Thee Silver Mt. Zion Memorial Orchestra - Fuck Off Get Free We Pour Light on Everything

　　Thee Silver Mt. Zion Memorial Orchestra（錫安山）是以加拿大知名後搖滾樂隊Godspeed You! Black Emperor團員Efrim Menuck為首的樂隊，老實說，我過去一直專注在GY!BE的音樂卻往往忽略了錫安山，對錫安山的第一印象就是會唱歌的GY!BE，但對主唱Efrim Menuck的哀喪的嗓音不太習慣，但新專輯《Fuck Off Get Free We Pour Light on Everything》徹底改觀了我以前對他的看法，他曾說過有些人來看錫安山的演出並不希望聽到他唱歌，或許這個原因是因為他們慕GY!BE之名而來卻 沒聽到他們想要聽的音樂。

　　至少我覺得GY!BE與錫安山的音樂是相輔相成的，GY!BE沒辦法說的事情就交給錫安山的語言去說，錫安山不能 表達的意境就讓GY!BE去表達，如果要將他們獨自分開來聽也不會有什麼大礙。但不得不承認錫安山比GY!BE來得有個性，這個個性是屬於Efrim Menuck對於這個世界的憤怒。他們第三張專輯的專輯名稱《"This Is Our Punk-Rock," Thee Rusted Satellites Gather + Sing》開宗明義就是宣告錫安山就是我們的龐克搖滾，這裡的龐克搖滾已經不再是一種曲風、風格，簡而言之就是他們想對什麼事物做對抗就去對抗。當 Efrim Menuck被問到什麼是龐克時，他說這問題就像是在問一條魚，水是什麼？當你已經在「其中」的時候，也不用再去定義「其中」是什麼了。

　　專輯名稱取作《Fuck Off Get Free We Pour Light on Everything》像是一種可以呼喊的口號，與GY!BE的《'Allelujah! Don't Bend! Ascend!》有異曲同工之妙，帶著強而有力的鼓舞氣息。錄製這張專輯時他們刻意找了一間老式的公寓來當作他們的錄音場地，雖然離開了錄音室，但成果卻 超乎想像的好，團員調整為五人的錫安山，每個人都有相當大的發揮空間，每個人都能製造出大音量的聲景。專輯的確比以往錫安山的音樂來得大聲、緊實，至少前 面幾首歌很難讓人有喘息的空間，雙小提琴與一把電吉他在你的耳朵不斷嗡鳴 (Drone)，以及Efrim Menuck獨特的嗓音不斷吶喊著。

　　Efrim Menuck提到錫安山音樂很重要的一點就是要讓人知道他們是從何而來，專輯第一首〈Fuck Off Get Free (For The Island Of Montreal)〉就是獻給蒙特婁這處他們生活的地方，也是他們一直在對抗的地方，這地方有蓬勃的社會運動場景，也是一個對抗整個加拿大的起點，整首歌 的起伏震闊人心。

　　聽到〈Austerity Blues〉時你可能會想說 "Austerity" 是什麼意思，這個字意指「撙節」，也是政府一項經濟政策所使用的簡稱，在經濟低迷的情況下，利用提高稅收、降低社會福利、削減開支，挽救債務危機，但這項 政策並沒有換來經濟的成長，失業率反而上升，不少人成了政策下的受害者。〈Austerity Blues〉像是一首悲歌，對這套從底壞到頭的經濟體制表達不滿。

　　〈Take Away These Early Grave Blues〉急促的小提琴樂句讓人想到國樂裡的二胡，這樣非西式的表現手法相當有趣，激昂的提琴高音、吉他噪音、有力的鼓點全部鬥打在一塊，Efrim Menuck根本不在乎他唱的好或壞，他就是把聲音給唱出來，多麼如此獨特、怪異的嗓子啊，但你怎麼不被這樣誠懇的聲音所打動，聽他在〈What We Loved Was Not Enough〉的呼喊，想像我們眼前所擁有的一切最後都將崩壞、死亡，我們的愛永遠都不夠，不夠去對抗那些無形的體制，身為人父的Efrim Menuck開始想像會發生在下一代的事，如果我們對現狀麻木不仁，等著他們的未來會是死亡的恐懼，還是存活的希望。

　　二零一二年的十二月， 來自紐約布魯克林年僅十九歲的饒舌歌手Capital Steez自殺墜樓身亡，而專輯的最後一首歌〈Rains Thru the Roof at Thee Grande Ballroom (For Capital Steez)〉便是獻給才華洋溢的Capital Steez。錫安山覺得這些早逝的音樂人就像是活在Grande Ballroom這個傳奇表演場地牆上的痕跡，殘破卻在歷史上占有一席之地。

　　錫安山的音樂圍繞著死亡、光芒、希望，在這張《Fuck Off Get Free We Pour Light on Everything》也不例外，但更重要的是專輯中讓人所感受到的那股無法被鬆動的意志，Efrim Menuck說他們走的比傳統的龐克搖滾還要更遠，不過對抗的信念一直都沒有改變。在現在這個越來越易於包裝、偽裝的獨立音樂社群中，總有些真實的聲音不 會被掩蓋掉，該讓「滾開！讓我們得到自由並傾倒光芒在所有事物上」不再是句情緒化的口號，而是成為能使我們走得更遠的方向。

The Walkmen - Everyone Who Pretended to Like Me Is Gone

　　《Everyone Who Pretended to Like Me Is Gone》是The Walkmen的第一張專輯，也是我認識The Walkmen音樂的起點，一開始吸引我去聽的原因是這張專輯封面的照片很好看 (取自一戰前長期關注童工的攝影師Lewis Hine之手)，專輯名稱也取得很棒，但老實說，那時我覺得他們的音樂很奇怪，跟當時我在聽的其他音樂比起來是很不一樣的，應該說你找不到一個團的氣質是 可以跟他們相比的，如此復古的聲音，又如此充滿自我風格。

發行於二零零二年的《Everyone Who Pretended to Like Me Is Gone》剛好被歸納入後龐克復興的一波浪潮中，在前一年有The Strokes的《Is This It ?》，當年則有Interpol的《Turn On The Bright Lights》，這兩張都是被媒體捧紅到不行的專輯，然而十年後回頭看當時這波紐約的復興場景中《Everyone Who Pretended to Like Me Is Gone》這張專輯的位置到底被放在哪裡，可以說是哪裡都沒有，如果有也只放在喜歡他們的樂迷心中。但十年後的今天，其他兩張專輯已經被我放在一旁，只有 這張專輯能讓我不厭其煩的拿出來聽。我一直覺得我從來沒聽懂這張專輯，它像是一道未知的門，直到最近才找到開啟這扇門的門把，不過依舊不知道把門開了之後 有什麼在那邊等我。

