Veronica Falls - Waiting For Something To Happen

        英國倫敦Indie-Pop四人組合Veronica Falls，繼上張同名專輯之後便受到相當多的注目，也獲得不少好評，這組四人樂隊不光只是穿著有型的俊男俏女，作出來的旋律更是流行好聽又不失睿智。不少評論將他們貼上C86、Twee-Pop的標籤，樂隊本身並不以為然，說他們主要不是受到C86的影響，比較像是影響了C86的樂隊對他們影響較多。

　　Veronica Falls的音樂聽起來一點也不呆板傻氣，編曲反而簡潔聰明，吉他手James Hoare的吉他聲線如同師承The Smiths吉他手Johnny Marr明亮的分散和弦，鼓手Patrick Doyle鼓點簡單卻層次分明，最重要的是女主唱Roxanne Clifford的嗓音與其他團員的合音實在搭配的完美，流行卻不會過膩的旋律，讓人可以反覆聆聽許久也不厭煩。

　　《Waiting For Something To Happen》不同於同名專輯的灰暗色彩，猶如撥雲見日一般，聽起來更加陽光，更加青春。James Hoare提道這張專輯的吉他部份最主要受到Television的吉他手Tom Verlaine與Richard Lloyd影響，你可以在當中聽到很流暢的雙吉他編曲，當然還有Teenage Fanclub也影響了他們的音樂，在歌曲的旋律上是比較偏向六零年代的流行樂，但聽起來仍舊是屬於這個世代的青春之聲。

　　第一次聽到單曲〈Teenage〉就很喜歡，這旋律如其名實在是太青春無敵了，歌詞唱著：「待會要幹嘛呢？如果你在找個人陪伴，那就讓我們行駛在黑夜，我會讓你聽你喜歡的音樂，然後載你回家」一種派對完的內心小插曲，等待什麼事會發生的心裡悸動，只有青春期才有的強烈感受，而〈If You Still Want Me〉一樣是對愛情的期待，正在等待一通回撥的電話。

　　漂亮的吉他聲景在〈My Heart Beats〉中不斷劃過，唱著：「我的夢只有和你在一起時才能被相信，此時的心在睡夢中緩慢不斷的跳動」。〈Everybody 's Changing〉則是一首不願長大的歌，歌頌著青春的餘燼，當每個人都隨著年齡改變了，你還是固執的站在那，唱著沒人聽的流行樂。

　　被活埋一直是件令人驚恐的事，Veronica Falls的〈Buried Alive〉卻讓這件事聽起來有些浪漫；那顆年輕又倔強的心，在受傷後，都渴望做些傻事來證明些什麼。如果說〈Daniel〉說的是感情的挽回，那〈Last Conversation〉就是真的跟彼此說再見了。

　　聽似陽光的《Waiting For Something To Happen》其實是青春愛情的春夏秋冬，從期待、等待到失望，所有敏感的情緒都被包裹著吉他與鼓的節奏中。事過境遷、青春已逝，我們還在等待什麼發生呢。

The xx – Coexist

         經過首張同名專輯的成功後，The xx的第二張專輯勢必會遭受樂迷們放大檢視，不過他們似乎也不妥協於過往的成功模式，來複製出一首首簡約的流行樂來討好大眾。《Coexist》聽來似乎更加沉穩內斂，像是將一段感情結束後的依戀與內心話語融入到曲子裡，你可以在歌詞中找到那樣傷感的詞句，或許不是他們的親身經歷，但在Romy Madley Croft與Oliver Sim的對唱下，當中的情感並不存有任何真摯的假像。

　　我最欣賞The xx的一點仍是他們的音樂製作，二十初歲的年輕製作人Jamie Smith除了掌握樂隊當中所有鼓機節拍，還是一名音樂口味涉獵廣泛的DJ，舉凡嘻哈、R&B、靈魂、實驗電音都在他的撥放清單中，所以讓The xx聽來並不是一組單一樂種取向的組合，他們有著節奏藍調的旋律、外加透亮的電吉他單音、韻律有致的低音線還有Jamie Smith的創意鼓點，在同名專輯中可以聽到所有的樂器表現都有各自的亮點。

　　正當期待Jamie Smith會用怎樣有趣的方式來製作《Coexist》時，則沒料想到他選擇用更低沉的方式來營造出整張專輯婉約的黑色調氛圍，也收回了他那精湛的擊鼓技巧。不少曲子聽來像是取用電子樂手Burial灰暗的dubstep節拍，讓曲子在黑暗的夜色中得以行進；如〈Chained〉使用緩慢的兩拍節奏，將那種兩人之間的枷鎖感顯現出來，即使彼此感情已逝，心中的思緒還是徘徊在是否給予對方自由與鍊鎖之間。

　　〈Reunion〉中詭幻的音效、殘響的慢拍，在月光的暈亮下等待與戀人重聚，隨著加重節拍的留白，只留下等待落空的結局。〈Sunset〉由低音與鼓拍展開日落的場景，描繪出戀人分離又再度巧遇的疏離感，詞裡字字句句的感嘆，也讓〈Sunset〉成為《Coexist》中最傷感的曲目。

　　當Oliver在〈Missing〉唱著＂My heart is beating＂時低沉的節拍也猶如心跳般打在耳膜上，不得不佩服這項製作上的巧思，此時，空幻的吉他聲響也畫過了腦中一幅幅思念的畫面。〈Swept Away〉則用了相當舞曲的節奏，但依舊是抑鬱且低沉。

　　雖然《Coexist》選擇了不流俗的方向，但卻仍舊帶不回首張專輯給人的驚艷感，旋律性也流於相似與平淡，不過無庸置疑的是，《Coexist》在情感與整體的氣氛上都輕易的讓人浸入他們對感情分崩離析的黑色詮釋中。

Go-Kart Mozart - On The Hotdog Streets

      Go-Kart Mozart雖然作為英國獨立樂隊Felt主唱Larwence的個人計畫，但名氣卻始終不及於Felt，也沒有取得太多商業上的成功，不過對Felt的樂迷來說，只要Larwence還繼續創作音樂，那便是一件值得萬幸的事。八零年代的結束替Felt的音樂畫上了句點，Larwence從此不再走回頭路，重新由Denim出發，再到現在的Go-Kart Mozart，玩著Glam Rock、俏皮的Indie-Pop甚至是電子流行樂，一甩過去鬱悶的文人形象。從近期的訪談中，會發現他隨著年歲的增長對人生得態度也日益樂觀。

　　距離Go-Kart Mozart上張專輯已間有七年之久，這次Larwence琢磨多年所帶來的《On The Hotdog Streets》可是一張頗具野心的雙碟專輯，他也宣告著：不要鼓勵你的朋友下載、拷貝、燒掉這張專輯，這無疑的是張嘔心瀝血之作。

    到底有多嘔心瀝血呢？聽完專輯後的確會讓人認同Larwence在創作流行旋律上確實很有一套，他在《On The Hotdog Streets》中運用各種奇趣的合成器音色與鼓機節奏來編曲，搭上他朗朗上口，漫不經心的泡泡糖旋律、詼諧的詞句，實在是令人感到歡樂至極。

　　五十一歲的Larwence好像永遠都不會老，詞裡寫的除了對世事、政治的嘲諷，還有像是在〈I Talk with Robot Voice〉等曲中所描繪到的年輕人對性的懷疑和直白，他彷彿停留在某個年輕歲數，以那歲數的觀點來看待事情。〈White Stilettos in the Sand〉緊湊的鼓機節奏與多變的合成器疊奏，展現出Larwence在編曲上的創意。〈Synth Wizard〉和〈Spunky Axe〉裡的電子旋律與電吉他刷奏搭合的恰到好處，聽來有股狡猾的氛圍，即使重覆著同樣的旋律也不讓人厭膩。

