，歌詞寫道：「那裡沒有世界、沒有神、沒有仇恨、沒有樂趣、沒有信仰，就只有我一人。嘿，外面的那處啊，我希望有天能一直待在那。」，他彷彿想超脫俗世，站在地球之外的某處，在無重力的空間中怡然自得的翻轉身軀。

　　而〈Jet Out Of The Tundra〉聽來像極Indie-Pop名團The Field Mice的曲子，淺淺的貝斯迴圈，小巧精妙的吉他刷弦，突如聳立的吉他噪音，甚至還有琴鍵旋律，不得不佩服Lockett在編曲上的巧思。

　　〈Remember Our Days〉紀念著那些與好友所渡過的日子，即使彼此如同兩顆背道而馳的電子不再相見，心中仍舊會惦記著對方。整張專輯我最喜歡的歌是最後一首的〈Black Buzz〉，不同於其他曲子，這首以原音吉他的刷奏來編曲，唱著黑暗孤寂的詞句，雖然簡單，卻也美好。

 

　　《Spooky Action at a Distance》比上張專輯多了些意境，擁有探索宇宙奧妙的魔力，他像是位永遠年輕的魔術師，以吉他為道具，變幻出各種奇妙童趣的聲音把戲。此外，Lockett於今年將和他的未婚妻步入禮堂，也在此祝福他們百年好合。

Yppah - Eighty One

Yppah是來自美國德州的樂手Joe Corrales Jr.所化名的一項音樂計畫，他所涉獵的音樂領域可以說是相當廣泛，從Shoegaze、IDM、Trip-Hop 至Hip-Hop等樂風都在他的守備範圍內，所以在Yppah的音樂中所聽到皆是此些樂種的綜合體。曲風的融合在某種程度上並不是輕易就能做到好聽，甚至更容易失穩搞砸，不過Yppah在這一方面卻做的很好，尤其是這張《Eighty One》。

《Eighty One》的創作靈感是Corrales由德州移居到加州的海岸邊所獲得的，那處漫天海岸線以及耀眼陽光也成為專輯中的聽覺光景。相較於Yppah之前的作品，《Eighty One》帶來了更多溫暖順耳的旋律，還找來西雅圖的女樂手Anomie Belle前來獻唱幾曲，使得曲子的旋律線有了許多延伸的空間。

Corrales說道：「當你還是孩子的時候，會感覺到生命中有一個能聽見卻伸手無法觸及的主旋律，但這旋律絕不是你之前曾經聽過的。」 對照起序曲〈Blue Schwinn〉一開始出現的孩童嬉鬧聲，這樣的概念也成為專輯一個純真的開端，海上的波光粼粼是叮鈴響的電子節奏，乘載著兒時的記憶迴盪心門。

〈D. Song〉將嘻哈旋律、電子節拍與Shoegaze式的吉他刷奏合而為一，聽來如琉璃般的剔透，腳踏沙灘上的溫暖熱度。在〈Film Burn〉中，重複的電氣節拍與女聲飄渺的旋律完美的相互融合，曲末突如加入的小提琴，更有畫龍點睛的效果。〈Happy To See You〉擁有十足的Shoegaze氛圍，彷彿能感受到空氣迅速的在周遭流動，甚至是日月星塵的永恆變換。

專輯聽到一半，正當你覺得Yppah的招式已經用盡時，〈Paper Knife〉則帶來了Drum'n’Bass的節奏與電吉他撥弦二合一的絕招。你會想，那IDM和Shoegaze的結合聽來會是如何？〈Three Portraits〉馬上就替這兩種曲風做了最棒的聯姻；夢境般的氛圍把碎拍包裹起來，好似跳跳糖在耳內炸響。

或許跟Corrales玩樂團的經歷有關，Yppah的音樂絕不是Laptopd樂手所能表現出來的。即使使用大量的電子音源，將真實樂器適時加入，更能讓曲子保有著真實的厚度與層次。然而，在《Eighty One》深廣的音樂空間內，美好終究不再只是字面上兩個孤單的字詞。

Doodle - Sacrifice in Despair

在那些絕望的時刻中，犧牲成為了宿命，也成為Doodle首張專輯《Sacrifice in Despair》的誕生。聽著《Sacrifice in Despair》裡豐富的聲響，不經會讓人覺得這組樂隊一定有著大量的音樂聆聽量，然後從中吸取養分，嘗試過許多的電吉他效果器實驗，最後才將所習得到的東西內化完全，進而轉化為自己的創作。