　　如果說《Everyone Who Pretended to Like Me Is Gone》是一個新團所能製作出來的專輯，實在會有點讓人難置信，但早在The Walkmen之前團員們就已經有相當的樂團經驗，他們分別來自Jonathan Fire*Eater和The Recoys這兩個車庫搖滾樂團，去聽聽這兩團的音樂就會知道The Walkmen融合了當中最精華的部分，而在這樣的化學校應下，也難怪他們的首作就能有這樣出色的表現。

　　這張專輯是在他們自己的錄音室 (Marcata Studios) 用類比設備所錄製的，聲音聽起來相當的溫暖、真實，樂器部分給人些許低傳真的感覺，比起The Strokes的刻意，他們的聲音明顯誠懇許多。主唱Hamilton Leithauser唱歌的方式常會使用到喉嚨，並適度掌控嘶吼的韻律，在高音的部分唱的圓滑，他獨特嗓音是The Walkmen的亮點之一。除了主唱，他們也有很棒的吉他手、鼓手、鋼琴手、貝斯手，這張專輯讓我覺得每樣樂器都在對的位置上，吉他聲音或許來自 Rickenbacker Capri 360、Gretsch Streamliner、Fender Telecaster等這些活躍在六零老搖滾的吉他，時而脆亮，時而雜劣，而鼓擊聲的空間感相當廣闊包覆了琴鍵聲製造出朦朧的氣氛。

　　《Everyone Who Pretended to Like Me Is Gone》講的是一種對人與人之間關係的失落感，但不是絕然的感傷，而是給人獨自面對的力量。如同同名曲所唱的，當你從空中墜落時卻沒有人在下方接住你， 因為那些假裝喜歡你的人都走了，你被狠狠摔在地上，骨頭可能斷了幾根，但你還是得站起來，你知道那些虛偽不會把你給擊敗。〈French Vacation〉則是對朋友離開的愁然失落，活在關係斷絕的狀態中，所有的期望都付之闕如。接著在〈Stop Talking〉中講的是兩個人因言語而起的肢體衝突，當他事後想起，他依然會感到疼痛，但痛的不再是肢體的傷疤，而是內心的深處。到了〈Rue The Day〉他想起與許久不見的朋友的回憶，那個回憶如此在他腦海中如此壯大。在這一連串的歌曲之後，聽得出Hamilton Leithauser在乎那些與朋友之間的感覺，並且把他誠實的寫下來。

　　這張專輯的編曲走得並不是傳統歌曲的架構，它可能沒有明顯的副歌， 就算有副歌也是用相當奇怪的方式出現，可能整首歌就是副歌，像是〈The Blizzard of '96〉這首，但到了下一首曲子又變換不同的結構，這樣並不容易馬上的能讓曲子在你腦中留下深刻的印象，但這也是讓我聽不膩的地方，因為我很難去習慣它， 當習慣一首歌，就象徵它會開始讓你感到無聊。現在回過頭來看，他們後來的幾張專輯也很難重回到這樣獨特的感覺。

　　Hamilton Leithauser在這首他們早期的名曲〈We've Been Had〉唱著他不在意給人那種復古的形象。那復古到底是在復什麼的古，眷戀老聲音究竟是不是壞事，爭論這些有點疲倦，或許重點還是這樣的音樂能帶給你什 麼？好的音樂自然有它必須存在的位置。我喜歡〈We've Been Had〉的結尾，電吉他的聲音突然出現在很遠的位置，鏘鏘的發出聲響又慢慢的消失，彷彿在說我很高興能夠變老，然後消失在這個世界上。

　　每一個假裝喜歡我的人都走了，我知道這是好事，但還是會難過，如果人類註定生來孤單，離開的時侯也是孤單一個，聽完《Everyone Who Pretended to Like Me Is Gone》之後更體認到現實好像也是如此無奈，該試著開始自己學習堅強，並且面對所有分離所能帶來的苦痛。

Arcade Fire – Reflektor

        聽完《Reflektor》其實心裡有種五味雜陳的感覺，不自覺的感嘆現在的Arcade Fire已經不是他們當初的模樣了，至少不是當初那個在音樂上可以讓我感到深刻的模樣，每次他們有新作品，都得告訴自己不要拿來跟他們第一張專輯做比較， 但最後還是會忍不住產生對比，現在回過頭聽他們當初的作品，那種激勵人心依舊不變，反觀《Reflektor》給人的感覺是截然不同的，我也很難形容這樣 是好是壞。他們不斷去做新的嘗試，野心越來越龐大，但呈現出來的內容多少有點失焦，就音樂來說《Reflektor》並不是聽一次就會讓人說好聽的作品， 雖然這樣講起來好像是張劣作，但其實這是一張需要花時間聆聽的專輯，我一直相信Arcade Fire的音樂都是越聽會越好聽的，所以不死心的願意給它機會的反覆聆聽。

        主唱Win Butler陪同妻子Régine Chassagne回到她的故鄉海地，受到當地的音樂以及巴西電影《Black Orpheus》的影響，專輯封面為電影所參考的兩位希臘神話人物；奧菲斯和尤麗狄絲的雕像，你可以在網路上找到這則關於他們的悲劇故事。原本以為整張專 輯的主題會圍繞在這個悲劇上，但好像又不是這麼一回事，專輯名稱取作《Reflektor》是受到哲學家齊克果在《The Present Age》中對現代提出的概念所影響，同名歌曲〈Reflektor〉中的歌詞 "In the reflective age" 對應《The Present Age》中的一則寓言，說明現代人熱情的喪失以及擅於冷嘲熱諷，Win Butler認為這個概念也適用於當今網路世代，我們擅於在螢幕前批評卻不敢在真實生活中行動、冒險，臉書上所加入的朋友也不一定擁有朋友的情感，你以為 面對螢幕是在面對眾多人，但其實它只是一個折射出你自己的黑幕。

         從這首〈Reflektor〉就可以聽出來製作人James Murphy這位LCD Soundsystem的主腦所帶來的影響，他將Arcade Fire的音樂帶往更加電子舞曲的方向，但不知道是不是因為我對LCD Soundsystem沒有好感，我覺得除了舞曲的節拍外並沒有其他更能抓住人心的亮點，反倒曲子變得有點太長、旋律重複性太高。〈We Exist〉講的是宗教、家庭對於同性戀的壓迫，高喊「We Exist！」宣告他們和異性戀同樣擁有存在於這個世界上的權力。〈Here Comes The Night Time〉受到海地的傳統音樂Rara影響帶來相當熱鬧的氣氛，由於當地沒有電力，當黑夜降臨時所有人都急忙跑回家中的景象成為Win Butler在這首曲子中的主題。