      〈Ollie Ollie Get Your Collie〉的旋律總讓我想起Felt，但卻歡樂到給人有種惡搞的感覺。作為專輯裡少數的慢板歌曲，〈As Long As You Come Home Tonight〉實在是老派的有點趣味，優美的鋼琴旋律配上古怪的電子節拍和Larwence有點想認真唱又不太認真的感覺，總和就是給人一種無害的幽默感。

        不論《On The Hotdog Streets》的曲調有多麼流行，Larwence確實在上頭注入了一套概念，以他獨特的詼諧，讓人體認到在無趣的現代生活中，你還能用更多有趣的角度去看待事情。走在勞倫斯的熱狗街道，男男女女們拿起那速製的熱狗堡，除非一口咬盡，也不願抽張完整的衛生紙來互相擦嘴。

Seapony - Go With Me

每個夏天都該有一張消暑的專輯，能夠伴隨我們一同抵抗炙熱的豔陽以及高溫使然的焦躁感。然而，聽著Seapony的《Go With Me》就猶如在金黃的海波上踏著衝浪板，沁涼的海水澆繞著全身，即使你無法親身體驗，它依舊能使你進入那樣的海灘夢境，消除對酷暑的昏頭厭惡。

他們形容自己的音樂如同Indie-Pop傳奇樂隊The Field Mice加入了衝浪音樂的元素，甚至也翻唱了The Field Mice的名曲〈Emma’s House〉，好聽依舊。Seapony的編曲聽起來相當的簡潔，平實單純的鼓點和鼓機節奏加上Jangly式明亮的吉他單音，偶而再鋪上輕薄的音牆，彷彿過往Indie-Pop音樂最單純的美好又再度回到現在。

Seapony好聽的關鍵不外乎是女聲主唱Jen Weidl，她以嬌柔的嗓音唱著夢囈般的流行旋律，每首歌都在她的聲音下變得如夢似幻。單曲〈Dreaming〉使人陷入夢境那處的美好，暫時躲避著現實生活的種種壓力，清醒雖是宿命，但淺意識下的抗拒甦醒卻從未停止；〈Blue Star〉以明亮簡潔的吉他Riff與微小的殘響音牆構成一首美妙小巧的曲調；如果喜歡衝浪音樂的節奏，相信〈Into the Sea〉不會讓你失望，隨著節奏踏上浪板滑越海上大大小小的浪潮，那不光只是一次刺激的體驗，更是自己對自然與生命之間的體悟。

在什麼事都不想做的夏日時光，聆聽《Go With Me》裡的每首曲子，心情便平持著單純的美好，再配上一杯加入三顆冰塊的伏特加調酒，靜靜坐在遮陽傘下的躺椅，望著海平面最底端的弧線，望著近灘嬉戲玩水的人群，慵懶的，什麼也不想做。

The Pains of Being Pure At Heart – Belong

The Pains of Being Pure At Heart的新專輯必定是Inde-Pop/Shoegaze迷今年共同的期待，他們在09年所發行的同名專輯使我們再度重返那段美好噪音旋律的黃金年代，彷彿將人拉回到過往青春時期的悸動情緒。在首張專輯發行之後他們同時獲得不少的好評與青睞，而英國名製作人Alan Moulder也因此看中他們，欲想幫他們錄製新專輯，但因為檔期的問題，Alan Moulder並無法抽空製作只能參與混音的部分，於是他便引薦另一位製作人Flood前來幫助他們完成專輯。

Flood曾幫Nine Inch Nails、Depeche Mode以及The Smashing Pumpkins等名團製作過專輯，然而The Pains of Being Pure At Heart在遇到名製作人時也難掩緊張的情緒，畢竟上一張專輯是由他們自己所製作，而這是他們第一次與製作人合作，但幸好，《Belong》錄音的過程還算是相當順利。

我們不禁會猜想經Flood操刀後的The Pains of Being Pure At Heart會有甚麼樣的改變，更加青春洋溢，還是朝向另一條道路，走向深層的暗色調。但對我來說，他們在編曲上變得成熟許多，或許少了以往那種青春無敵的氣味，不過曲子聽起來相當完整、飽滿、層次分明，像是鍵盤手Peggy Wang的合成器聲響在《Belong》裡就表現的十分豐富，她將吉他噪音以外的空白處給填補起來，完成了一幅幅七彩鮮艷的聲音油畫。

同名曲〈Belong〉以Fuzz式雜裂的噪音吉他貫串整首歌，旋律以漸進的方式抵達內心所屬的深處，順耳好聽。節奏快速跳躍的〈Heaven's Gonna Happen Now〉穿插短打的電吉他獨奏，如同在春天艷陽下滑板衝刺般的爽朗。

單曲〈Heart In Your Heartbreak〉猶如一首欲想擺脫憂愁的傷心情歌，主唱Kip Berman與Peggy Wang合唱著副歌，實在是流行的好聽，徹底將Indie-Pop的精華表現在其中。〈The Body〉就像屬於他們的流行舞曲，悅耳的合成器聲響穿越整首曲子，如同無數隕星畫過天際，美好的八零年與九零年代在耳旁原音重現。

〈Anne With An E〉恍如The Jesus and Mary Chain在《Darklands》時期所寫出的曲子，節奏簡單，沒有多餘的白色噪音填塞，只有低沉的嗓音唱著美好的旋律。〈My Terrible Friend〉中流暢的合成器旋律、明快的節拍，青春洋溢的氣息又重新返回到他們身上。終曲〈Strange〉如同My Bloody Valentine的音樂般，如夢似幻的噪音音牆與合成器的夢囈氛圍相互映和，最後，聲音緩慢的消失在彩虹另一端的盡頭。

或許是今年還沒聽到不錯的Inde-Pop/Shoegaze專輯，因此《Belong》的出現就像是天降甘霖一般，專輯內的每一首歌都流暢且好聽，實在令人雀躍；心中依舊期盼The Pains of Being Pure At Heart能再度帶動起美國另一波Indie-Pop風潮，因為他們始終是那顆最耀眼的新星。

Trembling Blue Stars - Fast Trains and Telegraph Wires

台北下了一整個星期的雨，人們度過了一段好似永不結束的雨季。帶著耳機在公車上聽著Trembling Blue Stars的新專輯《Fast Trains and Telegraph Wires》，心裡總想，在雨季聆聽他們的音樂是一種難得的享受，不管景色與樂音能很好的契合在一起；每一滴落下的雨都能被旋律中的傷感上色，仔細看著車窗上透裡的滴珠上都有淡藍的澤光在微微閃耀。

這四年來不斷的聽著Trembling Blue Stars的音樂，因此也建立起一些對他們的情感，在看到主腦Bobby Wratten宣布：「這將會是Trembling Blue Stars的最後一張專輯。」時，內心多少會有點不捨，不禁也讓人想起他先前所待過的每一個樂隊，從The Field Mice到Northern Picture Library等數個Side-Project，每一個階段的音樂都值得讓Indie-Pop樂迷回味許久。Bobby Wratten的作品總是讓人感到無比的舒逸心安，無論他創作哪一種類的Indie-Pop曲調，你都能很輕易的進入到他獨特的旋律核心，而他那憂鬱寡歡的嗓音裡始終帶著不想被人輕易發現的哀愁情感。對我來說，Bobby Wratten始終是最出色的Indie-Pop唱作者。　

專輯中共有兩張CD，CD1是《Fast Trains and Telegraph Wires》，CD2則是EP《Cicely Tonight Volume One》。從第一首的〈My Face For The World To See〉開始就有相當好聽的旋律，悅動的節拍延續到〈All Our Tomorrows〉轉為Bass的輕巧律動，Bobby Wratten彷彿說唱著一段傷心的過往故事。