Doodle的音樂脈絡中流竄著八、九零年代新迷幻搖滾的血液，你可以在他們的曲子中聽見Spacemen 3以降樂隊所建立起的迷幻太空聲響，以及受到將早期迷幻音樂重新詮釋的The Brian Jonestown Massacre和The Warlocks等新迷幻樂隊的影響，當然還少不了Shoegaze名團Slowdive迷濛似幻的低吟旋律與電吉他音牆。 

作為序曲的〈Entrance〉引領著聽者進入他們音樂的迷幻隧道，無縫銜接著〈Dirty Fairy〉以及〈Limbo〉聽來一氣呵成，以空間感的效果器築構起聲音的場域，再刷奏粗噪的破音吉他，讓噪音效果成為曲子行進的要角，甚至在歌曲四處皆可聽到反饋殘響，而殘響也使得整體的聽覺空間變得更加立體。 

〈Something We Forgot〉與〈Lost in Blue〉讓專輯蒙上一股憂鬱的色彩，使人猶如走入隧道許久後卻瞧不見盡頭似的迷茫。〈Chronic Suicide〉則流露出與其他曲子不同的氣質，帶著Indie-Pop的旋律聽來好似The Vaselines的〈Jesus Wants Me for a Sunbeam〉，因此不知此曲是否為另類的致敬。〈Addiction〉來回穿梭耳際的聲響更讓人沉醉於他們把玩太空搖滾的無盡漂浮中。 

雖說英語的唱詞不免讓人聽來與國外樂隊難以有所鑑別，但《Sacrifice in Despair》在聲音的組成與編曲上聽來流暢且細膩，空間感相當的棒，聲響極具有變化性，對喜歡新迷幻搖滾的台灣樂迷來說，這張專輯绝對是不可多得的作品。

                                                                                       原文刊載於iNDIEVOX

The Pains of Being Pure At Heart – Belong

The Pains of Being Pure At Heart的新專輯必定是Inde-Pop/Shoegaze迷今年共同的期待，他們在09年所發行的同名專輯使我們再度重返那段美好噪音旋律的黃金年代，彷彿將人拉回到過往青春時期的悸動情緒。在首張專輯發行之後他們同時獲得不少的好評與青睞，而英國名製作人Alan Moulder也因此看中他們，欲想幫他們錄製新專輯，但因為檔期的問題，Alan Moulder並無法抽空製作只能參與混音的部分，於是他便引薦另一位製作人Flood前來幫助他們完成專輯。

Flood曾幫Nine Inch Nails、Depeche Mode以及The Smashing Pumpkins等名團製作過專輯，然而The Pains of Being Pure At Heart在遇到名製作人時也難掩緊張的情緒，畢竟上一張專輯是由他們自己所製作，而這是他們第一次與製作人合作，但幸好，《Belong》錄音的過程還算是相當順利。

我們不禁會猜想經Flood操刀後的The Pains of Being Pure At Heart會有甚麼樣的改變，更加青春洋溢，還是朝向另一條道路，走向深層的暗色調。但對我來說，他們在編曲上變得成熟許多，或許少了以往那種青春無敵的氣味，不過曲子聽起來相當完整、飽滿、層次分明，像是鍵盤手Peggy Wang的合成器聲響在《Belong》裡就表現的十分豐富，她將吉他噪音以外的空白處給填補起來，完成了一幅幅七彩鮮艷的聲音油畫。

同名曲〈Belong〉以Fuzz式雜裂的噪音吉他貫串整首歌，旋律以漸進的方式抵達內心所屬的深處，順耳好聽。節奏快速跳躍的〈Heaven's Gonna Happen Now〉穿插短打的電吉他獨奏，如同在春天艷陽下滑板衝刺般的爽朗。

單曲〈Heart In Your Heartbreak〉猶如一首欲想擺脫憂愁的傷心情歌，主唱Kip Berman與Peggy Wang合唱著副歌，實在是流行的好聽，徹底將Indie-Pop的精華表現在其中。〈The Body〉就像屬於他們的流行舞曲，悅耳的合成器聲響穿越整首曲子，如同無數隕星畫過天際，美好的八零年與九零年代在耳旁原音重現。