        當你喜歡搖滾樂，是否會覺得自己與其他人有所不同，有點不正常，〈Normal Person〉似乎就在講這樣的事，當那些正常人對你投以異樣眼光，甚至讓你覺得自己是不是有些不太對勁時，請不要掩埋那些獨特的想法、興趣，每一個人都 有獨特之處，並不是平庸才能被稱為正常。〈You Already Know〉的出現還滿出乎意料的，這首歌Jangle的吉他彈奏實在讓人不斷想到The Smiths，但除此之外並沒有其他有意思的地方。

      〈Joan Of Arc〉以聖女貞德的故事重新為整張專輯帶來激勵人心的感覺，不少人猜測這首歌除了故事外是否藏有其它的暗喻。〈Awful Sound (Oh Eurydice)〉和〈It'S Never Over (Oh Orpheus)〉兩首歌則回到專輯封面的故事，就音樂上我自己比較喜歡〈It'S Never Over (Oh Orpheus)〉，有相當重的電氣節拍，但整體卻是呈現出悲傷的氣氛，將希臘神話帶到現代流行音樂中，讓現代人思索死亡與愛情之間的關係。

     〈Porno〉 講的是觀看情色影像的男孩如何變成一個自私的戀人，直到女孩將他那個自私的自我擊碎。〈Afterlife〉是我覺得專輯中最好聽的一首歌，回歸希臘神話 中的死亡與愛情，如果失去生命，這輩子存在的愛就這樣消失了，還是即使到來生都還會存在，到底有沒有所謂的永恆，這終究是人類無法解答的事情。

      《Reflektor》 讓人想到U2的〈Achtung Baby〉還有Talking Heads的《Remain in Light》等經典作品，Arcade Fire的確也想把《Reflektor》塑造成另一張經典專輯，但音樂卻還是缺乏了那一點動人以及獨特的要素，小提琴的部分消失了，也沒有一首是由 Régine Chassagne主唱的歌，不過歌詞的內容比普遍的獨立搖滾樂團來得有意思，缺點就是有點太過龐雜，要講的東西很多，卻沒有一個清晰的脈絡。 《Reflektor》是需要花一點時間才能慢慢進入的專輯，但卻還是忍不住想念當初那個最純粹的Arcade Fire，畢竟當時他們誰也不像，只像他們自己。

The Jesus and Mary Chain – Darklands

　　你心目中的荒島專輯是怎麼樣的？對我來說，其中一張應該聽起來就像是The Jesus and Mary Chain的《Darklands》這樣吧。《Darklands》在我出生的前一年(1987)發行，同年間也發行了為數不少的經典專輯，像是Sonic Youth的《Sister》、Dinosaur Jr.的《You're Living All Over Me》還有Depeche Mode的《Music for the Masses》甚至是R.E.M.的《Document》，瞬間，我們有了最棒的噪音/另類搖滾、電子流行樂，而《Darklands》呢？它像是一座獨特的孤島，專門收容喜愛躲藏在黑暗處的孤獨靈魂。

　　從《Psychocandy》到《Darklands》，他們在音樂上的轉變就像是The Velvet Underground從《White Light/White Heat》轉變到同名專輯一樣，不再使用大量的吉他噪音、反饋，轉而注重在歌曲的旋律上。前鼓手Bobby不再幫他們打鼓了，但Jim和William不在乎，他們拿起電吉他，把鼓機設定好就來寫歌，漂亮滑順的和弦行進，歌曲節奏從慢、中、快都有，整體以黑暗的歌唱旋律為中心，不停的旋轉、盤旋在心中，讓人猶如站在世界的邊緣，搖晃欲墬。

　　不得不說《Psychocandy》是一張很酷的專輯，也和他們在世人面前所擺出的酷的模樣相符合，蓬蓬頭、深黑墨鏡、皮衣，玩著大聲的噪音搖滾，連龐克/後龐克音樂都不放在眼裡，甚至挑釁著台下觀眾幹起架來，他們毫不在意，因為這個世界就是屬於他們的。但我喜歡《Darklands》甚過於《Psychocandy》，它讓你感覺到他們卸下了墨鏡，開始要與你對話，穿過那些暴力的表象之下體會到的是他們黑色的浪漫情懷，兩兄弟好像在說，我們不只很酷，也可以很浪漫。

　　整張專輯沒有一首歌是配角，簡單來說，就是沒有一首是不好聽的。從〈Darklands〉的前奏開始就相當引人入勝，歌詞中所透露出的是一個混亂的靈魂緩緩走向沮喪的過程，他在夢中走向黑暗之地，在死亡邊緣掙扎，他想要逃離卻又深陷其中，經歷了一場混亂又美好的惡夢。

　　而〈Deep One Perfect Morning〉則驅散了惡夢的陰霾，當太陽照在頭上，他再次感覺到世界的運轉，感受到真實的溫度，一種煥然而新的感覺。〈Happy When It Rains〉呈現的是在兩人關係間所產生的狂喜，你可以說這狂喜是病態的，當對方猶如陰雲在頭上下起傾盆大雨，被雨淋濕的自己所感受到的居然是超然的喜悅，這是一股偏執的愛意，包容著痛苦，享受關係拉扯間的痛楚，但只要再度一吻所有痛苦又將煙消雲散。

Jim在二十五歲的時候製作了這張專輯，正巧也是我今年的歲數，其實〈Down On Me〉是一首關於二十五歲的歌，這首歌的節奏比起其他首來得快些，聽起來像在衝浪一般，他覺得就算偽裝了自己，這世界還是瞧不起他，他對此感到不滿，他討厭這樣的感覺，二十五歲時你有這樣的感覺嗎，如果這是段黑暗的日子，何時才能看見曙光呢，沒有人能告訴你，你必須要靠自己走下去。

　　在那些搖晃欲墬的日子裡，根本數不清聽了幾遍的〈April Skies〉，這首歌是他們最棒的單曲之一，當你失戀時，這首歌會激勵著你。在四月的天空和太陽之下，分離就像是命中註定的事，一種死亡的感覺由內心而生，在天空變黑、太陽失溫之後，你必須熬過這段無比堅難的日子。

　　《Darklands》中的眾多意像包含了黑暗、陽光、天空、雨水、牆等，這些瑣碎的生活要素成為對比感情的物件，這不光僅僅是一張黑暗的專輯，你也可以說他很陽光，這些負面思考透過音樂所呈現的是一股反向的力量，我會說是黑暗的旋律可以撫平黑暗的心靈。這是一張私人的專輯，它折射著你的感情，你的過去，在你最深層的黑暗時代。

Snakadaktal - Sleep in the Water

　　從高中時期便開始玩音樂的一群朋友組成了Snakadaktal，你可能會好奇這組年輕的澳洲墨爾本樂隊的團名到底是怎麼來的，居然連翻閱字典都找不到任何解釋，據說是他們在數學課上畫了一種結合蛇(Snake)與翼手龍(Pterodactyl)的動物，於是就把這兩個詞結合在一塊，便成了團名Snakadaktal。