〈In Arrivals〉緩曳的節奏，描繪著在車站等著列車進站的景象，或許等的人永遠不會到來，但心中還是尚存著對愛情信任的希冀。〈The Imperfection Of Memory〉找來Miaow的主唱Cath Carroll獻唱，輕盈的香頌曲調，聽來十分舒適悅耳。〈The Dark World Of The Broken〉如同Trembling Blue Stars以往的慢板歌曲，纏裹著氛圍濃厚的鬱悶氣質，低沉的吉他聲線平實的在節奏中舒展，聆聽的當下，時間頓時緩慢了起來。

〈Cold Colours〉是專輯中我最喜愛的一首，有點後龐克思維的吉他刷奏反覆厚實的為歌曲鋪軌，很深的旋律性彷彿能帶人至很遠的遠方。Bobby Wratten的前女友Annemari Davies也在這首歌中擔當合聲。

〈Half-Light〉和〈The Hidden Quarter〉則由女團員Beth Arzy擔任主唱。她的聲音時常有種能夠療癒傷感的特質，尤其在上一張《The Last Holy Writer》中表現的更為出色，不少歌曲都是我的最愛，當中也包括這個Blog名稱的同名曲〈From A Pale Blue Rosary〉。多少也希望她能在Trembling Blue Stars結束後能回到自己的樂隊Aberdeen繼續唱歌。

〈The Hidden Quarter〉同時是一首獻給已逝的英國導演Derek Jarman的歌曲。Derek Jarman曾幫The Smiths的〈There Is A Light That Never Goes Out〉還有R.E.M的〈Losing My Religion〉拍攝MV，他的最後一部電影〈Blue〉也是電影史上最深藍的電影，整部片只有藍色的布幕，其中的聲音對白則替藍色詮釋了各種無限的可能。

《Cicely Tonight Volume One》這張EP不同於專輯，充滿了Brain Eno式的實驗環境音樂。由Annemari Davies所唱的〈The Lowest Arc〉聽來有一股難解的神祕氛圍。〈Not For Second Prize〉翻唱自The Dream Academy的歌曲，純然由吉他撥弦來唱奏，聽來使人感受到孤寂中的低沉落寞。

EP中的最後一首歌〈No More Sad Songs〉也替Trembling Blue Stars畫下了完美的句點。七張專輯，無數的歌曲，數不盡的回憶。他們不會再有令人傷感的曲子，但我們依舊會反覆聽著這些歌曲，度過每一段哀愁傷感的時刻。

「車廂正隨著時間的流逝而移動，窗外的景象不斷迅速的消失在眼前，一根根電桿上的線纜接續著彼此，沒有盡頭。我看著照著鏡子的她，此時，沒有人說話，靜默包圍了所有關於愛欲的想像。」

Belle & Sebastian - Write About Love

《Write About Love》的發行無疑是近期Indie-Pop樂迷最引領期待的一件事，畢竟距離上一張專輯《The Life Pursuit》已近有四年的時間，而這也是他們專輯間隔期最長的一次。四年間，不知有多少新樂迷才剛開始埋首於Indie-Pop的懷抱。對我們來說，Belle & Sebastian的音樂永遠是入門Indie-Pop的最好方式，他們總是帶領著這一輩的年輕孩子進入到另一境地的清新花園，讓人自由探索其中無常的傷感與美妙；時常，在聆聽那些青春雋永的曲調後，我們心中的鬱悶情懷總是有增無減。

〈I Didn't See It Coming〉是《Write About Love》內我最先領聽到曲目，正好也是專輯內的揭幕曲，這首歌也使我對這張專輯有很深的期盼。〈I Didn't See It Coming〉聽來相當的Chamber-Pop，無論是鋼琴、吉他、貝斯都恰如其分的在各個位置上，編曲上聽來十分精妙，團員Sarah Martin的歌聲是整首歌的主軸，曲末由主唱Stuart Murdoch加入合聲，當他最後反覆唱著歌詞：＂Make me dance, I want to surrender .＂身體也不由自主的想跟著旋律一起律動；暫時忘卻一切，就這樣跳舞吧，直到什麼結束為止。

〈I Want The World To Stop〉的曲調著實的雀躍動人，貝斯的韻律不管在曲頭、間奏都表現的搶耳，電吉他單音精巧的穿插其中，曲末由鍵盤的疊奏來畫下句點；Stuart Murdoch祈求著時間能在什麼都講求速度的摩登生活中稍稍暫停下來，使人體會或思考一些從未注意過的景象以及小事。讓世界停止運作何其難，但從自己的生活型態開始著手改變，則永遠都不嫌晚。

《Write About Love》不同以往的還找來女唱作人Norah Jones和以《An Education》竄紅的影星Carey Mulligan來輪番獻唱。與Norah Jones合作的〈Little Lou, Ugly Jack, Prophet John〉聽來十分的不Belle & Sebastian，倒有點像是Norah Jones的作曲找Stuart Murdoch來助陣，一首緩慢無壓的男女對唱情歌，歌詞雖然描繪簡單的景象，但寂寥落寞卻是滿溢四處。

同名曲〈Write About Love〉有點讓我想起The Mamas & the Papas的曲調加上The Doors復古的鍵盤聲響。Carey Mulligan在當中唱著：「我討厭我的工作，我已經精疲力盡，一整天都被困在辦公室；中午一點時，我帶著午餐上到屋頂，城市的景象在我眼前延展開來，我書寫關於一個男人的事，他相當富知性，身材相當好，但他也都明白這些。」這段歌詞如同〈Step Into My Office, Baby〉，描寫著女性在職場的苦悶情緒和遭遇，Belle & Sebastian總擅長描寫平凡如你我的情愛小事。

關於愛，愛到底是什麼？或許正如〈Read the Blessed Pages〉所唱，愛就如同小說，在你閱讀到令人驚奇的一頁，你就會深深感受的到。而在〈I Can See Your Future〉中所聽到的是小號與弦樂悠揚的迴盪在內，Sarah Martin唱著美好的旋律，相當好聽的一首Chamber-Pop曲子。

整體聽來，《Write About Love》的表現與以往的Belle & Sebastian還是有所差異，歌曲的品質也良莠不齊，雖說不少曲目還是一貫的好聽、編曲十分用心，但感覺還是少了些什麼，可能就缺少了那麼一點以往單純美好的味道。

「妳望著窗外的遠方，關於愛情，妳突然想寫些什麼，筆輕拿在手中，關於他，關於她，關於你們，關於他們。於是妳並沒有下筆，就只是如此望著遠方，很遠的遠方，愛情藏在那處的無名遠方。」

Ghost Band、Ghost Song、Ghost Album

Ghost Band︰

Team Ghost

Team Ghost顧名思義是一組由鬼魂們所組成的音樂團隊，這樣的團隊裡窩藏著三位對音樂執迷的幽魂，分別是前M83團員Nicolas Fromageau、Christophe Gueri以及製作人Jean-Philippe Talaga。M83發行第二張專輯後，Nicolas Fromageau因不同的音樂理念以及渴望更多的創作空間而離開，近幾年全心專注於Team Ghost的音樂上。他們的首張EP《You Never Did Anything Wrong to Me》延續著M83式的Shoegaze樂風，雖在電子節奏的部分減弱不少，不過依舊未減以往異幻的迷離感。〈A Glorious Time〉優美的吉他音牆與悅耳的旋律，讓人想起過往Shoegaze音樂最榮耀的時刻；〈Sur Nous Les Étincelles Du Soleil〉朦朧的Vcoal聲聽來如同鬼魂毫無距離感的在耳旁碎語。我想，他們必然是今年最強勁的瞪鞋迷魂。