〈Anne With An E〉恍如The Jesus and Mary Chain在《Darklands》時期所寫出的曲子，節奏簡單，沒有多餘的白色噪音填塞，只有低沉的嗓音唱著美好的旋律。〈My Terrible Friend〉中流暢的合成器旋律、明快的節拍，青春洋溢的氣息又重新返回到他們身上。終曲〈Strange〉如同My Bloody Valentine的音樂般，如夢似幻的噪音音牆與合成器的夢囈氛圍相互映和，最後，聲音緩慢的消失在彩虹另一端的盡頭。

或許是今年還沒聽到不錯的Inde-Pop/Shoegaze專輯，因此《Belong》的出現就像是天降甘霖一般，專輯內的每一首歌都流暢且好聽，實在令人雀躍；心中依舊期盼The Pains of Being Pure At Heart能再度帶動起美國另一波Indie-Pop風潮，因為他們始終是那顆最耀眼的新星。

Loomer – Ceiling

喜愛Shoegaze音樂的朋友一定對〈Loomer〉這個字詞不陌生，它正是My Bloody Valentine在《Loveless》專輯裡的第二首歌，然而，來自澳洲布里斯本的四人樂隊Loomer即是承襲了這首歌的樣貌玩著Shoegaze音樂，這種由歌名轉變為團名的過程就好像是一種象徵性的傳承，從團名中就能微微看出他們音樂的脈絡以及內裡。

他們於今年年底所發行的專輯《Ceiling》相當能抓住我的耳朵，無論是女主唱Breannen幽幻迷離的嗓音還是吉他噪音的空間感都擁有著異常迷人的特質，具有某種黑暗不見底的深度。整體編曲的方式沒有特別明顯的主副歌旋律，所以聽起來些許含有實驗即興的味道，但也正因為如此，更賦予了歌曲許多窠臼外的變化性。

以Bass Line起頭的〈Enchanted〉挾著迷幻的吉他Riff，此後，吉他噪音的洪潮隨著鼓的落點瞬下而爆發，聽來非常過癮。Loomer除了受到My Bloody Valentine的迷幻噪音音牆影響，從〈Ceiling〉這首歌也可聽的出他們從Sonic Youth身上所習得的編曲方式，鼓的節奏直線速度般的行進，電吉他的反饋聲響流竄其中，呼囂般的噪音聽來個性十足，很有意思的一首歌。

〈French〉聽來更加的黯然不見光芒，Breannen的聲音猶如從噪音的深谷底呼喊出來，最後鼓點與吉他不斷反覆著樂句直至曲子結束。從〈Saving Daylight〉便能聽的出來他們不是屬於柔美的Shoegaze樂派，鼓與吉他刷奏的落點鏗鏘有力，具有速度感的節奏使人腎上腺素直升，激烈與破壞頓時同存。

《Ceiling》表現出他們對詮釋Shoegaze音樂的方式已經有很好的純熟度，曲子聽來不會與前人過度相似，甚至含有些不錯的變化性。如果你是喜歡幽暗氛圍的重度Shoegaze樂迷，相信一定不會對Loomer的這張《Ceiling》感到失望。

Candy Claws - Hidden Lands

在聽到Candy Claws之前，我從未知道Dream-Pop音樂可以與自然有所密切的繫結。Candy Claws來自美國科羅拉多州的科林斯堡，這個常被讚譽為生活品質優異的城市。科林斯堡周遭環圍著山麓以及河川，壯闊的天然美景隨時能在眼前舒展開來，而源自於此的Candy Claws猶然吸收這塊大地的各種美好特質，將它轉化為如夢似幻的優美旋律。

他們的第二張專輯《Hidden Lands》延續上一張《In the Dream of the Sea Life》的創作方式，以一本書籍為主要概念來譜寫詞曲。因此，他們這次選用了《The Secret Life of the Forest》這本科學叢書來作為創作靈感的泉源，書中描寫了遠古時期至現代的植物演進，以及有關於森林起源的種種一切。

Candy Claws的創作核心來自Ryan和Kay這對情侶檔，在Candy Claws的音樂中你可以時常聽見他們兩的聲音呢喃在一塊，仿如在同一條聲線上能夠同時具有雌雄的兩種音色，夢囈似的共鳴。他們的樂曲不同於傳統的夢幻民謠樂隊，反而像是由Animal Collective所傳承下來的嫡系，使用大量的合成器營造出樂曲的空間感，唱著零碎的旋律，再添加不少傳統式的敲擊樂器聲響，但整體感覺卻絲毫沒有冷酷的電子感，反而讓聽覺置身於一處奇幻的幽山壁林。