　　在EP發行過後，他們重新找到方向想要做一張關於海洋、讓人沉浸在水底的專輯，於是《Sleep in the Water》就因此誕生了，Snakadaktal音樂中潔淨透亮的單音吉他彈奏與男女雙主唱的表現不免讓人想到The XX，但整體的感覺更加的夢幻，鼓與貝斯低音也相當充滿韻律，如同層層的小海波給人沉浮的舞動感，旋律的部分並不會刻意的追逐流行，身為Beach House歌迷的女主唱Phoebe所唱出的是微冷的夢幻旋律。

　　專輯中的單曲〈Hung On Tight〉是由男主唱Sean來獻唱，這首歌的節奏感相當好，緊實的鼓拍與朦朧的吉他音色搭配出一種青春的迷惘。〈Deep〉中輕巧的電子鼓拍與合成器讓Phoebe飄渺的歌聲聽來幻妙，與下一首〈Isolate〉無縫銜接的完好，不得不說這首的貝斯聲線還編的真好，所有的律動都彈跳在鼓點上，各樂器的錄製混音都表現出立體的層次感。

　　另一首單曲〈Ghost〉就沒有那麼讓人驚艷的感覺，反而像是看著無風而平靜的海面，有些平淡卻不失深邃。反觀〈Feel The Ocean Hold Me Under〉的編曲就把他們所有的特點都帶出來，把海洋律動的感覺整個帶到他們的音樂上，而且充滿變化性，緊接上的〈Too Soon〉讓你整個放鬆在歌聲中，如同水中泡沫的叮咚聲響，給人在水裡沉睡的感覺。

　　聽著Sean隨著明亮的吉他旋律唱著〈The Sun II〉，就好比看著日落與愛情一同消逝在海平面上，但身旁還是有人正等著代表希望的曙光升起，他會告訴你，如果無法停止悲傷，就只好靜靜聆聽音樂吧。〈Sleep〉是一首將海洋化為搖籃的曲子，低沉的吉他聲調與吟唱，夢遊者從遙遠的夢中不斷呼喊意識還停留在現實的人們。

　　《Sleep in the Water》是一張相當完整的專輯，有著精心的起伏，曲子的調性相同卻又有變化性，成熟的編曲讓人忘了他們還只是大學生，如此年輕卻又有譜寫美妙歌曲的才華，甚至比一些前輩們還具由概念和格局，不禁讓人拭目以待這顆閃耀新星的崛起。

Sigur Rós - Kveikur

        經歷鍵盤手Kjartan的離團以及脫離主流廠牌Parlophone後，大家不免懷疑這對Sigur Rós的音樂會造成什麼樣的影響，而且去年才剛發行過專輯《Valtari》隨即又錄製了新專輯《Kveikur》並在今年發行，在這樣緊湊的行程下，他們是否能製作出一張好作品。

       不過這些疑惑在聽完《Kveikur》之後便消失了，或許我較不喜歡《Valtari》和《Með suð í eyrum við spilum endalaust》所帶來的平穩與喜樂，反倒是《Kveikur》所帶來的黑暗氣氛，很直接的就與我想要的感覺很契合，讓人想說：「對！就是這樣」，至少在這張專輯下我又重新聽到他們找回自己最初的模樣。

       《Kveikur》的封面採用了巴西藝術家Lygia Clark的攝影作品，這其實是她的一個藝術行動之一，讓照片上的人帶著她所製作的面罩，使人感到自身的呼吸與心跳，重造一個小型的私人空間，彷彿重新回到母體的包覆，而《Kveikur》的音樂似乎也帶著這樣重生的感覺。

         早先在現場演出便聽過的〈Brennisteinn〉，在專輯的版本上聽起來少了一些更強烈的低沉電氣感，但開場的氣勢還是很驚人，後半段的轉折不免會使人與Radiohead的〈Where I End and You Begin〉作聯想，但Jónsi用拉弦吉他所製造出的廣闊聲景還是相當具有特點，他很擅長利用破音的殘響來製造出獨特的空間感。

        以黑曜石的冰島語作為歌名的〈Hrafntinna〉，他們用鈴響般的敲擊穿過整首歌曲，Jónsi歌聲的低高起伏穿梭大氣夾層來到一處冰島的山嶺，你如同從地上黑曜石的黑色亮澤中看見自己模糊的身影，雖然我們這輩子也許不能有機會去到那樣的地方，但Sigur Rós的音樂給你的是超越空間的想像力，我們不一定要去過那些地方，也不一定要稱羨那些絕美的景色，回頭看，你會發現最美的早已經在身邊，我想這才是音樂的本質，每個人都有權力享受音樂所能帶來的想像力。

       〈Ísjaki〉或許是一首情歌，或許不是，但看歌詞感覺出是一種人跟人之間關係的崩離，就像冰山遇上火焰，彼此互相消融直至空無，Jónsi在這首歌中唱出了很好的旋律。

         而黑暗的同名曲〈Kveikur〉所帶來的是毀滅的警示，即使是燭光也是殘酷的火焰，歌詞寫著：「我們消失在地平線上，消融在太陽的記憶當中」給人一種地球的臭氧層消失殆盡而遭受太陽直射的灼烈感。至少〈Rafstraumur〉和〈Bláþráður〉感覺還能帶來些希望，但我們不並不確定那「希望」到底是什麼，在沒有歌詞的情況下，也只能用聽覺去感受。

        沒有賣弄長篇的實驗環境音效、後搖滾鋪陳，《Kveikur》是一張很直接的作品，一張充滿黑色氣氛又不至於了無生氣的搖滾專輯。後來，我在《Kveikur》後面接著聽他們的第一張專輯《Von》，整個氣氛居然莫名的搭合，像是一種重生之後的初始狀態，這次，他們真的重新找到了自己。

Primal Scream - More Light

　　將Primal Scream的歷年來的作品重新瀏覽一遍後，你會知道他們從來就不是一支墨守成規的樂隊，主唱Bobby Gillespie和他對搖滾樂的革新態度，從八零年代至今始終如一，或許難免有些失穩，但Primal Scream一直都走在前端的位置，隨著時代的巨輪一同滾動，不讓自己生上綠苔。

　　拋開Sony、Atlantic Records等音樂廠牌的束縛，專輯《More Light》由他們自家廠牌Ignition Records發行。這是一張不折不扣的搖滾樂專輯，包含十三首曲目，長達將近七十分鐘，還不包括CD2的六首曲目，可見他們在此火力全開，想做出另一張與《XTRMNTR》相抗衡的經典專輯。《More Light》並不受到搖滾樂單一音樂類型的限制，他們的野心更加龐大，在曲子中加入自由爵士、藍調等風格，雖然減少了電子元素的使用，但整張專輯的節奏感依舊強烈的可以，並不會因為薩克斯風、小喇叭的即興演奏就讓曲子飄渺的失去焦點。