Ghost Song︰

Trembling Blue Stars - The Ghost Of An Unkissed Kiss

有時候，我們會幻想能將自己的靈魂脫離身軀，就像能夠四處遊蕩漂浮的鬼魂那般，飛往遠方心愛的人身旁給在睡夢中的她驚喜的一吻，雖然對方不會感覺到被親吻過的痕跡，但依然是種鬼魂式的浪漫。延續The Field Mice擁有純正Indie-Pop血統的倫敦樂隊Trembling Blue Stars，在《Alive to Every Smile》專輯中的〈The Ghost Of An Unkissed Kiss〉就存在著這樣詭譎的浪漫情感，只要聆聽這首歌輕巧悅耳的旋律，就會讓你想起深夜熟睡中，是否有這麼樣的一吻存留唇間過，也許是遠方的愛人、也許是已逝的親人，他們或許都曾不經意的悄悄來到床頭拜訪，這絕對不是驚悚嚇人的恐怖片情節，而是種另類的思念情懷。

Primal Scream - Zombie Man

你是否能想像活死人從山丘的墓園地中一個個破土而出，臉上猙獰著面目卻還略帶著詭異笑容，僵硬的用他們瘦骨如柴的手指按下收音機播放鈕，隨著喇叭放出逐漸增大音量的鄉村搖滾群體起舞，彷如電影般的荒謬情節。而出自於Primal Scream專輯《Beautiful Future》裡的〈Zombie Man〉就是從收音機喇叭放出的殭屍之歌，雖說這首歌以殭屍為主題卻不帶任何攻擊性的恐怖氣氛，輕鬆愉悅的曲調、適合跳舞的節拍頓點，使得沉睡在墓園已逝靈魂紛紛甦醒，不光只是這首〈Zombie Man〉，《Beautiful Future》當中所混雜眾多元素的音樂風格、強烈的節奏絕對能讓活死人各個手足舞蹈的放肆僵直千年的腐朽身軀。所以我們說，搖滾樂不只能鼓舞人心，也能鼓舞活死人早已喪失的躍動之心。

Ladytron - Ghosts

來自英國利物浦取名於Roxy Music歌曲的Electropop樂隊Ladytron，他們復古的電子節奏總讓人想起八零年代New Wave時期的眾多名團。Ladytron以〈Ghosts〉作為他們專輯《Velocifero》的先行單曲，當中最誘人的想必還是主唱Helen Marnie的嗓音，她的歌聲近乎冰冷，含帶些許媚惑的情感，在冷峻的電子節拍下聚集起一種吸引黑暗靈魂的氣氛。從歌詞的副歌中解讀，這首〈Ghosts〉並不是在形容真實存在的鬼魂，而是個人內在所分裂出的另一個魂魄，但這個魂魄的意志是與這個人外在的表現有所相違背的，意指，即使我說出道歉，並不代表我真的對此感到歉意。正所謂每個人心中皆有鬼，這首〈Ghosts〉無疑表現出真實內心與言語表達的互相矛盾。

Mojave 3 - Ghostship Waiting

Jim O'Rourke - Ghost Ship In A Storm

電影裡的鬼船總是海上最恐怖的船艦，無論是武力強大的軍艦、劫富濟貧的海盜船、捕魚維生的小漁舟，只要海面開始狂風暴雨便要擔心是否有鬼船出沒。鬼船們一艘艘悄悄從他們背後襲擊，就此展開一場生靈與死靈之間的海上大決戰。由九零年代瞪鞋名團Slowdive所遺留下的Dream Pop / Folk樂隊Mojave 3，在《Puzzles Like You》專輯中的第七首歌〈Ghostship Waiting〉彷彿就是鬼船在陰影處等待偷襲的狀態，雖然鄉村搖滾的曲調一點也不嚇人，但也顯現出鬼船上眾多鬼魂們的愉悅心情，反觀美國另類／實驗音樂才子Jim O'Rourke，他在最著名的《Eureka》專輯所編奏的〈Ghost Ship In A Storm〉，則表現出鬼船在狂風暴雨中仍能處變不驚，甚至不減凌人的氣勢，歌詞中也將〈Ghost Ship In A Storm〉隱喻為一種在危難時仍能保持平靜的心情狀態。

Deastro - Daniel Johnston Was Stabbed In The Heart With The Moondagger By The King Of Darkness And His Ghost Is Writing This Song As A Warning To All Of Us

Daniel Johnston - Casper The Friendly Ghost

Synth-Pop新星Deastro將Daniel Johnston這位美國知名的獨立唱作家納入自己如故事般的超長歌名中，歌名敘述「Daniel Johnston被黑暗魔王用刀刺進心臟，而他的靈魂正寫下這首歌來警告我們」，雖然有點令人摸不著頭緒，但也如同Deastro五花八門的電子聲響充滿著無邊無境的奇想。而Daniel Johnston自己因對鬼馬小精靈Casper這部動畫的喜愛，也以此為主題寫了一首鬼魂歌〈Casper The Friendly Ghost〉收錄他的第五張專輯《Yip Jump Music》，在Daniel Johnston低傳真的音樂中，我們總會回憶起善良的Casper，這位螢幕史上最友好的小男孩鬼魂。無獨有偶，我們在觀賞Daniel Johnston的紀錄片【魔鬼詩篇】（The Devil and Daniel Johnston）時更能體會他內心世界的魔鬼與純真，即使有躁鬱症的困擾，仍舊不減他對藝術創作所抱持的執著。

Ghost Album︰

M83 - Dead Cities, Red Seas & Lost Ghosts（2003）

死寂的城市、血色的海面、流離失所的鬼魂，這三種虛幻的影像構築起法國樂隊M83這張專輯的聲音模組。Anthony Gonzalez與Nicolas Fromageau以扭曲的鍵盤聲響建立起Shoegaze音樂不可或缺的噪音音牆，再以電子節奏取代真實鼓組的節拍，無疑成為Shoegaze音樂電氣化的新典範。〈America〉這首歌中充滿著拼貼的詭異人聲，猶如收音機擷取到第三世界的頻率，感受著流離失所的鬼魂們在自身週遭的空氣中徘徊不去。〈Be Wild〉的電子節奏如同幽魂緩慢無聲的步伐，死寂的氛圍讓人感到落寞。〈0078h〉中扭曲的女聲反覆不斷，雖然表現出靈魂分裂的焦躁，卻異常的唯美，宛如氣質佳好的女幽魂正歇斯底里的說著另一世界的語言。

Bang Gang - Ghosts From The Past（2008）

來自冰島的Bang Gang，其實是Bardi Johannsson這位才子的一人樂隊，他也曾與法國女歌手Keren Ann合作，組成Lady & Bird這對才子佳人的組合，當中低迴唯美的樂風相當令人著迷。而不同於一般對冰島音樂純真淨潔、與世無爭的印象，Bang Gang的歌曲以普通的搖滾樂為基底，譜出一首首不流入俗套的流行旋律。專輯同名曲〈Ghosts From The Past〉以來自過去的鬼魂描述早已陌生的戀人，雖然仍留有愛意，但卻如同死去的靈魂無法挽回，徒留自己一人寂寞在此。〈The World Is Gray〉描繪出活在灰暗天色底下空虛寂寥的人們如何找回自己，假使人只剩下空洞的軀殼，就會像無處可去的鬼魂只是在塵世沉淪擺盪。〈I Know You Sleep〉依舊是一首在黑暗中找尋一絲光亮的哀愁情歌。整張《Ghosts From The Past》所圍繞的皆是愛情所帶來的寂寞灰暗，這樣的低迷也營造出一股幽冥的氛圍。