聆聽〈Sunbeam Show〉的感覺就如同萬物的初始，一道曙光照射在空無一物的泥土地上，各式植物的芽頭才正要開始冒出，開始它橫越千年的旅程。溫暖的合成器音色包覆了〈Warm Forest Floor〉的根脈，群林的景象緩慢的圍繞在身邊，動物無聲無息的藏匿起來，但你依舊嗅得到它們瞬變的氣息。

〈The Breathing Fire〉則是相當可愛的用了氣泡式的鍵盤聲響，副歌的旋律如同一首雋永的童謠，帶領大人們進入兒時的夢鄉，在一片無邊境的草原無拘無束的自由奔跑。〈Silent Time Of Earth〉莫過於是專輯裡旋律最優美的一首，即使是模糊不清的詞曲，意境的形朔依然使人感到身處萬林般的寂靜，這一刻，地球上所有的聲音猶然在自己的內心消聲靜止。

《Hidden Lands》使我們遠離都市過度的喧鬧、擁擠，提醒著你陽光透過葉脈照射在肌膚上的觸感，以及大自然種種美好的一切。有些音樂始終含有帶人去旅行的特質，只要透過聽覺，我們彷彿能感覺到眼前所看不到的景象，感覺，如此有距離卻又如此靠近。

Ghost Band、Ghost Song、Ghost Album

Ghost Band︰

Team Ghost

Team Ghost顧名思義是一組由鬼魂們所組成的音樂團隊，這樣的團隊裡窩藏著三位對音樂執迷的幽魂，分別是前M83團員Nicolas Fromageau、Christophe Gueri以及製作人Jean-Philippe Talaga。M83發行第二張專輯後，Nicolas Fromageau因不同的音樂理念以及渴望更多的創作空間而離開，近幾年全心專注於Team Ghost的音樂上。他們的首張EP《You Never Did Anything Wrong to Me》延續著M83式的Shoegaze樂風，雖在電子節奏的部分減弱不少，不過依舊未減以往異幻的迷離感。〈A Glorious Time〉優美的吉他音牆與悅耳的旋律，讓人想起過往Shoegaze音樂最榮耀的時刻；〈Sur Nous Les Étincelles Du Soleil〉朦朧的Vcoal聲聽來如同鬼魂毫無距離感的在耳旁碎語。我想，他們必然是今年最強勁的瞪鞋迷魂。

Ghost Song︰

Trembling Blue Stars - The Ghost Of An Unkissed Kiss

有時候，我們會幻想能將自己的靈魂脫離身軀，就像能夠四處遊蕩漂浮的鬼魂那般，飛往遠方心愛的人身旁給在睡夢中的她驚喜的一吻，雖然對方不會感覺到被親吻過的痕跡，但依然是種鬼魂式的浪漫。延續The Field Mice擁有純正Indie-Pop血統的倫敦樂隊Trembling Blue Stars，在《Alive to Every Smile》專輯中的〈The Ghost Of An Unkissed Kiss〉就存在著這樣詭譎的浪漫情感，只要聆聽這首歌輕巧悅耳的旋律，就會讓你想起深夜熟睡中，是否有這麼樣的一吻存留唇間過，也許是遠方的愛人、也許是已逝的親人，他們或許都曾不經意的悄悄來到床頭拜訪，這絕對不是驚悚嚇人的恐怖片情節，而是種另類的思念情懷。

Primal Scream - Zombie Man

你是否能想像活死人從山丘的墓園地中一個個破土而出，臉上猙獰著面目卻還略帶著詭異笑容，僵硬的用他們瘦骨如柴的手指按下收音機播放鈕，隨著喇叭放出逐漸增大音量的鄉村搖滾群體起舞，彷如電影般的荒謬情節。而出自於Primal Scream專輯《Beautiful Future》裡的〈Zombie Man〉就是從收音機喇叭放出的殭屍之歌，雖說這首歌以殭屍為主題卻不帶任何攻擊性的恐怖氣氛，輕鬆愉悅的曲調、適合跳舞的節拍頓點，使得沉睡在墓園已逝靈魂紛紛甦醒，不光只是這首〈Zombie Man〉，《Beautiful Future》當中所混雜眾多元素的音樂風格、強烈的節奏絕對能讓活死人各個手足舞蹈的放肆僵直千年的腐朽身軀。所以我們說，搖滾樂不只能鼓舞人心，也能鼓舞活死人早已喪失的躍動之心。