　　Bobby Gillespie從來沒有停止對現代社會的觀察，媒體問他對於柴契爾夫人去世、現代搖滾樂、英國政治情勢等議題的看法，他都有自己的一套見解，當然他也將這些想法帶到Primal Scream的音樂上，在《More Light》的第一首子〈2013〉就是一首對當下社會的反思，歌詞寫著：底下階層的人們到了二十一世紀依舊是奴隸，龐克音樂來了又去，只像是擺出了姿態，沒有帶來任何改變；政治上的意見相左為的只是賺取龐大的利益，當你成為體制的一部分，權力將使你腐敗。一如往常，我們知道搖滾樂不能解決問題，但對於這樣無法解決的問題，Bobby的結論又是什麼，他唱著：最後的結論就是年輕人必須去革命！。

這樣的結論可能太過單純，但或許一點也沒有錯，雖然我們知道在這個力量過於分散的社會什麼都不會發生，不過還是不能放棄對實踐理想的想像力。當然，有人對於Bobby鼓吹革命這件事挺不以為然，畢竟他享受著搖滾樂帶來的名與利，遠離藥物對他的影響，過著舒適的生活，但撇開對於個人的觀感，就詞曲上來講，我對於他的某些想法還是認同的。

　　Bobby用饒舌的方式唱著〈Culturecide〉，這也是專輯中少數的電氣化歌曲，如同《XTRMNTR》時期的曲子，使用了強烈的節拍以及扭曲電子聲效。〈Hit Void〉如同航行似的節奏以及吉他音牆聽起來相當過癮，尤其最後的薩克斯風即興更是神來之筆，聽起來完全沒有違和感，實在讓我想給他一個瞪鞋爵士(Shoegaze -Jazz)這樣的新名詞，雖然我們在《XTRMNTR》早已聽過這樣的嘗試。

　　〈Invisible City〉的跳舞節拍與低音線令人驚艷，加上薩克斯風的點綴徹底將城市夜晚中霓虹光線的流動感表現出來，即使沒有Stone Roses貝斯手Mani的加持，他們的低音韻律還是不遜以往，這是一首完美的流行樂。由藍調龐克樂隊Gun Club主腦Jeffrey Lee Pierce寫詞的〈Goodbye Johnny〉經由Primal Scream編曲成為一首慢板的西部情調歌曲。與齊柏林飛船主唱Robert Plant合唱的〈Elimination Blues〉延續〈Goodbye Johnny〉的感覺瀰漫著藍調音樂的氣息，不斷變換的電吉他樂句為整體帶來十足的勁道，

　　出乎意料的，他們馬上拋開對於藍調的擁抱在〈Turn Each Other Inside Out〉使用Krautrock那種在低音與鼓上的交互節奏，又將浮點感的吉他彈奏加入，背景細微的噪音聲效讓曲子的層次感更顯著，不時也用猛烈電吉他刷奏，各種聲音的鋪陳讓人覺得這首曲子的製作相當用心。

　　專輯後半的曲子〈Walking With The Beast〉給我的感覺就像是他們在《Screamadelica》中最後的〈Shine Like Stars〉如此令人放鬆的曲子，而〈It's Alright, It's OK〉則是如同〈Movin' on Up〉那般激勵人心，非洲鼓、Bobby直接的旋律、靈魂女聲的合唱，告訴我們一切都會沒事。記得Bobby所講過的，就算音樂不會帶來具體的改變，至少它還能治癒人心，讓人不會感到孤寂。

　　要說《More Light》是繼千禧年的《XTRMNTR》之後最好的Primal Scream專輯一點也不為過。整張專輯給我的感覺相當完整，旋律性很好且編曲讓人耳目一新，很高興他們重新找到方向，在搖滾樂已經無法繼續前進的年代，為2013年做了一張標記性的專輯。

Deerhunter – Monomania

　　當所有痛苦化為另一種美，如同霓虹燈所散出的眩目色彩，你該如何將它訴說，運用文字、音樂，還是影像？Deerhunter的主唱Bradford Cox則是選擇用意識流的方式將它表達在音樂上。

　　在Late Night With Jimmy Fallon的舞台上Bradford Cox戴上假髮，穿著豹紋樣色的披衣，用繃帶綁在看似流血的手指上，化身為另一個角色Connie Lungpin。雖然觀眾不免對他的手指議論紛紛，但他不過是向他父親因木工而截斷的手指致敬。

　　舞台上的他看起來的確變了一個人似的，帶有痛苦以及憤怒的情緒，甚至曲子還沒結束就走出攝影棚，隨手拿了別人的飲料喝了一個就丟在地上，最後站在電梯旁等電梯，這一連串的行為在畫面看起來很戲劇化，讓人匪夷所思，或許Bradford Cox本身並不是這樣的一個人，不過他心裡的確住著另一個角色，外表華麗卻又是憤怒、痛苦的靈魂，如同龐克音樂憤怒的外表是隨時可以卸下的，它雖然可讓你扮演另一種角色，但也會是你的精神之一。這張《Monomania》聽起來就是如此虛實分裂的感覺。

　　對我來說《Monomania》是一張跟他們有所不同的專輯，聽起來很吵、很直接、很低傳真，你會以為Bradford Cox的聲音是經過特殊效果處理過的，但其實他只是用了一個普通一點的麥克風，外加上電吉他的破音效果也用得很足，使得音樂傳達出毀壞的雜亂感，從〈Leather Jacket II〉就可以感覺得出來那種車庫搖滾式的硬幹爽快。

　　熟悉Deerhunter的樂迷都已經習慣了每一張專輯都會有一首吉他手Lockett Pundt所唱的曲子，這張專輯也不例外，雖然只是一首歌，但少了〈The Missing〉的《Monomania》也只能算是半成品，Lockett Pundt的歌一直給人一種安定的感覺，至少讓這張專輯不會太快撞得頭破血流。

　　Bradford Cox在〈Dream Captain〉唱的是逃離，夢想著離開窮困的家庭，他可以放棄他的出生，只希望有人可以帶他離開這裡，這首歌的意念與Bradford Cox的生長環境有相承的關係。

　　而〈Sleepwalking〉則換成了夢遊者的角色，一個現實生活的夢遊者，有著孤寂包圍的心靈，渴望用歌唱來治療這個孤寂的病症，但最後什麼什麼也沒改變，只能換得一次又一次的疲憊。