※原文刊載於Ｈinoter 映樂誌 41期　 　

Stars – The Five Ghosts

記得去年一月Stars初次來到台灣演出時，眾多的樂迷無一不興奮的去參與這場盛會，其中當然也包括我在內，畢竟他們的音樂有段時間總是陪伴著自己渡過每一天的生活，例如：早上放〈Ageless Beauty〉好讓我提起精神去上第一節課，它總是能使人振作，提醒我生命中從未凋零的美麗；中午帶著耳機聽〈Elevator Love Letter〉站在人擠人電梯裡，想像還未到來的愛情片段；接近午夜聽〈Calendar Girl〉，盯著電子鐘的日期加上1，毫無預警的邁向另一天，數著活著的月數，知道自己經活了幾百個月，並且要繼續活下去。

只要有Stars在的表演台上總是看的見花朵，無論是樂器、麥克風架上都有花束的身影，花的繽紛與凋零就如同他們旋律所能綻放出的各種生命狀態，悲喜亦然。　

或許對上一張《In Our Bedroom After the War》感到失望的緣故，新專輯《The Five Ghosts》著實的讓我感到驚喜，相較於先前的編曲，他們這次大量使用不同的合成器音色、電子鼓節拍，旋律的變化也不易讓人感到厭膩。女主唱Amy Millan的嗓音聽來纖細許多，在高音的部分也表現的相當滑順。

有些人可能會覺得Stars不就只有幾首必殺單曲好聽而已，但《The Five Ghosts》可能會讓人徹底改觀，先不管歌詞是否言之有物，專輯內每一首歌的旋律性都非常的優異，主副歌的銜接毫無拖泥帶水之嫌，節奏不緩不急，甚至能讓人踩著節拍踏著舞步。

開頭曲〈Dead Hearts〉便是Torquil Campbell與Amy Millan的男女對唱，互相答問的唱法、琴鍵聲與弦樂相輔相成的樂句，實在美妙。而〈Wasted Daylight〉和〈Fixed〉這兩首無疑是專輯內的熱門單曲，電氣化的流行旋律始終是最迷人的部分，只要聽過一遍便會上癮這種身處於泡泡浴的夢幻感。〈We Don't Want Your Body〉則是Stars前所未有的逗趣對唱，訊號般的電子聲效、舞曲的節拍，聽來令人愉悅。

對於不擅於改變的人來說，〈Changes〉這首慢歌似乎說著他們的心聲，即使是最簡單的旋律在情感上往往也是最深層的，Amy Millan聲音中所擁有的療傷效用彷彿在這首歌中流露出來。〈The Passenger〉我覺得是他們創作中很新穎的嘗試，輕巧的電子鼓節奏加上間奏低傳真的哼唱，像是坐上夜車旅經各個陌生的城鎮，你不知道自己在逃避什麼，就只是單純想哼著歌，然後逃開這裡。

不管媒體怎麼說，我很享受聆聽《The Five Ghosts》這張專輯，而且每一首歌都相當好聽。無論你是不是個搖滾/獨立音樂迷，這張專輯都適合每個喜歡音樂的人來聽。

Wild Nothing – Gemini

藉由電腦軟體的輔佐下，錄製音樂的方法變得越來越便利。如果你願意，自己的房間就是一間小型錄音室，只要你會把玩幾樣樂器，獨自將每個音軌搞定，偶爾找來親朋好友獻聲，便可以在家錄製一張品質不差的個人專輯。誰說自己一人不能成為一個搖滾樂團。　

來自美國維吉尼亞洲，化名為Wild Nothing的Jack Tatum似乎再一次證明了獨自一人也能製作出好聽且多樣化的曲調，他成功的將朗朗上口的Indie-Pop旋律套上Dream-Pop的氛圍，再額外加上一些電子聲響點綴，聽來實在順耳。Wild Nothing的音樂聽起來完全無異於擁有完整樂器配置的樂隊，可見Jack Tatum的編曲功力相當了得。

《Gemini》是Wild Nothing的第一張作品。第一首歌〈Live In Dreams〉的旋律相似一種從未聽過的西方鄉搖，歌名也暗示著整張專輯的調性，令人彷如同時置身於多個夢境中，體會著甜美與苦澀並存的矛盾感。〈Summer Holiday〉和〈O Lilac〉聽來悅耳的Indie-Pop曲調就像是去除掉噪音因子的The Pains Of Being Pure At Heart，這樣的男女對唱始終是Indie-Pop界的一大利器。

〈Drifter〉開頭的吉他撥弦就像作為夢境開頭的序曲，而後引領進鼓機呆巧的節拍，女聲夢囈著含糊的詞句，鍵盤營造出的霧氣情境，令人好似在永遠無法揭開的真相前游走。〈Bored Games〉中，簡單的電子節拍配上渾圓的吉他聲線，若似一首仿效New Order的曲子。

除了New Order，The Smiths的影響力也在Wild Nothing的音樂中殘留，〈Confirmation〉分散且利落的吉他聲線無疑是繼承Johnny Marr的個人風格。八零年代的黃金印記一再的閃耀在Wild Nothing的音樂當中，由此見得Jack Tatum對音樂的偏好不出此範疇。

專輯內，〈My Angel Lonely〉的旋律是我最喜愛的，Jack Tatum慵懶不經矯飾的嗓音，使得天使的落寞更具悲劇色彩。在喜劇效果的鼓聲中，〈Chinatown〉聽來像是一首節慶專有的主題曲，但怎麼聽都聽不見愉悅，MV搭配著Richard Balducci獨特色調的短片顯得相當契合。短片中，男孩找不到心愛的小狗，只能抱著它的畫像入睡，希望能在夢中尋訪到它的身影，如同我們期望能在夢中找回失去的人事物一般，帶著點希冀卻又失落無奈。　

如同去年我們有Memory Tapes這樣優秀的Side-Project，Wild Nothing的《Gemini》勢必延續這種一人樂隊的風采成為今年少數Indie/Dream-Pop作品中的佳作。


Wild Nothing - Chinatown from Jack Tatum on Vimeo.

Black Tambourine – Black Tambourine

今年剛好是美國獨立廠牌Slumberland的二十週年，為了紀念廠牌最早期的樂隊之一Black Tambourine，他們近期重新發行了1999年的《Complete Recordings》這張1989年至1991年間的錄音選輯。

Black Tambourine存在的時間實在過於短暫，像是一顆從黑夜劃過的流星，在閃耀的瞬間同時也墜入地面逝失光彩，但即使在短短的時間內，他們的音樂還是影響著無數現在美國在地的獨立樂隊，諸如The Pains Of Being Pure At Heart、Vivian Girls、Crystal Stilts等，當然還有由本來團員所分支出去的樂隊Velocity Girl、Whorl、Castaway Stones等。

作為Slumberland這個獨立廠牌最早期的樂隊，不經會讓人猜想他們與廠牌之間有些什麼關係，沒錯，廠牌創始人Mike Schulman同時也是Black Tambourine的團員之一，他負責擔任鼓手的位置和彈奏部分歌曲的吉他。當時Black Tambourine也只能算是個Side Project，團員們各自有自己的樂團與生活要忙，雖然彼此對音樂的喜好相同，但最後還是得走上解散的命運。

Black Tambourine主要深受眾多英國獨立樂隊的影響，從他們音樂的噪音吉他中很容易就找到The Jesus & Mary Chan的蹤跡，當然還有受到the Pastels以及C86整個Indie-Pop流派的薰陶。他們默默效仿著英國的Indie Kids們，將這些樂風悄悄引渡進九零年代初期的美國華盛頓。