Ladytron - Ghosts

來自英國利物浦取名於Roxy Music歌曲的Electropop樂隊Ladytron，他們復古的電子節奏總讓人想起八零年代New Wave時期的眾多名團。Ladytron以〈Ghosts〉作為他們專輯《Velocifero》的先行單曲，當中最誘人的想必還是主唱Helen Marnie的嗓音，她的歌聲近乎冰冷，含帶些許媚惑的情感，在冷峻的電子節拍下聚集起一種吸引黑暗靈魂的氣氛。從歌詞的副歌中解讀，這首〈Ghosts〉並不是在形容真實存在的鬼魂，而是個人內在所分裂出的另一個魂魄，但這個魂魄的意志是與這個人外在的表現有所相違背的，意指，即使我說出道歉，並不代表我真的對此感到歉意。正所謂每個人心中皆有鬼，這首〈Ghosts〉無疑表現出真實內心與言語表達的互相矛盾。

Mojave 3 - Ghostship Waiting

Jim O'Rourke - Ghost Ship In A Storm

電影裡的鬼船總是海上最恐怖的船艦，無論是武力強大的軍艦、劫富濟貧的海盜船、捕魚維生的小漁舟，只要海面開始狂風暴雨便要擔心是否有鬼船出沒。鬼船們一艘艘悄悄從他們背後襲擊，就此展開一場生靈與死靈之間的海上大決戰。由九零年代瞪鞋名團Slowdive所遺留下的Dream Pop / Folk樂隊Mojave 3，在《Puzzles Like You》專輯中的第七首歌〈Ghostship Waiting〉彷彿就是鬼船在陰影處等待偷襲的狀態，雖然鄉村搖滾的曲調一點也不嚇人，但也顯現出鬼船上眾多鬼魂們的愉悅心情，反觀美國另類／實驗音樂才子Jim O'Rourke，他在最著名的《Eureka》專輯所編奏的〈Ghost Ship In A Storm〉，則表現出鬼船在狂風暴雨中仍能處變不驚，甚至不減凌人的氣勢，歌詞中也將〈Ghost Ship In A Storm〉隱喻為一種在危難時仍能保持平靜的心情狀態。

Deastro - Daniel Johnston Was Stabbed In The Heart With The Moondagger By The King Of Darkness And His Ghost Is Writing This Song As A Warning To All Of Us

Daniel Johnston - Casper The Friendly Ghost

Synth-Pop新星Deastro將Daniel Johnston這位美國知名的獨立唱作家納入自己如故事般的超長歌名中，歌名敘述「Daniel Johnston被黑暗魔王用刀刺進心臟，而他的靈魂正寫下這首歌來警告我們」，雖然有點令人摸不著頭緒，但也如同Deastro五花八門的電子聲響充滿著無邊無境的奇想。而Daniel Johnston自己因對鬼馬小精靈Casper這部動畫的喜愛，也以此為主題寫了一首鬼魂歌〈Casper The Friendly Ghost〉收錄他的第五張專輯《Yip Jump Music》，在Daniel Johnston低傳真的音樂中，我們總會回憶起善良的Casper，這位螢幕史上最友好的小男孩鬼魂。無獨有偶，我們在觀賞Daniel Johnston的紀錄片【魔鬼詩篇】（The Devil and Daniel Johnston）時更能體會他內心世界的魔鬼與純真，即使有躁鬱症的困擾，仍舊不減他對藝術創作所抱持的執著。

Ghost Album︰

M83 - Dead Cities, Red Seas & Lost Ghosts（2003）

死寂的城市、血色的海面、流離失所的鬼魂，這三種虛幻的影像構築起法國樂隊M83這張專輯的聲音模組。Anthony Gonzalez與Nicolas Fromageau以扭曲的鍵盤聲響建立起Shoegaze音樂不可或缺的噪音音牆，再以電子節奏取代真實鼓組的節拍，無疑成為Shoegaze音樂電氣化的新典範。〈America〉這首歌中充滿著拼貼的詭異人聲，猶如收音機擷取到第三世界的頻率，感受著流離失所的鬼魂們在自身週遭的空氣中徘徊不去。〈Be Wild〉的電子節奏如同幽魂緩慢無聲的步伐，死寂的氛圍讓人感到落寞。〈0078h〉中扭曲的女聲反覆不斷，雖然表現出靈魂分裂的焦躁，卻異常的唯美，宛如氣質佳好的女幽魂正歇斯底里的說著另一世界的語言。