　　在《Monomania》裡，Lockett Pundt獨奏的吉他聲線聽起來越來越有自己的風格，像同名曲〈Monomania〉中電吉他的循環樂句凌駕在噪音牆上，透亮的聲音聽起來像在空中迴旋的光芒，隨著Bradford Cox乾雜的嗓音一起爆破，這首歌或許是描述一段三角關係的爭執，感情受創的一方唱著這首歌來宣洩他偏執的情緒。

　　《Monomania》追根究柢是一張很Bradford Cox的專輯，孤獨、病態且痛苦，由此轉化出來的音樂是一種異態分裂的美，猶如瞧著冰冷街道上的霓虹燈管，製造著幻覺的訊息，傳達給所有非正常的寂寞靈魂。

Foxygen - We Are The 21st Century Ambassadors of Peace and Magic

　　從Foxygen的上一張作品《Take The Kids Off Broadway》發行後，我便對他們的新作有所期待，畢竟現在能將老搖滾翻玩的有意思、有創意的獨立樂隊並不常見，然而對於Foxygen這組披著老靈魂外皮的年輕樂隊來說，最被受質疑的地方還是這樣的模仿是否會讓前人的影子掩蓋掉他們自己的音樂本身，但聽完專輯《We Are The 21st Century Ambassadors of Peace and Magic》後，會覺得他們似乎在說：「這就是我們想玩的搖滾樂，好聽、開心就好，別那麼認真嘛」

　　這專輯聽起來並沒有《Take The Kids Off Broadway》能給我的驚奇，拿掉一些怪趣的實驗編曲，整體聽起來變得流行許多，也不像The Apples in Stereo那樣流行歡樂到極至。失去了些特色，整張專輯雖聽起來好聽，但卻是擺在中規中矩的框架中。

　　不過至少披頭四迷在聽到〈In The Darkness〉這首兩分鐘的迷幻流行樂，還是會有點懷舊，但正當你還在回想英倫入侵時，他們的〈No Destruction〉馬上就擺出狄倫伯和路李德的架勢來反擊，而這場復古對決的勝敗自在人心。

　　〈On Blue Mountain〉的歌詞寫著：＂We can live on the mountain , Like living in the sunset＂描繪一種想要住進藍山脫離俗世的心情，讓他們就像是當代的嬉皮，尋找一處不存在的理想國。俏皮的〈San Francisco〉是一首單純無害的情愛小品，甚至是單純的有點過頭了。

　　單曲〈Shuggie〉聽來有點強裝憂鬱，但在變奏之後又給人激勵之感，前段還唱著：＂she don’t love me, that’s news to me＂，後面又接著唱＂If you believe in yourself you can free your soul＂，像是內心的自我對白，憂鬱之後又為之愉快，相當搞怪。

　　直到專輯同名曲〈We Are The 21st Century Ambassadors of Peace and Magic〉才又開始搖滾起來，頓時猶如滾石樂團上身，胡亂吼叫，重覆的吉他刷扣，變換憂鬱的調子，算是專輯中比較有意思的曲子。

　　能在這些經典搖滾之中翻來覆去，Foxygen的確有他們的才華之處，但這一招半式還能闖蕩多久，是否還可以從老搖滾中找到別的路子，這對未來的他們來說將會是一門很大的課題。

Yo La Tengo – Fade

　　對於Yo La Tengo我們這些樂迷還能多說些什麼呢，他們甚至已經不需要再出一張專輯來證明自己在獨立搖滾這領域中的地位，但好像也沒有什麼能讓他們停下腳步來，就因為對音樂的熱愛，他們還是依舊邁開步伐的往前走去。

　　如果心情煩悶，有苦難言，聆聽這張《Fade》或許有些療癒的作用，至少對我來說這是張激勵人心且溫暖的一張專輯，就像在寒冬中雙手握著剛泡好的一杯熱飲，感受到一鼓溫熱由杯面散發出來，抵禦著雙手的寒冷。

　　聽著開場曲〈Ohm〉的歌詞寫著：”Sometimes the bad guys go right on top , Sometimes the good guys lose , We try not to lose our hearts , not to lose our minds . “這句真的是寫到了心坎裡，也勵志著心情，他說的很對，面對環境的惡劣，即使我們輸了，也不要喪失自己的心與意志，吉他手Ira Kaplan淺淺的吉他破音在曲子滑行、顫動，鼓手Georgia在背後哼唱著招牌的「嘟～嘟～嘟」，曲子選擇用fade out(淡出)的方式結束，與專輯名稱不謀而合。

　《Fade》不像前作《Popular Songs》有這麼多的吉他破音以及《I Am Not Afraid of You and I Will Beat Your Ass》那樣的繽紛趣味，反倒是相當的平淡，但在平淡中又施了一點實驗的小技倆。不知是否因為由Tortoise鼓手John McEntire來擔任製作的緣故，像是〈Well You Better〉和〈Stupid Things〉都偷渡了Krautrock的元素進去，4/4拍的鼓擊與吉他、鍵盤在切點上跳躍，聽來有點流行、滑順，又有種內行人才懂的怪趣味。

　　像是Georgia唱的〈Paddle Forward〉這樣短小又直接切入主旋律的曲子，可以說是我喜歡Yo La Tengo的一個小特點，有種「不囉嗦的誠懇」，他們要不是把曲子做的很短，就是把曲子作的很長，但重點是都很好聽，不過《Fade》並沒有特別長的曲子，這也是與以往比較不同的地方，通常他們專輯的最後一首歌都會有一首長曲讓大家留有餘韻，這次取而代之的是六分鐘的〈Before We Run〉。

　　〈I'll Be Around〉與〈The Point of It〉兩首以木吉他撥、刷弦為主奏的曲子都給人靜謐的感覺，Ira低低的歌聲在耳邊輕訴著兩人面對恐懼時的陪伴，而〈Cornelia and Jane〉和〈Two Trains〉則是專輯中兩首最美的曲子，迴響效果的吉他聲線，弦樂佐陪，適合著陰暗落雨的天氣。

《Fade》是一張必須日積月累細細聽進去的專輯，或許一開始聽時並沒有太大的感觸，但就像在黑暗中尋找微光一般，它能慢慢指引著你方向，不讓我們迷失在真實與虛幻的洪流當中。

包子虎 – 所在

　　在唱片行看到《所在》擺在架上，心想這張專輯的包裝也太大氣了吧，由淺橘色的紙頁圍起兩片厚實的厚紙板，拿在手上像是拿著一本精裝書兼防身武器，延續了上張專輯《Highway Children》將唱片藏在摺紙裡的方式，買回來拆開後，手工折成的紙頁還能展開成大幅的海報，就像他們音樂裡的情緒都是微小而巨大的，我很喜歡這樣具有巧思的專輯包裝。