女主唱Pam Berry的聲音帶有些不顯要的朦朧感，他們即使玩著Noise-Pop，但Pam Berry所哼唱出的旋律，似乎比較接近於六零年代的流行、民謠曲調，配上粗噪低傳真的噪音聲響，實質如同聆聽遭受訊號干擾的收音機，有一種懷古情懷的味道。

重發專輯的同時，他們也找到1990年時的現場影像，將其剪接重新製作成〈For Ex-Lovers Only〉的Music Video，這首歌也象徵著Black Tambourine音樂中所帶有的性格，如同The Jesus & Mary Chan代表作〈Never Understand〉，時而尖銳的高頻噪音Feedback與旋律融為一體，抑鬱低沉的外表下包裹著甜蜜的情緒。

〈Black Car〉聽來夢幻民謠般的旋律，彷彿Galaxie 500玩起噪音吉他。〈Throw Aggi Off the Bridge〉的靈感則是來自the Pastels這首〈Crawl Babies〉的音樂錄影帶。專輯中我最喜歡的歌，莫過於是只有一分鐘的〈We Can't Be Friends〉，有著傻裡傻氣的Bass Line、悅耳的旋律、得宜的噪音，相當好聽。

重發專輯除了原本的十首歌，還多了兩首Demo、以及新錄音的兩首翻唱、兩首未發表歌曲〈Lazy Heart〉、〈Tears of Joy〉，翻唱歌曲則是Buddy Holly的〈Heartbeat〉和Suicide的〈Dream Baby Dream〉。

Black Tambourine "For Ex-Lovers Only" from Slumberland Records on Vimeo.

Pam Berry翻唱Velocity Girl 的 Crazy Town

Northern Portrait - Criminal Art Lovers

容許我在寫Northern Portrait 的專輯前先提起The Smiths。1987年The Smiths解散時，我才正要從這個色彩未明的世界出生，而在將近十八年後，他們的音樂才正式進入到我的耳中，由於當時著迷於英式搖滾的緣故，才在好奇無知的情況下依循著曲風脈絡找到了The Smiths，然後慢慢從他們的音樂中認識了主唱Morrissey還有吉他手Johnny Marr，或許一開始對The Smiths的音樂並沒有相當程度的熱愛，但在經歷過好些時日時便體會到他們音樂中沉穩內斂的魅力。

Morrissey獨特的唱腔與文學詞作配上Johnny Marr抽離化外的吉他聲線，使The Smiths的內裡形朔成一種年少唯有的浪漫情懷，那屬於一種英國八零年代的音樂印記，無庸置疑的經典之聲。

然而，時間推回到二十多年後的現在，來自丹麥的Northern Portrait彷彿微妙微俏的校仿著The Smiths，尤其主唱Stefan的聲音與發聲方式更是讓人迅速聯想到Morrissey，但早在Northern Portrait之前，Stefan曾與鼓手Michael組過一個名叫Morris的樂團，當時就曾被人們討論說他們的團名及音樂深受The Smiths的影響，不過他們那時並沒有聽過The Smiths，於是在眾說分云的情況下他們決定去聆聽The Smiths的音樂，雖然一開始並不喜歡，不過後來卻變得相當喜愛。

其實Stefan那時真正喜歡的是the Beatles、Suede、Pulp還有Scott Walker，這些影響可以在他的另一組樂團The Mirror Lounge中聽見，The Mirror Lounge與Northern Portrait的音樂相比較於低迴暗沉，帶有點Chamber-Pop的優雅感，不過也相當值得推薦聆聽。

Northern Portrait在美國Indie-Pop大廠Matinée發行兩張Ep後，09年底正式發行專輯《Criminal Art Lovers》，第一支單曲〈Crazy〉是他們由The Mirror Lounge轉為Northern Portrait的一個轉捩點，除了The Smiths的影響外，在Jangle式的電木雙吉他彈奏中也聽的到C86餘留的聲響，這首歌也定就了Northern Portrait往後的創作方向。

雖然《Criminal Art Lovers》只收錄了前兩張Ep中的一首歌，但專輯中每一首新作的辨識度卻相較更為分明，Stefan的唱腔促擁著浪漫情懷，每一個Morrissey式的轉音都是美妙的韻律；聽似明亮開懷的旋律卻是蘊藏少年不得言說的惆悵。Northern Portrait不同於時下眾多的Indie-Pop樂隊聽久使人甜膩，或許關鍵在於他們能將音樂的情感與層次分明出來，以及體現出一種少年式的慘情哀愁。

〈Life Returns to Normal〉是專輯中我最喜歡的一首，副歌唱著＂My Estate will take you anywhere＂好似與The Smiths名曲〈There Is A Light That Never Goes Out〉中的＂Take me out tonight , take me anywhere, I don't care＂遙遙相對應 ，〈Life Returns to Normal〉錚錚亮的吉他聲線，和絃美妙的行進轉化，對於平凡的無奈與愁緒展露在旋律間，彷彿這個當下，過往時代的印記又再一次完美的被詮釋；繼The Smiths之後，慶幸我們這個世代還有Northern Portrait這個佇立北方遠處的雕像，如同專輯最後一首歌〈New Favourite Moment〉，這將會是另一個美好時刻的開端。

Crayon Fields - All The Pleasures Of The World

Crayon Fields是來自澳洲墨爾本的Indie-Pop樂團。新專輯〈All The Pleasures Of The World〉延續零六年所發行的〈Animal Bells〉，流暢動人的旋律依舊不減。他們將六零年代的流行樂旋律重新精美包裝，多了幾分優雅莊重的氣質，細緻的譜曲使得優美的旋律甜而不膩，彿然也繼 承了英國本地良好的Indie-Pop傳統，如果沒有事先知道他們的身世背景，還真會以為他們是在地的英國樂隊。

初次聆聽單曲 〈Voice Of Paradise〉馬上就被層層薄美的旋律給吸引住，琴鍵製造出朦朧的氣息搭合時而加入的提琴橋段，呈現出一種夢囈的氛圍，偶然的木琴敲奏點綴出一種親巧 愛憐的美好，然後蘊藏其中的單音吉他聲響給予曲子完美的結尾，在短短兩分鐘中內，聽到的是一種作曲者受到她人美好聲音影響進而內化而出的愛戀歌曲。其實從 這首〈Voice Of Paradise〉也能窺探出〈All The Pleasures Of The World〉整張專輯的音樂調性，這麼近似著美好夢境的愉悅質地。

〈Timeless〉由提琴音開場，以吉他的撥弦為基調，合聲齊唱的副 歌，猶如享受時光消逝的美妙。〈Take Me Where The Light Isn't Cruel〉則是讓我想起The Smiths的〈There Is A Light That Never Goes Out〉，倒不是音樂曲調上的相似，而是一種同樣的浪漫情懷，還有一些歌詞關鍵字上的關聯。

Crayon Fields的音樂適合在秋陽微暖的午後聆聽，再淺嚐著一杯熱咖啡，讓心情緩慢放鬆，在音樂的本質上找到些遺失已久的慰藉，然後發現，我們的耳朵永遠不缺美好的曲調。優美的旋律永遠是心靈最好的養分。

在這裡可以觀看他們在Metro Theatre整場的現場演出。

Crayon Fields - Voice Of Paradise from Geoff O'Connor on Vimeo.