Bang Gang - Ghosts From The Past（2008）

來自冰島的Bang Gang，其實是Bardi Johannsson這位才子的一人樂隊，他也曾與法國女歌手Keren Ann合作，組成Lady & Bird這對才子佳人的組合，當中低迴唯美的樂風相當令人著迷。而不同於一般對冰島音樂純真淨潔、與世無爭的印象，Bang Gang的歌曲以普通的搖滾樂為基底，譜出一首首不流入俗套的流行旋律。專輯同名曲〈Ghosts From The Past〉以來自過去的鬼魂描述早已陌生的戀人，雖然仍留有愛意，但卻如同死去的靈魂無法挽回，徒留自己一人寂寞在此。〈The World Is Gray〉描繪出活在灰暗天色底下空虛寂寥的人們如何找回自己，假使人只剩下空洞的軀殼，就會像無處可去的鬼魂只是在塵世沉淪擺盪。〈I Know You Sleep〉依舊是一首在黑暗中找尋一絲光亮的哀愁情歌。整張《Ghosts From The Past》所圍繞的皆是愛情所帶來的寂寞灰暗，這樣的低迷也營造出一股幽冥的氛圍。

※原文刊載於Ｈinoter 映樂誌 41期　 　

Black Tambourine – Black Tambourine

今年剛好是美國獨立廠牌Slumberland的二十週年，為了紀念廠牌最早期的樂隊之一Black Tambourine，他們近期重新發行了1999年的《Complete Recordings》這張1989年至1991年間的錄音選輯。

Black Tambourine存在的時間實在過於短暫，像是一顆從黑夜劃過的流星，在閃耀的瞬間同時也墜入地面逝失光彩，但即使在短短的時間內，他們的音樂還是影響著無數現在美國在地的獨立樂隊，諸如The Pains Of Being Pure At Heart、Vivian Girls、Crystal Stilts等，當然還有由本來團員所分支出去的樂隊Velocity Girl、Whorl、Castaway Stones等。

作為Slumberland這個獨立廠牌最早期的樂隊，不經會讓人猜想他們與廠牌之間有些什麼關係，沒錯，廠牌創始人Mike Schulman同時也是Black Tambourine的團員之一，他負責擔任鼓手的位置和彈奏部分歌曲的吉他。當時Black Tambourine也只能算是個Side Project，團員們各自有自己的樂團與生活要忙，雖然彼此對音樂的喜好相同，但最後還是得走上解散的命運。

Black Tambourine主要深受眾多英國獨立樂隊的影響，從他們音樂的噪音吉他中很容易就找到The Jesus & Mary Chan的蹤跡，當然還有受到the Pastels以及C86整個Indie-Pop流派的薰陶。他們默默效仿著英國的Indie Kids們，將這些樂風悄悄引渡進九零年代初期的美國華盛頓。

女主唱Pam Berry的聲音帶有些不顯要的朦朧感，他們即使玩著Noise-Pop，但Pam Berry所哼唱出的旋律，似乎比較接近於六零年代的流行、民謠曲調，配上粗噪低傳真的噪音聲響，實質如同聆聽遭受訊號干擾的收音機，有一種懷古情懷的味道。

重發專輯的同時，他們也找到1990年時的現場影像，將其剪接重新製作成〈For Ex-Lovers Only〉的Music Video，這首歌也象徵著Black Tambourine音樂中所帶有的性格，如同The Jesus & Mary Chan代表作〈Never Understand〉，時而尖銳的高頻噪音Feedback與旋律融為一體，抑鬱低沉的外表下包裹著甜蜜的情緒。

〈Black Car〉聽來夢幻民謠般的旋律，彷彿Galaxie 500玩起噪音吉他。〈Throw Aggi Off the Bridge〉的靈感則是來自the Pastels這首〈Crawl Babies〉的音樂錄影帶。專輯中我最喜歡的歌，莫過於是只有一分鐘的〈We Can't Be Friends〉，有著傻裡傻氣的Bass Line、悅耳的旋律、得宜的噪音，相當好聽。

重發專輯除了原本的十首歌，還多了兩首Demo、以及新錄音的兩首翻唱、兩首未發表歌曲〈Lazy Heart〉、〈Tears of Joy〉，翻唱歌曲則是Buddy Holly的〈Heartbeat〉和Suicide的〈Dream Baby Dream〉。

Black Tambourine "For Ex-Lovers Only" from Slumberland Records on Vimeo.