　　不同於《Highway Children》的低傳真感，《所在》的錄音品質可以說是大幅提升，每一樣樂器聽起來都相當扎實有勁，猛烈的吉他刷扣，爽快的吉他獨奏，搶耳的貝斯律動，主唱佑子還是用生命在唱歌，這種唱法幾乎是集所有力氣於喉頭，那並不是單純的吼叫，而是真實情感的流露，切切實實的踢了檯面上所有虛假的搖滾樂一記屁股。

　　包子虎的音樂不只聽起來熱血，歌詞更是熱血的充滿感情。〈Second Time〉的歌詞寫著：「管他是不是還能有明天，只要保護好帥氣的臉」實在是硬漢的帥氣卻又好像是長大後才能體悟到的什麼。同名歌曲〈所在〉是整張專輯中的核心，佑子用台語唱著過往事，在經歷所有無情的歲月摧殘後回憶青春時的迷惘，而那樣的迷惘始終是我們的歸屬和最初的所在。

　　雖然依舊聽不懂〈天才與白痴〉唱的是什麼，但「清早起來吃早餐吃完才有力氣，吃完早餐出去玩看看要去哪裡」這句真是生活化的有趣，給人一股朝陽般的能量，比其他早餐歌還厲害。

　　從第一首〈吼〉到〈行進曲〉像是《所在》的第一部分，從〈行進曲〉後則是第二部分，即使沒有刻意強調，《所在》的專輯概念性卻隱隱的浮現在耳際。我覺得佑子寫詞很厲害的地方是，用很簡單的字句就可以把很美的畫面勾勒出來，像在〈鹿的淚〉唱道的：「日夕時將夜，小倉山鹿鳴。鹿鳴悲壯裡，去盡是秋聲」裡面相當有影像感，除此外，這首有很棒的旋律，還有奔馳的噪音吉他都使得曲子更加生動。

　　《所在》的好聽之處就在於歌曲的流暢度，專輯每一首歌的節奏都是動起來的，如同駛上公路的快車，讓歲月濃縮在這段不長也不短的車程中，讓速度感帶你回到鄉愁的所在。最後的〈小鳥〉唱著：「穿越了悲傷的街，穿越了希望的夜，看遍了冷漠的臉，讀遍了荒唐的眼。期待一個完整的世界，等待一個美好的明天。」我們會知道，帶著滿身傷痕到達旅途終點並不是結束，而是帶著更深的期待無畏的往下一個目的地前進。

Foxygen - Take The Kids Off Broadway

      《Take The Kids Off Broadway》是 Foxygen 在獨立廠牌Jagjaguwar發行的首張EP，他們的音樂很難用三言兩語來定義，熟悉老搖滾的樂迷或許能從他們的音樂中找到許多熟悉的脈絡，但Foxygen的拼貼性又將那樣的脈絡重新打亂，組合成自己想表達的東西，簡而言之就是「怪」。在這個新意枯竭的年代，勢必會讓各方怪團崛起，但音樂要「怪」的好聽又不讓人感覺是來胡鬧的實在少之又少，然而Foxygen就是「怪」的有點好聽。

　　還是很難相信Sam France和Jonathan Rado這兩位二十二歲的年輕人，能在自家中錄製出這張作品，低傳真精神、復古靈魂、迷幻旅程、胡搞瞎搞，幾乎什麼都來，好像The Velvet Underground、The Rolling Stones、The Beatles、The Doors這些六零名團聽的太入裡，聽到都能掌握其中的精隨。

    〈Abandon My Toys〉聽來如同《Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band》的錄音效果，瞬息萬變的聲效穿梭飛越其中，實驗性和迷幻味十足，旋律即興變奏，曲末接應曲首。主唱Sam France在〈Make It Known〉中一開始的嗓音像極Scott Walker，但也只是一開始，後來激昂的副歌橋段則是配合一些不斷變幻音調的詭異碎念，你很難抓到曲子的主線，但每到副歌你還是能確定這是同一首曲子，好像去費里尼電影中的馬戲團逛了一圈回來，實在是詭妙，然而歡鬧的〈Take the Kids Off Broadway〉也有異曲同工之處。

　　長達十分鐘的〈Teenage Alien Blues〉是整張專輯的「經典」之處，為何要用「經典」這兩字，因為聽的出他們想把一些老經典的樂段拼貼出一首完整的曲子，聽似毫無章法卻依舊吸引人，彷彿他們想要做出一首自己的〈Sister Ray〉(The Velvet Underground)，展現出當今樂隊少有的野望。

　　到了〈Why Did I Get Married?〉則換成Bob Dylan的嗓音上喉，當然也只僅限於某些段落，狄倫絕不會像他一樣亂吼亂叫，隨地顫動音節。獻給歌手Richard Swift的〈Middle School Dance〉運用了一些鋼琴把戲，Sam France的唱法始終不正經的有趣，曲末與專輯的開端一樣做了相同的呼應。

　　即使Foxygen充滿著復古靈魂，但聽來卻是青春無敵，絲毫不讓人感到陳舊。以一張EP的內容來看，《Take The Kids Off Broadway》的格局實在是超過常人的耳界，除了一大票的翻玩創意，還可以讓人找回那些消失已久的聆聽樂趣。

透明雜誌Forever

        在聽了無數次透明雜誌的《我們的靈魂樂》後，心裡更加確定這張專輯在自己生命中佔了個不可抹滅的位置，無論是在服兵役的通車路程上，還是行走在這塊土地的大街小巷，帶上耳機，按下撥放，他們的音樂總是這樣激勵著我，將所有沮喪的心情都埋沒到壯大的吉他噪音與吼叫裡。有人說音樂是一種出口，而我相信更多的人在他們音樂中找到能打開通往出口的鑰匙，重新找回對音樂的熱情。

        聽他們新發行的EP《透明雜誌Forever》與聽《我們的靈魂樂》的心境又是有所不同。單曲〈透明雜誌Forever〉帶來的感覺就像是以愉悅無比的心情要去與世界對抗，你不知道能對抗出甚麼東西來，但還是要執意要與它產生碰撞，也像是在家聽了一百次The Replacements的〈Bastards Of Young〉，心中突如產生一種「改變」的念頭，就這樣無目地的衝出家門，喊著＂We Are Forever Young！＂完成自己青春內心的小革命。

       〈野貓〉是EP裡最可愛的一首歌，有著逗趣短打的電吉他Riff，以貓為視角的歌詞，你可以隨著這樣的視角穿梭每個街弄屋頂，聽著旋律閉上眼就能進入野貓眼中的世界。〈野貓〉讓人以新的角度體會野貓們的生活，以及它們應得的尊重與關愛。