Crayon Fields - 'Mirror Ball' from Geoff O'Connor on Vimeo.

jj - jj n° 2

我們迷戀著夏季的沙灘，於潮汐的來回間愉悅跨步，隨著心跳的韻律慢舞，拍打光耀如亮片般的海水。在瑞典新興Indie-Pop團體jj的音樂中聽見一種獨特的仲夏海風氛圍，他們的第一張專輯《jj n° 2》在The Tough Alliance所創立的瑞典獨立電子音樂廠牌Sincerely Yours下發行，個人很喜歡的Air France也同屬在這廠牌旗下。

《jj n° 2》結合了Balearic beat、Indie – Pop輕鬆悅耳的旋律、電子音效呈現出一首首動聽的流行曲，只要聽過一次就能輕易入耳，讓人一聽再聽，彷如對藥物著迷般的上癮。第一首〈Things Will Never Be The Same Again〉電子弦樂的開場加上輕柔的女聲吟唱相信當下就吸引不少人的耳朵。聽著〈From Africa to Málaga〉像是要展開一次艷陽下的航行，不管世間所有事物都會凋零的可能性，活在陽光當下才是唯一的真理。

〈Ecstasy〉取樣饒舌歌手Lil Wayne的歌曲〈Lollipop〉，在歌詞中清楚描繪出服用藥物的情境，迷離神游的歌聲與聲效，讓人深陷幻境其中無法自拔。〈Are You Still in Vallda?〉與〈My Love〉則是一段夏日戀情的組曲，在透明輕盈的電子節拍中，體會愛情的甜蜜與微酸，也教人想起Beach House的音樂，而〈Intermezzo〉這一段演奏曲，其中取樣的笑聲、吉他、節奏、鼓拍、可以窺探出他們音樂架構的原始面貌。

〈My Hopes and Dreams〉或許是整張專輯最失意的歌曲，在木吉他的刷奏下講述一個人在街上找不到別人分享他的希望以及夢想的故事。到了最後一首〈Me & Dean〉他們褪去所有的電子節拍，純粹使用原音的木吉他譜曲，吟唱一樣美好的旋律向每個朋友道別。

《jj n° 2》整張專輯總長度雖然不到三十分鐘，但整體性卻相當飽滿，沒有一首歌不動聽，配合著夏季的環境聆聽更加應景。如果這個夏天還找不到符合心情的悅耳旋律，聆聽來自瑞典的jj肯定是最佳首選。

The Legends – Over And Over

The Legends是由瑞典獨立廠牌Labrador創辦人Johan Angergård為主腦的一項音樂計畫，在經過前三張的專輯作品後，我們可以發現到The Legends其實正是一連串時代傳奇的復刻計畫，無論是從60年代的流行旋律、70年代Karftwark式電子樂、80年代的新浪潮與C86的獨立之聲等，皆收納在The Legends的音樂版圖中，也從中端倪出Johan Angergård音樂品味的廣闊，甚至是將其予之內化，使這些元素重新由自己手中玩出不同的獨特面貌，不得不佩服他創作功力之深。

樂迷們不經會想The Legends接下來還會復刻些什麼呢，新單曲《Seconds Away》漸層式的白色噪音馬上就讓人想起Jesus and Mary Chain經典的噪音風格，那麼說新專輯Over And Over會是一張充滿白色噪音的專輯囉，倒也不盡然是如此，開場曲《You Won》相當有Jesus and Mary Chain在Darklands時期的骨風與暗色調的鼓擊方式，旋律性上則頗有同廠牌樂隊The Mary Onettes的味道，《Monday To Saturday》、《Heartbeats》、《Jump》，這三首歌則偏向Club 8式的清新Indie-Pop，當然其中也少不了Karolina Komstedt的纖細女聲。

《Always The Same》應該是專輯中最動聽的噪音流行曲，簡潔明快的節奏加上Johan Angergård與Karolina Komstedt的男女合聲，令人感受幾分愉悅甜蜜之感。如果喜歡他們在Up Against The Legends這張Debut專輯的表現，《Dancefloor》這首歡樂跳動的C86式歌曲想必不會讓人失望，而《Turn Away》表現出他們從未有過Dream-Pop嘗試，以民謠吉他為基調，環境聲響為輔，夢囈般的美妙。

同名歌曲《Over And Over》聽來就像是在噪音層疊出的美夢中悠游，霧化的嗓音與噪音摩擦出某種回聲，回聲被音牆打回形成一個特殊的音場空間，專輯最後的《Touch》有著非常My Bloody Valentine的旋律，但節奏卻又相當Primal Scream式的爽朗，想起Primal Scream在Beautiful Future專輯中一首名叫Over and Over的歌曲，與此張專輯名稱不謀而合，不知Johan Angergård是否是從中得到些靈感。

Over and Over整體聽起來相當豐富，不同於上張Facts And Figures電氣化的單一方向，即使是回朔各個時代的名團一再復古，The Legends的骨子裡仍保有瑞典Indie-Pop特有的風格根基，然而必須感謝Johan Angergård與Labrador廠牌，在他們的推動下這些傳奇性的獨立音樂風格將繼續流傳下去，直至下個世代。

Always The Same - The Legends

The Pains of Being Pure at Heart – S/T

Start off "sometimes" now its our time
are you with me?
Strange teenager, waiting for death at 19
are you with me?



09年開始至今，The Pains of Being Pure at Heart的同名專輯已經撥放數十次在耳中留下美好的印象，尤其是單曲《Everything With You》更是青春無敵的讓人聽的愉快。如果要尋找他們的音樂啟蒙的蹤跡，從第一句歌詞中提到My Bloody Valentine的《Sometimes》就可以看出端倪，無論是Shoegaze亦或C86等曲風，The Pains of Being Pure at Heart都著實玩著甜性的噪音流行曲，甚至是回朔至發行廠牌Slumberland的開山元老Black Tambourine，你都聽的見各種過往美好元素在The Pains of Being Pure at Heart的旋律裡炫目發耀。

男女雙主唱的編製一直是眾多Indie–Pop樂團中不可或缺的利器。The Pains of Being Pure at Heart的兩個主唱分別是吉他手Kep以及鍵盤手Peggy。其中以Kep為主要歌唱核心，再配上Peggy微甜的合聲相互融成，使得歌曲聽來悅耳俏皮，而暈眩不刺耳的噪音吉他與鼓機式單點的鼓擊更是C86時期以來的標準規格。

The Pains of Being Pure at Heart歌曲中青澀的情感，成功帶出那種年少時期的死黨情誼，像是國高中時期每次上廁所都要相約同去的女孩們，不管做什麼事都要黏在一起，甚至什麼都不做就只依著教室外的欄杆聊著八卦和音樂，然後望著藍色的天渡過美好的下課十分鐘，聽著每一首歌，令人想起那些永不倒轉的青春印象，就此彌留於時間之外。

從去年很喜歡的The Airfields到今年的The Pains of Being Pure at Heart，可預期的，越來越多Indie–Pop樂團們紛紛開始玩起混搭曲風的遊戲，他們不僅僅是依循前人們所走過的軌跡，更是讓音樂聽來更加多元，讓樂迷們嘗到曲風復興之外的新意。


The Pains of Being Pure at Heart - Everything With You

Come Saturday - The Pains of Being Pure at Heart

Stay Alive - The Pains of Being Pure at Heart

I Love Math - Getting To the Point Is Beside It

你從未浸沐於德州達拉斯夏季的陽光下，但一些簡單的鄉村小調總能拼繪起眼前從未出現的假想情境。那裡的街道沒有任何人擁有關於你的記憶，行走，只是輕易拖著影子，不需要清楚的知道所要去的方向與目的，不經意，你慢慢能發現過去因忙碌遺忘的景象，那不一定存在美麗，但總是蘊藏著可愛的驚喜。　

The Apples in Stereo的鼓手John Dufilho拿起吉他找來與同在The Deathray Davies一起玩音樂的Bass手Jason Garner和Keyboard手Andy Lester還有Old 97's的鼓手Philip Peeples一起組成了I Love Math，從他們的音樂上你幾乎找不出他們喜愛數學的證據，他們也不玩實驗風格的Math Rock，只玩著輕鬆的鄉搖流行歌曲。