Pam Berry翻唱Velocity Girl 的 Crazy Town

Low Sea – Las Olas

「沒有聲音的干擾，夜晚寒冷的氣息沉的入底。妳站在岸邊，遙望遠方被黑暗圍繞的孤船；船上的燈火像是星星逐流在海浪上，漂浮且冷耀著暗夜，這種漂泊不定的方式莫名的與心中的渴望契合。妳想起吳爾芙在《海浪》中所寫下的瑰麗文字，書中描述著在一天中海與光暗的變化，並穿插著人們從孩提、青年、壯年至老年的無常；每個人物腦中的意識流變轉化為異彩的文字像沒惡意的藤蔓纏繞著妳。當妳感覺故事沒有前進的方向時，隱約的，時間正引導著不規則的方向改變一切，甚至包括故事的紋理。」　

聆聽Low Sea的音樂時，腦中突然將最近讀過的書與他們的旋律湊在一起，開始蹦發出各種不同的景象和人物；胡亂的將音樂套入文字，文字套入音樂，玩著腦內的遊戲，拼湊起一個陌生女子在海邊回憶起一本書的影像。

來自愛爾蘭的二人組合Low Sea主要深受Shoegaze、Dream-Pop的影響，又帶著點後龐克黑暗鬱然的氣息，加上女主唱Billie嬌細的嗓音使有些朋友馬上聯想到了Cranes的Alison Shaw。某些曲式也承襲著the Jesus & Mary Chain的衣缽，像是《Las Olas》專輯內的〈Couldn't Help Myself〉、〈Lookin' for You〉這兩首歌便是如此，單擊的鼓聲、黑色氛圍、朗朗上口卻又疏離的曲調，彷若名曲〈Just Like Honey〉的延伸化。

〈Save My Soul〉的鼓擊韻律與聲效則讓我想起Joy Division的〈Atmosphere〉；寂靜中，失意的人們在黑暗中等待靈魂的救贖，我們保持著姿態不向他們走遠，剝離了死亡即是救贖的想法。而在拯救自己之前，我們又能拯救誰呢。

從第四首歌開始，Low Sea的音樂又轉換成另一種面向(也是我最喜歡的部分)；他們在〈Sidewalk〉以及〈Never Yours〉融入了Krautrock 的極簡概念和鼓的節拍，鋪成的電子聲響搭合Billie幽暗迷離的唱腔，相當叫人著迷。而〈The Crash〉突顯出他們在電子節奏方面也掌控的得宜，不使用花俏的方式也能展現迷人的魅力。

〈Lay Down the Truth〉是我認為專輯內最美的一首歌，沒有吉他噪音、多把樂器的堆疊、過多的環境聲效，簡簡單單的就只有如夢似幻的好聽旋律。

最後一首〈Waves of Emotion〉將海浪的情緒描述成慵懶的模樣，即使是凶惡的海潮也蘊含著溫柔，結尾，海浪拍打的聲音填補著空白，也叫人留下關於海潮一切的無限想像。

Air Formation - Nothing To Wish For (Nothing To Lose)

 

不時會在心裡私語，自己到底為什麼會喜歡聽Shoegaze這種樂風。剛好，最近無意間在聽Air Formation的過程中似乎找到了解答。我想，很多時候是因為喜歡這種音樂所營造的空間感；如同名團Slowdive的團名(慢潛)，那樣緩慢潛入至深暗無底的感覺（當然，不一定每一組Shoegaze樂隊都能使人感到那樣的氛圍）。

每當不想與人說話，只想沉溺於自己的小角落時，Shoegaze音樂給予了一處擬是庇護所的空間，供你在裡頭姿意旋轉、跨步漫遊、無重力的跳躍。我們淺嘗自己的孤獨，如同表演者低頭採著各式各樣的效果器，刷著吉他的琴弦，快速的刷扣動作在時間的瞬刻仿如靜止；他們以音樂的形式內斂的詮釋孤獨，我們則以聆聽的方式進入孤獨。共感且共鳴。