         上班時聽〈Beer's Waiting〉實在會讓專注工作的心情有一百八十度的轉變，歌詞唱著：「不想去工作，只想喝啤酒，想和老朋友們聯絡，一起去郊外走走。」坐在辦公司看著窗外的豔陽，此刻只想離開這裡，騎車追逐日光往海岸線前去，將苦悶的生活拋在腦後，與老友聊聊屁事，自由自在的過著生活，等待每一口還未喝下的啤酒。

       〈萬華的宇宙〉這首歌勾起了不少回憶，它讓我想起國中下課時總是要搭捷運到龍山寺站，前往位在萬華的補習班。黃昏時，沿著西園路走著，途經有著歲月痕跡的服飾店、無人知曉的老舊房子，空氣充滿懷舊的味道。趕在上課時間前，我們鑽進東園街內的撞球場敲上幾竿，朋友說樓上有為數不少驚人的「家私」，但我從來不知道他口中的傳說有哪些是真的，偶爾也去網咖打打電動，在漫畫店翻幾本漫畫，跟補習班老師同學們一起在華江高中打籃球，時間飛逝，現在回想起來，沒想到那樣的生活早已經離我遠去；那些熟悉的味道，那些我們曾經擁有過的宇宙。

        如果喜歡透明雜誌的音樂，請務必去聽他們的現場，體驗他們現場演出的巨大能量；拋開那些有的沒有的煩惱、焦躁煩亂的思緒，就在一瞬間你會找到那個年輕的自己，拒絕碎念說著：「我真的老了…」，改喊「我們會永遠年輕！我們會永遠年輕！」那絕對不光是口號，而是一股由內而外的無限力量。

The Men – Open Your Heart

有時候只想聽一些能讓吉他噪音直衝耳門的音樂，什麼都不用想，只需要隨著節奏晃動身體，死命點頭就好。如果這個節奏能對你的味，跟著它點頭除了是種律動的反射，也表示了對這音樂的贊同，不用去多說些什麼，肢體動作便是最好的語言。

The Men這團名還真夠率性，就如同他們的音樂一樣，純粹且直接，鼓點一下，電吉他一刷，馬上就可以讓人墜進它們音樂的律動中，撥著他們的新專輯《Open Your Heart》，還真能叫人打開心扉，沒有顧忌的點頭贊同那噪音所帶來的能量。聽搖滾樂聽到後來到底是在聽什麼，在這什麼都後現代的時代，我們都有點迷失方向，但還好The Men的音樂又把那心中的不確定指針導向了正軌。

《Open Your Heart》雖然不像上張專輯《Leave Home》這麼硬蕊，具有攻擊意味，但曲子變得更有旋律性，曲風的組合也更加多元化，從Punk、Garage Rock、Noise - Rock、Country到Krautrock無一不包，喜歡他們之前暴戾風格的朋友可能會有點失望，但這張專輯對我來說一切都很到味，沒有任何東西是多餘出來的。

開場曲〈Turn It Around〉便玩起車庫搖滾，吉他Riff與Solo連成一氣，再以紛亂的鼓點作結，尾奏極具氣勢，而龐克短調〈Animal〉銜接在後，主唱嘶吼著嗓子，像是扯裂開家裡的真皮沙發，在上頭跳上跳下讓裡頭的棉絮飛散在空氣中，好不過癮。

〈Oscillation〉鼓擊著Krautrock的平穩拍子，機槍式的俐落過門，吉他聲效與刷奏乘坐在節奏上飛快行進，然後，低沉的念唱被淹沒在噪音之河中，只剩反饋聲響殘餘。重裂的破音吉他橫貫整首〈Open Your Heart〉，情緒旋律哽咽在喉頭，滴下的硬漢眼淚，落入路面積水，引起旁人無法看見的一片漣沂。

這首鄉村音樂感的〈Candy〉擺在這張專輯裡顯得十分有趣，從吵雜的聲響回到平靜時，倒能使得鬱悶的心情得到些轉換。在七分多鐘的〈Presence〉中，他們又突如玩起重厚氛圍的迷幻搖滾，由人聲吟唱與吉他Drone所鋪疊成一條無盡長路，讓聽者行走在虛無飄渺之上。把〈Ex-Dreams〉擺在整張專輯的結尾，肯定叫人聽得意猶未盡，快速的節奏，穿梭往來的吉他噪音，這首實在是十足的Sonic Youth風格。

《Open Your Heart》讓人知道The Men不光只能玩一種風格，他們也能把其他東西玩的很好，相信他們在這張專輯後能受到更多的注目。如果你需要一個痛快，一個許久不見的搖滾節奏，那就聽聽他們吧。

Tindersticks – The Something Rain

每當雨季來臨時，看著陰雲密布的我常常會想起一些低沉抑鬱的音樂，當中選項亦不乏有Tindersticks。雨的滴落聲與主唱Stuart Staples低沉的嗓音融合，彷彿兩種原色交融所產生出的暗層色調，氣氛惘迷，空氣滯悶。

聆聽《The Something Rain》時，雨與落下的意象更是顯著的浮游在腦海之上，當然不光只是由專輯名稱來臆想，而是節奏和樂器聲響所呈現出來的氛圍符合著雨的各種表徵，潮溼、滴落、冷沉。

雖然幾經成員的汰換，Tindersticks始終維持著豐富的樂隊編制，而《The Something Rain》的樂器編制除了搖滾樂標準的三件式樂器，還有大提琴、各式薩克斯風、巴氏水晶琴、低音單簧管等。而薩克斯風的表現更使得整張專輯擁有爵士樂的調性。

長達九分鐘的〈Chocolate〉沒有歌聲，只有團員David Boulter的念詞，他可能講述故事，可能自言自語，器樂聲緩慢包裹起他的聲音，爾後消失，極為低沉的一首序曲。中快節奏的〈This Fire Of Autumn〉如同一首秋季輓歌，一場無名大火正燒去枝葉，但水晶琴的敲擊又似雨滴前來滅熄，大自然獨自抗衡它們的情緒，人類亦是如此。

〈Slippin' Shoes〉由薩克斯風引領整曲，搖擺的節奏令人想鑽進大街上的雨陣中慢舞，淋濕全身也無所謂，無可救藥的浪漫。〈Medicine〉慘愁的旋律圍繞所有景像，巧慢的節奏彷照著雨珠落下地面的滴答聲，應和著訴說著悲劇的提琴弦鳴。〈Frozen〉則將整張專輯的氣溫降至零點，各樂器即興詭譎的回應著彼此，Stuart Staples不斷詭異的唱著：「如果我能緊握著妳，緊握著妳。」在對自我和他人的救贖中徘徊不定，氛圍相當強烈的一首歌。

有時，我們在捕捉某樣東西時，就像用手接迎不斷落下的雨滴，雖緊握每一顆滴珠，卻無法阻止它從手掌的細縫滲出，我想，《The Something Rain》多少是屬於對此種失去所產生的失落感。