專輯Getting To the Point Is Beside It的封面總會讓人想起Belle & Sebastian所建立的單一色彩風格的封面包裝，而在音樂上也有不少相似之處，同樣都有著輕快民謠基調的吉他刷弦，簡易的鼓點組合與琴鍵聲，John Dufilho的歌聲更是比Belle & Sebastian的Stuart Murdoch有著傻裡傻氣的氣質。

聽著“Some Bridges Are for Burning”，鄉愁的滋味彷彿一再的在嘴裡咀嚼，又挾帶著夏日時段拱型橋頭下流水般的清爽，”This Is Something I Might Miss”悅耳鮮明的吉他前奏，輕快的單一鼓擊與鈴鼓聲，所聽到的都是單一元素以微小的方式呈現，”Josephine Street”應該是最能代表這張專輯調性的歌曲，簡單的溫暖著人們小小的心房，就像一幕愛人重逢的電影片段如此純粹。

人們加諸於本身的複雜程度，總是超越自我所能理解的範圍，即使想更簡單的來面對生活，但似乎是不被現實予許的，於是我們選擇聆聽更簡單的音樂，把實驗性與突破性的過度都丟到腦後，讓一些簡易樂器組合所編成的曲子輕柔的從耳邊拂過，好似接近夏季微風的觸感。

I Love Math很好聽，但我還是討厭數學。

I Love Math - Some Bridges Are for Burning

My Music - Some Bridges Are for Burning

I Love Math - Josephine Street

If You Need Someone

The Autumn Store Part1的7吋黑膠開始在唱機上轉動，甜亮的吉他聲小心翼翼地與鼓機的節拍同步從喇叭呢喃而出，那歌聲聽似有點羞怯，但又帶著堅毅的性格，像是唱著對心愛女孩所許下的誓言，沒有艱澀的辭彙，沒有賣弄文學或引經據典，只有重複的在假設句的後頭加上肯定的語氣，當下你所能感受的，是一種強烈想要保護一個人的心，如此堅定。

他唱著詩句，來表達對她的情感，然後將字句的內容一一兌現，那是一首If You Need Someone，這首歌成為每一個硬地小孩的秘密情歌，歌曲可能像是深藏在英國北方的小圖書館如此遙遠不可及，不會有太多人聽過，但聽過的人很難不被悅耳的旋律，簡易聰慧的字句所動容。

如果妳需要一個人，能帶妳離開恐懼，使妳感到快樂，讓妳感到安全，那個人會是我。我反覆讀著歌詞，然後跟著喇叭所發出的聲音唱著，此時，如果聲音的傳遞不會受到任何形體所阻隔，那麼妳便會聽見，聽見我所許諾的一言一語。


The Field Mice – If You Need Someone

My Music - If You Need Someone

If you need someone
to hold you
when you are afraid
I’ll hold you

If you need someone
to make you
happy when you're sad
I’ll try to

If you need someone
to tell you
everything
is gonna be all right
I can do that
I can do that

If you need someone
to make you
feel safer than safe
I’ll try to

If you need someone
to comfort you
when tears fall down your face
I’ll do what I can

If you need someone
to make you
feel any danger
is far away
I’ll do what
I can
I can

If you need someone
to tell you
everything
is gonna be allright
I can do that
I can do that
I can

Styrofoam - A Thousand Words

每一秒都值得對妳訴說千字。

什麼樣的音樂可以讓你一聽就毫不猶豫愛上，這答案或許有千奇百種，但來自德國IDM名廠Morr Music旗下的 Styrofoam在新專輯A Thousand Words的優異表現，可能就是能讓你迅速愛上的其中一種音樂元素。由前幾年The Postal Service所帶起的IDM+Indie Pop風潮，使人們後來都愛上那種悅耳的流行旋律加上輕快的電子碎拍，而現在Styrofoam的A Thousand Words又要帶你回到當時聆聽The Postal Service的感動。

Styrofoam是Arne Van Petegem這個比利時電子樂手的化名，他在這張A Thousand Word的聲音表現都是多層分明，除了對人聲有高度的旋律掌控，迅速的電子碎拍，還有少量Glitch的實驗運用以及空心吉他的弦響，每一個部分都運用的適當得宜，歌曲劇情的緊湊節奏讓人不會倒頭就睡，絕對可以讓生活鬱悶的人從無聊現實的深處拯救出來。

聽著After Sunset很直接的就想到The Postal Service的Such A Great High，只能說Styrofoam很成功的打造了這首Hit Song，聽了心情就像與戀人看著太陽慢慢沉入地平線的愉悅，專輯中除了有Death Cab For Cutie主唱Ben Gibbard的獻聲，也有許多客座獨立樂手的助陣，使得Styrofoam的後續聲勢更加看漲。

在時代不斷變遷的聲潮當中，每一秒都值得對妳訴說千字，每一秒都值得與妳曼妙的話語共舞。

Beach House – Devotion

懸吊著的水晶燈下，玻璃透明質地所折射出的光澤猶如瞬間的七彩變換，愛侶牽著彼此，緩著慢拍子的神聖舞步，亦迷失在樂聲當中，隨燭光被風的輕撫而晃曳。

來自美國巴爾的摩的情侶樂隊Beach House彷彿就帶著這樣古著優雅的質感，這樂隊分別是由女聲兼鍵盤手的Victoria Legrand與吉他手Alex Scally所組成。他們在06年所發行的debut專輯，相信引起很多Dream-Pop愛好者的注意，這樣的樂風可能讓人聯想起早在80年代的夢幻民謠先驅Cocteau Twins，或是90年代的Mazzy Star，當然在主唱的聲音上各有不同的特點，所營造的空氣氛圍也是不盡相同，但在年代的角度上看來卻有種血脈相承的意味。

小時後曾接受過聲樂訓練的Victoria聲音雖稱不上纖細但卻相當的圓潤，聽似漂然但實際上卻充滿靈魂似的渾厚，在高中的她曾加入以表演Led Zeppelin歌曲為主的樂團，那時同學認為她擁有很好的嗓音，便邀請她擔任主唱，她從未想過自己會當擔任主唱這個位置，一直到相遇Alex組成了Beach House，她的好嗓音才逐漸讓眾人知曉。Alex則是在樂團成形時才開始玩起吉他，在歌曲的表現上頗有Galaxie 500招牌的悠長吉他聲響，滑順而不膩。

在Devotion這張專輯中，不時會聽到Victoria在電風琴上的優美演繹，加上Alex吉他背景似的點綴。”You Came to Me”有幾分在夢中與愛人相會的際遇感，”Gila”則是聯繫整張專輯的重點歌曲，在女聲的吟哦與幻般的琴鍵聲下夾雜歡愉的憂愁旋律，彷彿一切都是緩慢且不可破壞，”Holy Dance”猶如女孩拿著鈴鼓碎敲，歌誦神旨詩歌，跳著婉轉的步伐，等待愛人前來邀舞。

Devotion意指奉獻，它可以是一項高尚的情操，為某項事物或是人所無私的付出，但在反面的觀點上，卻也是被那些所奉獻的一切所制約，有點像是由愛情所牽扯出的絲線，懸掛在彼此的身上，兩個人的距離越近越感覺不出絲線牽絆的力量，當距離漸遠卻可以深刻的感受到線拉扯彼此的痛覺，聽著”Heart of Chambers”我們在海邊小屋裡開始有些這樣的感受。




Beach House - You Came To Me


Beach House - Heart of Chambers


Beach House - Gila

My Music - Gila