在Shoegaze風潮逐漸式微的九零年代末期，Air Formation的誕生延續著這微弱的火苗，持續維持著微小的熱度。他們音樂著重在空間感的營造，以創作環境音樂的方式來表現Shoegaze音樂，並將電吉他所產生的音牆控制在一定範圍，沒有多餘的噪音亂竄，只有隨著節奏層層疊起的氛圍化，重現慢潛無壓懸浮的聆聽感。

在新專輯Nothing To Wish For (Nothing To Lose)中，他們由環境取向回歸歌曲本身的旋律，聽的出他們在編曲上下了不少功夫。專輯前三首歌曲都有相當好的旋律性，單曲〈Low December Sun〉更是不經意就令人想重複撥放數次，厚重的Bass音感與吉他刷奏共成一牆，鍵盤擬弦樂的鋪成徹底襯托出旋律的美感，主唱Matt Bartram的聲音表現雖然不顯要，但始終承襲著傳統Shoegaze樂隊中的低沉哼唱，內斂著情感。

〈Meltdown〉擺脫他們以往緩慢的節奏，加快了鼓點的速度，如同冰霜遭受太陽直射的溶化速度，由固態轉為液態的變化傷感，象徵著季節更迭無常的迅速，使人體會在無法掌握的命運中隨之消逝的錯覺。或許Nothing To Wish For (Nothing To Lose)不能稱得上是什麼經典，但的確是樂隊自我突破的Shoegaze佳作。

在寫這些的同時，無論用了多少溢美的形容詞來描述音樂，有些重要的小事更不能遺忘掉；想起Air Formation的第二張專輯名稱《Stay Inside/Feel Everything》，當下待在音樂的空間裡，那種感覺才是最真實的。那些自身所感受的所有是永遠複製不來的，我必須這樣誠實的告訴自己。

Ghost Society - The Back Of His Hands, Then The Palms

 

來自丹麥的Ghost Society是由People Press Play主唱Sara Savery與Blue Foundation /Bichi主腦Tobias Wilner為主要核心所組成的Dream-Pop/Shoegaze樂隊。

早在Ghost Society之前，Tobias Wilner已經在丹麥的獨立音樂場景中活躍許久，自己當起製作人、創立廠牌Dead Peoples Choice、與各界音樂人合作、替電影和影集製作配樂也獲得不少獎項，玩的音樂更屬多元化，從實驗電子橫跨到夢幻民謠都是他所拿手的強項。

而在他的個人計畫Bichi開始與Sara Savery合作後，兩人似乎共同找到了新的創作方向，使得Ghost Society這個美麗幽魂就這樣誕生於世人耳前。無論是Sara Savery漂幻幽離的美好嗓音還是Tobias Wilner所擅長描繪音樂氛圍的能力，Ghost Society都繼承了兩人良好的音樂特質，延伸出丹麥樂隊的另一種可能。

《The Back Of His Hands, Then The Palms》為他們的首張專輯。單曲〈Better Days〉由鍵盤聲響鋪成開場，電吉他輕薄的音牆與木吉他刷奏成為基石，緊接著Sara Savery仿似Cocteau Twins的吟唱方式，馬上就在腦海留下深刻的印象，這種吟唱方式彷彿化為一種樂器的表現，加上Tobias Wilner的合聲輔佐，旋律的層次更顯得豐富，〈Better Days〉實在是相當純熟的一首單曲。

聆聽〈Falling Leaves〉、〈Twisted Mind〉、〈Isolated〉等歌曲的同時，也想起另一組丹麥樂隊Mew，同樣顯露出北國冰潔剔透的氣質，那種地域性的巧合特點。Sara Savery用木吉他自彈自唱的〈The Fool〉，格外讓人淺嘗到她聲音裡愁傷的質地，反觀在〈Recognize〉這首Shoegaze流行曲中則表現的樂觀爽朗。

〈Under The Sun〉和〈Dark Moon〉這兩首太陽與月亮的搭配銜接成一首連貫的曲子，前曲由鼓擊及人聲為要角，表現出一種疏離冷調的姿意感，後曲則將人聲抽離，吉他音牆如同漩渦翻攪其中，環境聲響與木吉他的刷奏成為結尾，異常的唯美。

Ghost Society的《The Back Of His Hands, Then The Palms》無疑是年初聆聽至今完整度極高的佳作，也因為這樣的旋律，我們的靈魂仿若脫離軀體，離開自身的監牢，觸及到遠方永觸碰不到的北國氣息。